(4) Supertramp "Crisis? What crisis?" [1975]

Crime of the century puso el listón muy alto en la carrera de éste estupendo grupo sinfónico que tuvo en los años 70 su década -sino la única- más reivindicable. Aún así la presión que les podía haber pasado factura a causa del éxito y la calidad de su anterior trabajo, no les afecto en lo más mínimo. La banda capitaneada por Davies & Hodgon realizó una especie de continuación con un puñado de soberbias canciones.
La obra emprende su recorrido con la tranquila introducción “Easy does it” la cual enlaza con la dinámica guitarra de “Sister Moonshine”, dos canciones con una sugestiva acústica. El rock-blues “Ain´t nobody but me” es un gran tema que roza la instrumentación hard, “A Soapbox opera”, bellísima sinfonía que despliega las cualidades compositivas de Roger Hodgson, deja al oyente en una especie de estado hipnótico. En el ecuador del disco hallamos la obra maestra “Another’s man woman” con un Rick totalmente inspirado en su ejecución pianística y con una magnífica parte instrumental como punto culminante del tema. “Lady” y “Poor boy” -a base de ritmos de teclado y coro- acreditan su característico sello. Una de mis preferidas es “Just a normal day”, sobre todo por la sensibilidad que desprende su melodía y por el juego vocal entre el tandem de compositores. “The meaning”, su canción mas arriesgada, tiene una gran calidad con incursiones jazzisticas (siempre persistente la fundamental aportación de Helliwell en los instrumentos de viento). La mítica “Two of us”, que cierra todos sus conciertos supone un admirable epílogo para este recomendable álbum.
Por finalizar, resaltar su ingeniosa y mordaz portada en la que podemos ver a su saxofonista descansando plácidamente en una tumbona -sombrilla y cóctel incluido- junto a un paisaje totalmente desolador (nunca una puesta en escena será tan sempiterna como ésta).
Valoración: 4,08

(1) Coldplay "Viva la vida" [2008]

Si hay un grupo en la actualidad que detesto son los británicos Keane. Tanto sus canciones melifluas como sus melodías pegajosas de su horroroso Hopes and Fears (04) siempre me han producido una especie de aversión que me conduce hacia la desconexión de cualquier reproductor que empiece a emanar sus notas musicales.
Me irritaba cuando, por aquel entonces, la prensa especializada empezaba a compararlos con la banda de Chris Martin. No entendía como a un grupo que había sido capaz de gestar obras tan interesantes como Parachutes (00) o, en menor medida, A rush of blood to the head (02), ambas -sobre todo la primera- de una extraordinaria pureza y con ciertas reminiscencias del "sinfonismo setentero", se les podía comparar con semejante patochada.
Sin embargo, desgraciadamente, el cuarteto se ha esforzado en dar la razón a los que pregonaban dicha analogía. Si X&Y (05) ya supuso un verdadero salto atrás en su discografía con su afán de crear música de estadio a base de formulas archiconocidas, éste Viva la vida or death and all his friends es un autentico descenso a los infiernos. Canciones facilonas, singles hechos a medida para los 40 principales como la penosa “Viva la vida”, empalagosas monerías como “Lovers in Japan”, piezas de sabor prefabricado como “Violet hill” y tonadillas simplonas y asequibles para el gran público como “Death and all his friends” hacen que se cumpla el desencanto que se adivinaba en su anterior trabajo. Algunos aciertos como “Yes” con su aire oriental que recuerda a “Daylight” de A rush of blood to the head, sólo hacen que maquillar el resultado de esta obra. Espero que el talento de Chris Martín reflote en sus próximas entregas, porque otro fiasco como éste me obligará a dimitir como seguidor.

Valoración: 1,17

(3) Jaymay "Autumn Fallin' " [2008]

La cantautora neoyorquina Jaime Seerman ha realizado un soberbio trabajo, en mi opinión uno de los discos del año. Su estilo folk -heredero del mejor Dylan o Young- es transportado a su terreno personal a través de su cálida guitarra, su sugerente voz y sus cadenciosas melodías.
Este disco introspectivo espolvorea lágrimas de optimismo con una colección de bellas canciones que tiene su máximo exponente en temas como el single “Gray or blue”, las deliciosas “Blue skies” y “Sycamore down”, la sorprendente pincelada swing-jazzy “Hard to say”, el encantador tarareo de “Green sea blue” y los diez minutos de “You’d rather run” que nos recuerdan a algunos pasajes del Blonde on Blonde de Dylan .
Para coronar el disco Jaymay nos brinda dos auténticos himnos guarnecidos de una prodigiosa melodía: "III willed person" y “You are the only one”, una y otra, para cerrar los ojos y soñar.
Valoración: 2,89

(2) REM "Accelerate" [2008]

Escuchando la primera canción de esta obra “Living well is the best reveng” podemos percibir cuál es la propuesta del grupo. Una invitación que se traduce en un trepidante, eléctrico, corto -34 minutos- pero muy intenso trabajo.
Accelerate es una grata sorpresa en el panorama musical de 2008, un disco con un sonido muy directo, con potentes guitarras y que reivindica la modulación vocal del mejor Michael Stipe. Este retorno a sus orígenes desprende unos textos comprometidos -crítica a la administración Bush incluida- y atesora una amalgama de garaje, punk, rock y psicodelia a lo largo de sus temas. Tal compendio se puede comprobar principalmente en cortes como la gran instrumentación de “Man-sized wreath” con una inmejorable línea de bajo, la excelente “Mr. Richards” que resulta ser una inteligente combinación melódica entre la punzante guitarra y las cuerdas vocales del cantante, la inicialmente pausada “Hollow man” y su posterior progreso hasta un medio tiempo típico de la banda y, sobre todo, las dos ultimas bombas con las que acaba el disco: ”Horse to water” y “I’m gonna DJ”, un par de movidísimas piezas dotadas de un ritmo frenético.
La banda de Stipe demuestra en esta entrega que, a pesar de los años, aún es un conjunto con una indiscutible elegancia y distinción en el contexto musical actual.

Valoración: 2,16

(4) David Bowie "Hunky Dory" [1971]

Hunky Dory -como es habitual en las obras de David Bowie- tiene la gran virtud de ganar en cada escucha. Por mucho que pase el tiempo siempre encontramos diferentes matices a la hora de disfrutar de su variedad de registros. Estamos ante el cuarto disco de su discografía, preámbulo del genial Ziggi Stardust y escucharlo significa introducirse dentro de un mundo onírico, lírico, sensual y cautivador.
Aderezado de sus influencias artísticas -Andy Warhol , Bob Dylan, la Velvet Underground y el surrealismo de Barret- este disco ofrece un inmenso abanico de posibilidades: la conjugación perfecta de piano y guitarra en “Eight line poems”, el hipnótico psico-folk en la magistral “Andy Warhol”, la vampirización dylaniana en el tributo “Song for Bob Dylan”, el melódico e inquietante enigma de la magnífica “Quicksand”, el guiño que le hace a la Velvet en “Queen Bitch”, la evocación de la infancia en “Kooks” (dedicada a su hijo), la versión de Biff Rose “Fill your Heart” de aire cabaretero, la lírica y la suavidad del piano de “Oh! you pretty things” y “Life on mars”, la vibrante melodía psicodélica de “The Bewlay brothers” y la más conocida, la sensacional “Changes” que abre el trabajo con un anuncio y propuesta de "cambios" musicados con gran habilidad.
Hay que mencionar la portada donde el cantante simula a Greta Garbo y muestra, de esta manera, su ambigua identidad sexual que no era más que una manera de romper esquemas, aún más si le añadimos el lesbianismo de la actriz. No obstante si hay algo que escandaliza es la inmensa calidad del disco, gestado en la mejor etapa de su creador; la que va desde Space Oddity hasta Diamond Dogs.

Valoración: 3,97

(3) REC, de Jaume Balagueró y Paco Plaza [2007]

Capacidad de creación e innovación

Película de terror de bajo presupuesto realizada con mucho ingenio por sus autores quienes logran transmitir todos los condimentos que contienen los films del género.
Rodada en cámara en mano -a la manera de "The Blair Witch Project”- la obra toma como base narrativa un programa de televisión y, de esta manera, su atmósfera asfixiante, tenebrosa y perturbadora deja al espectador con una gran sensación de angustia, prueba del gran mérito de sus realizadores.
Aunque el film recorre a fórmulas ya conocidas como la utilización del falso documental o la visión nocturna que recuerda a "El silencio de los corderos", su gran virtud, sin embargo, es su capacidad creativa y de innovación que suple talentosamente la falta de presupuesto. La historia parte de unos planteamientos simples (el mero trabajo de unos reporteros) que se convierten en complejos (las relaciones entre los bomberos, policías y los vecinos que se solapan con la espiral de violencia hasta obtener una atmósfera estremecedora). Si a todo eso le añadimos la acertada cámara subjetiva -con sacudidas que derivan en imágenes movidas y difusas- dan como a resultado una película sobrecogedora. En definitiva, estamos ante un terror de calidad que tiene en su protagonista la actriz Manuela Velasco -fruto de su gran trabajo- su máxima valedora.

REC. 2007. ESP. Color
Dirección: Jaume Balagueró y Paco Plaza
Intérpretes: Manuela Velasco, Ferrán Terraza, Jorge Yamam Serrano, Carlos Lasarte, Pablo Rosso, David Vert, Vicente Gil, Martha Carbonell
Guión: Luiso Berdejo, Paco Plaza y Jaume Balagueró
Fotografía: Pablo Rosso
Vestuario: Glòria Viguer 

Críticas de Paco Plaza en Rockmatógrafo: 
Verónica (2017)

The Who vs. Los Brincos

Siempre he pensado que tanto Fernando Arbex como Teddy Bautista han sido -aparte de pioneros- dos de los máximos exponentes del rock nacional. Creo que nunca han sido lo suficientemente reconocidos, ni tampoco se les ha valorado su fundamental aportación a la cimentación y posterior desarrollo de la música popular en el estado español. Su mérito es todavía mayor si le añadimos que, en su juventud, el espacio de historia concreta que les tocó vivir -untada por las represoras restricciones culturales propias del franquismo y de la conocida xenofobia hacia todo lo anglosajón de procedencia beat- obstaculizaron sobremanera su proceso creativo.
De todos modos este no es el propósito de este post -más adelante comentaremos algunos discos importantes de ambos en grupos como Los Brincos, Alacrán, Barrabas y Los Canarios- sino poner de relieve una polémica que ocurrió a finales de los años 60 entre Los Brincos y The Who.
El año 1968 fue el año en que Los Brincos publicaron Contrabando, con incorporación de nuevos guitarristas y con un sonido más arriesgado (aunque todavía estaba por llegar su progresivo World, Devil & Body). Dada la influencia que los nuevos sonidos procedentes de Gran Bretaña tuvieron en Arbex y, sobre todo por su inclinación hacia grupos como The Who y The Beatles, éste realizó canciones de naturaleza beat-rock en lengua inglesa como "Cry", "I try to find" o "Walking Alone".

Una de las canciones del L.P. llamada "The Train" y que aparecía como cara B del single Lola, fue la que ocasionó una demanda judicial por plagio de parte de su venerado Pete Townshend. Su argumentación era que esta canción era un calco de su single de 1966 "Substitute". Y la verdad es que aunque la base rítmica y el inicio de ambas canciones se asemeja bastante, sería -bajo mi punto de vista- exagerado catalogarla como plagio, sino más bien un homenaje hacia sus maestros.
Aquí os dejo ambas canciones para comprobéis si se puede hablar de plagio, de simple homenaje o de piezas distintas. Pero sobre todo disfrutad de su calidad porque -salvando las distancias entre una y otra- ambas son estupendas:

(3) CHE, EL ARGENTINO, de Steven Soderbergh [2008]

Invitación a la reflexión

Steven Soderbergh afronta este proyecto que comienza en la génesis de la revolución cubana (encuentro del Che y Fidel Castro) y su posterior desarrollo, intercalando imágenes -a modo de falso documental- de su célebre intervención en la ONU.
El film nos presenta a la figura de Ernesto Guevara como un hombre comprometido con la causa Latinoamericana. De entre las múltiples lecturas que nos ofrece la obra, una podría ser esta: ¿Qué puede haber en la mente de una persona para comprometerse con el mundo, para renunciar a todas las motivaciones individuales y sacrificar toda una vida en beneficio de un colectivo tan sumamente grande como es la humanidad? Y es que, mas allá de la polémica que pueda suscitar la figura del Che, es evidente que este tipo de film resulta totalmente necesario. Desde un punto de vista cinematográfico no han proliferado películas que aborden este personaje amén de que el conocimiento de un ser tan complejo deviene absolutamente didáctico e instructivo.
En definitiva el trabajo de Soderbergh, valiente y arriesgado, nos ayuda a reflexionar, a despertar nuestra conciencia y cuestionar un modo de vida actual -controlado por unos pocos pertenecientes a la mas altas esferas- tan egoísta, materialista y competitivo. Como responde el guerrillero (magnífica la interpretación de Benicio del Toro) en la entrevista a la periodista estadounidense: “Aunque le pueda parecer ridículo, un revolucionario verdadero está guiado por grandes sentimientos de amor: amor a la humanidad, amor a la justicia y amor a la verdad".

CHE, EL ARGENTINO. 2008. USA-FRA-ESP. Color
Dirección: Steven Soderbergh
Intérpretes: Benicio del Toro, Demián Bichir, Santiago Cabrera, Elvira Mínguez, Julia Ormond, Jorge Perugorría , Edgar Ramírez , Victor Rasuk, Armando Riesco , Catalina Sandino Moreno, Rodrigo Santoro , Unax Ugalde , Yul Vázquez
Guión: Peter Buchman; inspirado en "Pasajes de la guerra revolucionaria" de Ernesto "Che" Guevara.
Fotografía: Peter Andrews
Música: Alberto Iglesias

(4) Paul McCartney "Ram" [1971]

Después de la disolución de The Beatles, McCartney compuso un fascinante segundo LP donde muestra todas sus mejores virtudes. Este disco reivindica la figura de Paul como un excelente autor de melodías y como uno de los mejores músicos contemporáneos.
Una combinación de rock, pop y sinestesia que cautiva al oyente desde que suenan las primeras notas de “Too many people”. Melodías geniales con un prodigioso juego vocal (a destacar la colaboración de Linda) como “Dear Boy”, “Heart of the country”, “Long haired lady”, “Ram on” (seudónimo de Paul en su etapa alemana de Hamburgo) ,“The back seat of my car” -una suerte de “Golden slumber”- y la magnífica “Uncle Albert / Admiral Halsey”, que es una suite armoniosa y surrealista con interludio incorporado. Piezas de rock puro como “Smile away” y “3 legs”, y una soberbia “Moonkberry moon delight” donde Mccartney manifiesta una vez más su condición de extraordinario vocalista, capaz de cantar una canción melodiosa para después, de repente, pasarse a un rock intenso o, como en ésta, -con su voz desgarrada- reforzar y enfatizar la sonoridad de la armonía.
Mucho se ha dicho de las disputas entre Lennon y McCartney a propósito del disco. Poco importa si este último era capaz de gestar obras de la calidad de Ram.

Valoración: 3,66

(2) The Kinks "Face to Face" [1966]

El sonido de un teléfono da entrada al estilo que los hermanos Davies definieron en el panorama rock y que tanta influencia tuvo en las generaciones posteriores. La beatleliana “Party Line” da acceso a diferentes matices: desde la trepidante base melódica que los caracteriza, pasando por incursiones orientales de gran calidad como “Fancy”, así como juegos de clavicordio en “Too much on my mind” y homenajes como el que le hacen a Chuck Berry en “Holiday in Waikiki” hasta llegar a monumentales clásicos del grupo como “Sunny Afternoon” que se identifica por su gran línea de bajo.
Puntos negros como “Most Exclusive Residence for Sale” con coros muy poco acertados y alguna que otra canción que se hubiera podido obviar no empañan un trabajo pionero, apreciable y que consolida el carácter clásico de una banda imprescindible.

Valoración: 2,21

(3) LOS GIRASOLES CIEGOS, de José Luis Cuerda [2008]

Adaptación de la novela homónima de Alberto Méndez en la que se narra uno de los miles de episodios trágicos que ocurrieron en la España de la posguerra.
Al sentirse desorientado –como los girasoles ciegos- un seminarista diácono, alférez del bando nacional y atormentado por su pasado sanguinario, es enviado por el rector a una escuela para dar clases a niños. A partir de ahí, al sentirse atraído por la madre de un alumno comienza a aflorar toda su personalidad patológica con una obsesión enfermiza hacia la nueva figura que perturba su “espiritualidad”. Su intento de relacionarse choca frontalmente con el modus vivendi de la mujer y su familia: Republicanos, con su marido escondido tras un armario, con su niño pequeño de siete años y su hija, embarazada, escapando al exilio, intentando alcanzar la frontera portuguesa con su novio (perseguido por comunista y “poeta revolucionario”).
La película, muy bien realizada y ambientada con un fiel reflejo de la época, muestra la connivencia de la Iglesia con el régimen político de los vencedores y todo el aparato represor de la maquinaria franquista –simbolizado en el personaje de Salvador, el seminarista-. Por el contrario los vencidos no tienen más remedio que vivir angustiosamente: mintiendo, escondiéndose y midiendo sus actos para no ser engullidos por el torbellino fascista.
Análisis aparte merece el personaje del joven diácono. Su hipocresía y su doble moral desencadenan en una disonancia cognitiva capaz de desorganizar su mente: El “no matarás” se contrapone con su participación en la guerra (en la “Santa Cruzada”) y el no claudicar a las tentaciones del demonio con su fijación en la mujer. Esa misma represión que aplicaban los vencedores (sobrecogedora la escena de la policía falangista en casa de la familia) es la que le salpica al joven Salvador. Su auto-represión sexual –siguiendo los absurdos preceptos del nacionalcatolicismo- le lleva a expresar anormalmente sus sentimientos, a manejarlos incorrectamente. Después del dramático final -ya en la confesión-, su tormento mayúsculo necesita de la redención del rector quien le impondrá su penitencia a cambio del perdón y el olvido (magnífica la metáfora).
Tal y como afirmó su director la película “es un retrato de cómo la represión corrompe los sentimientos. Resaltar la interpretación de Raúl Arevalo en su papel de lascivo seminarista y el guión del genial Rafael Azcona (la película sirvió como homenaje póstumo).

LOS GIRASOLES CIEGOS. 2008. Esp. Color.

Dirección: José Luis Cuerda

Intérpretes: Maribel Verdú, Javier Cámara, Raúl Arévalo, Roger Princep, Irene Escolar, Martín Rivas, José Angel Egido

Argumento: Adaptación de la novela de Alberto Méndez

Guión: Rafael Azcona y José Luis Cuerda

Fotografia: Hans Burmann

Música: Lucio Godoy

LOS ACORDES PSICODÉLICOS DE RICK (en memoria)

Leyendo un blog amigo me he enterado de esta triste noticia. Rick Wright, miembro fundador de Pink Floyd, precursor de la psicodelia y del progresivo, ha fallecido el 15 de septiembre -a la edad de 65 años- a consecuencia de un cáncer. De carácter modesto y discreto, su voz melancólica y su proceso creativo han sido fundamentales en la consagración del grupo. Junto a Syd Barret es el segundo integrante de la banda desaparecido.
El teclista, autor de temas tan surrealistas y psicodélicos como Sysyphus del disco “Ummagumma” y de piezas tan emblemáticas, bellas y majestuosas como Great gig in the sky de “The Dark Side on the moon”, ha dejado una gran huella en el contexto del rock clásico y contemporáneo.
Adiós al genio que nos ha acompañado con su manera de tocar y de componer durante tantos años. Gracias por formar parte de nuestra banda sonora particular, por crear una música terapéutica capaz de purificar almas y por la inyección de vida que nos has transmitido a través de tus acordes.

¡Nos veremos en la cara oculta de la luna!

He aquí a los Pink Floyd en plena forma, era el año 1972 e hicieron un concierto memorable en las ruinas de Pompeya para el documental de Adrian Maben. La canción es Echoes del magistral “Meddle” compuesta por Wright, Mason, Gilmour y Waters.

(3) APOCALYPTO, de Mel Gibson [2007]

Entretenida e interesante aproximación histórica al contexto de la crepuscular civilización Maya poco antes del descubrimiento del “Nuevo Mundo” por parte de los colonizadores españoles. Una época de decadencia interna que aparece reflejada en una cita al principio del film: "Una civilización no se conquista desde fuera si no se ha destruido a sí misma desde dentro”
Concebida como una cinta de aventuras la película nos muestra el instinto y la lucha por la supervivencia que caracteriza a la especie humana. Sin profundizaciones antropológicas, la historia contrapone dos maneras de entender la vida: una “hedonista” donde se aprovechan los recursos que proporciona el ambiente, sin más lucha que el amor hacia las raíces y otra caracterizada por la búsqueda del poder absoluto recurriendo al sacrificio de vidas humanas, para recibir favores de los Dioses, sin el menor respeto hacia la vida ni hacia la naturaleza.
La vida apacible y placentera del la tribu del protagonista –momento en que la película goza de cierta dosis de humor (las bromas sobre la esterilidad de un miembro de la tribu)- deja paso a una inquietante y perturbadora tensión (también contraída por el espectador) que sufre la población atacada, con muestras realistas y contundentes de verdadera crudeza; un espacio abierto a las prácticas violentas, con escenas escalofriantes (muerte, sangre, devastación…) y a la superstición (el presagio de la niña afectada de peste, los plegarias en los sacrificios…)
Es importante subrayar el trato respetuoso del director hacia las lenguas propias de cada territorio (tal y como hizo en “La pasión de Cristo”) –rodado en lengua maya yucateca- y el cuidado al máximo de los detalles (aunque es inevitable no caer en algún que otro anacronismo).
Se le puede achacar al film una visión maniquea, dónde la valoración dicotómica entre buenos y malos suele acentuarse bastante. Sin embargo, esta laguna queda compensada por su excelente narrativa y fotografía, su ágil ritmo, su gran fuerza visual en las imágenes y por la magnífica interpretación de su protagonista (Rudy Youngblood) el cual domina con su mirada -contemplativa y penetrante- todos los recursos expresivos.

APOCALYPTO. 2007. USA. Color
Dirección: Mel Gibson
Intérpretes: Rudy Youngblood, Dalia Hernandez, Jonathan Brewer, Raoul Trujillo, Gerardo Taracena, Rodolfo Palacios (Snake Ink), Fernando Hernandez Perez
Guión: Mel Gibson y Farhad Safinia
Fotografía: Dean Semler
Música: James Horner

(2) Quique González "Averia y Redención # 7" [2007]

Alrededor de una hora este cantante madrileño, junto a su banda La Aristocracia del Barrio, nos ofrece todas sus influencias tanto de aquí (Urquijo, Vega...) como angloamericanas (Petty, Young, Adams...). Estamos ante diecisiete canciones que destilan nostalgia y energía a partes iguales. La obra, tal como glosa su título, es un claroscuro en forma de música y letras reflejado en sus grandes baladas -“Doble fila”, “Backliners”, “La vida te lleva por caminos raros” (compuesta por Vasallo de Duncan Dhu), “Nos invaden los rusos” (con emocionante instrumentación final), “Los desperfectos”- y en canciones próximas al rock como “Pequeñas monedas y grandes mentiras”, “Avería y redención” con colaboración vocal de Leiva, de Pereza, el magnífico single “Hay partida” con extraordinaria guitarra acompañante y solista de Javi Pedreira y “Las gafas de Mike”, entre otras.
Tal vez una buena criba, obviando las canciones más prescindibles, le hubiera dado al disco un punto más de calidad, sin embargo, ajustes aparte, hay que reconocer que estamos ante una obra apreciable, intimista, alejada de las radiofórmulas y por lo tanto, arriesgada.

Valoración: 2,17

Psicodelia Americana: El sonido de la Contracultura

Análisis del movimiento llamado contracultura que surgió en Estados Unidos en la década de los sesenta a causa de los acontecimientos político-sociales y su relación con las formaciones musicales -configuradas por una parte de la juventud que se oponía frontalmente a una mentalidad del establishment totalmente reaccionaría (intervención en Vietnam, sobretodo)-, en una sociedad que estaba mutando.
Paralelamente aparecían músicos y bandas con una inmensa creatividad musical, comprometidos con todo aquello que les rodeaba.
De esta manera sus autores (Sergio Guillén y Andrés Puente), quienes mantienen una interesante web musical: Renacer Eléctrico, realizan una especie de guía en la que se hace una relación de una gran cantidad de grupos y en la que también se habla de los discos que más incidencia e influencia tuvieron.
Grupos de culto, la semilla del Hard Rock, la época Hippy, el garaje, los panteras negras, la tragedia –Stones a la cabeza- de Altamont y músicos, entre otros, como Grateful Dead, Hendrix, The Byrds, Joplin, The Sonics, Zappa, Nazz, The Loovin´ Spoonful, The Seeds, Flaming Groovies, Sly & The Family Stone… así como una interesante serie de anécdotas y curiosidades (como la mala decisión de The Human Expression en el rechazo de “Born to be wild”), hacen que este interesante libro sea altamente recomendable.

RESUMEN MUSICAL 2007

Kings of Leon han realizado, para Rockmatografo, el mejor disco del año

Dentro de lo que una persona puede llegar a alcanzar a la hora de escuchar música y si tenemos en cuenta que este año en curso ya está bien avanzado, quizá sea el momento de hacer un repaso a aquello que nos ha ofrecido este pasado 2007.
Si bien la cosecha no nos ha proporcionado ninguna obra maestra, al menos si nos ha deparado gratas sorpresas, buenos discos y alguna que otra decepción.
El Because of Times de Kings of Leons es para ROCKMATOGRAFO el mejor disco del año. Con un potente blues-rock de aires sureños, los hermanos Followill han gestado un disco repleto de buenas canciones con elementos noise y reggae, además de alguna que otra excelente balada.
Ha sido una muy grata sorpresa el último trabajo de Jet Lag. Con nuevo vocalista han sabido incluso mejorar la línea llevada hasta ahora, cosa nada fácil.
Fantásticos los Wilco y su Sky blue Sky. La banda de Jeff Tweedy ha grabado un disco plácido y sosegado que recurre al rock con mezclas folk sin dejar de lado los solos de guitarra. Magnífica “Imposible Germany”.
Los toledanos The Sunday Drivers, aunque un escalón por debajo del fantástico Little heart attack, han presentado un estimable tercer trabajo con un pop-rock tradicional muy cercano a los métodos anglosajones.
Han funcionado bastante bien los trabajos en solitario de Marc Ford (ex Black Crowes) y Eddie Vedder (cantante de Pearl Jam), el primero reivindicando el rock clásico, y el segundo siguiendo la estela más tranquila de su grupo.
Buen disco del “Boss” Springsteen, sin embargo está por debajo de sus posibilidades. A esta clase de genios hay que exigirlos más, sobre todo después de las estupendas últimas entregas (exceptuando Devil and Dust). Aun así nos deja grandísimas canciones como “Terry´s Song”.
Ha sido una agradable sorpresa el soul de Amy Winehouse, el cálido folk de Josh Rouse y el rock intimista de Quique Gonzalez & La Aristocracia del Barrio.
Mención aparte merece el Cassadaga de Bright Eyes después de reinventar con ingenio el folk dylaniano. El valenciano Siwel nos muestra su universo personal en un estimable y plácido A Healthy Shift. Hay que resaltar también el eclecticismo psico-hippie de Devendra Banhart y el flamenco psicodélico del último trabajo de Los Planetas en La Leyenda del Espacio.
Hasta aquí el primer bloque de discos, digamos, “de primer nivel”. Ahora vamos a adentrarnos en una serie de obras que, aunque aceptables, han resultado irregulares:
El grunge-rock de Foo Fighters y, sobre todo, el british rock de los Babyshambles de Pete Doherty han sido algo repetitivos. The Hold Steady han impactado por su mixtura entre Thin Lizzy y Bruce Springsteen pero al escucharlos dan la sensación de no haber rematado la faena. Rickie Lee Jones alterna entre grandes canciones y otras prescindibles. P.J. Harvey más calmada, se ha sentado al piano y ha hecho un disco pausado de aire romántico con momentos dignos pero que no acaba de funcionar del todo, ya que cae en la monotonía.
Marlango parece que pongan, cada vez que ofrecen algo nuevo, la marcha atrás. Spoon ha mostrado un pop-rock interesante a ratos y Mccartney no ha defraudado, aunque ha mostrado un nivel más bajo que en la última entrega.
Es esperanzador el segundo disco de los tejanos Midlake que emplean un pop sinfónico bastante convincente, se echa en falta más canciones de la calidad como la que abre el disco, la fantástica “Roscoe”.
Pasamos, para finalizar, al tercero y último apartado referente a algunas obras que han decepcionado sobremanera. Más aún si juntamos a músicos de grandes grupos como Paul Simonon (bajista de The Clash), Simon Tong (guitarrista de The Verve) y Damon Albarn ('alma mater' de Blur). Diferentes estilos -rock, funk, ambiental y progresivo- que no dan un resultado satisfactorio al proyecto, a excepción de algún pasaje salvable como "History Song”. Algunos lo habían querido equiparar con el Parklife de Blur (más que una afirmación parece una broma). Como es habitual, estas reuniones casi siempre resultan un fracaso.
Arcade Fire han estado muy inferiores ésta segunda vez; demasiada ornamentación y ampulosidad. Radiohead parece que se hayan preocupado más por colgar gratuitamente su trabajo en la red que por la calidad de sus piezas, y eso es nota excesivamente en el resultado final. ¿Qué decir de Withe Stripes? Muy poca cosa, un disco absolutamente decepcionante y es que el grupo no levanta cabeza desde Elephant. Jack White se pierde demasiado en los agudos sonidos de guitarra y en experimentaciones que no llevan a ningún lugar.
Sé que habrán más grupos, más trabajos interesantes que no he tenido la oportunidad de escuchar. Si algún lector considera alguna obra imprescindible que no se haya hecho referencia en este post, agradecería que hiciera la sugerencia. ¡Ah!, ¡Por cierto! Prometo escuchar y comentar el último doble de Eagles que me han dicho que está muy bien.

(3) Jet Lag "Forever" [2007]

Después de la marcha de su anterior vocalista (Pablo García) este disco se convertía en una auténtica prueba de fuego que el grupo madrileño ha sabido superar con creces. Coge el mando vocal y compositivo el baterista Ramiro Nieto, quien ha dejado su asiento para ponerse al micro. La banda con su pop denso, preciosista y de aire cadencioso ha gestado unos de los mejores disco de 2007.
Excelente su unidad sonora: acompañamiento rock con toques psicodélicos ornamentados con fastuosos coros, cálidas guitarras y una genial sección de vientos (sobre todo en la impecable “My own personal flight attendant”, “Logical” y la que cierra el disco “And now I´ll close my eyes).

Valoración: 2,62

(2) Amy Winehouse "Back to Black" [2007]

Dotada de una voz portentosa, su disco supone una bocanada de aire fresco al panorama musical del año 2007. La cantante aúna sonoridades retro como el Soul, Rhythm And Blues, Gospel y Jazz. Los instrumentos de viento, las teclas y su talento nos transportan a los años 50-60, y es que escuchando este trabajo podemos sentir la presencia de Ella Fitzgerald, Aretha Franklin, Billie Holliday, la Motown, Phil Spector…
Si la totalidad del disco tuviera la calidad de sus tres primeras canciones estaríamos hablando de una obra maestra. “Rehab”, “You know I´m no good” y sobre todo “Me & Mr. Jones” son una manera de dignificar y homenajear a los pioneros del desarrollo de la musica Soul. Hay que tener en cuenta que Amy, aparte de su perfección vocal, es la compositora de todos sus temas, lo que da a entender de su potencial.
Podemos hablar de corrección si hacemos referencia al resto de canciones, exceptuando la magnífica “Tears dry donde their own” o, por contra, la empalagosa “Love is a losing game”, pero lo que está claro es que estamos ante una obra -a pesar de algunas lagunas- atractiva y seductora.

Valoración: 2,15

ANUNCIOS DE CALIDAD

A veces los anuncios televisivos nos ofrecen pequeñas obras maestras. Es el caso de la publicidad de Mastecard. Sorprende ver como en tan poco espacio de tiempo -apenas treinta segundos- se homenajea a los símbolos más emblemáticos de la cultura.
A través de la mirada imaginaria infantil desfilan, tanto personajes insignes de Cervantes, como obras artísticas de Gaudí y Picasso. Estas imágenes se refuerzan con música del cancionero tradicional: Lorca, gran recopilador de canciones populares antiguas, acompaña al piano a La Argentinita, interpretando “Nana de Sevilla”.
La lectura más interesante del anuncio -desde un punto de vista cultural- es el poder de la fantasía: ese espíritu creativo que poseíamos en la infancia y que, desgraciadamente, vamos perdiendo mientras nos hacemos mayores. Una habilidad de ver mes allá de las cosas donde se crea un mundo paralelo por el que se viaja por unos lugares forjados de ilusión.

INTERMITENCIA

Comentamos ahora cinco discos del año 2007, todos ellos irregulares pero con algunos aspectos a destacar.
Marlango y su Electrical Morning no acaba de cuajar. Si el grupo sorprendió con su debut con el estupendo disco homónimo en el año 2004, en las últimas dos entregas han mostrado un nivel más bajo. Eso sí, Leonor Watling demuestra unas excelentes condiciones vocales, además la banda mantiene su atmósfera de siempre: una mezcla de soul, blues, rock y jazz (no hay que olvidar a su venerado Tom Waits). “Never trust me”, “Hold me tight” y “Walking in Soho” dan la mejor versión de su estilo en el álbum.
Era poco probable que el ex beatle Paul Mccartney repitiera un trabajo de la calidad de su anterior disco Chao and Creation in the Back Yard de 2005, no obstante en este Memory Almost Full se pueden rescatar, entre otras, canciones movidas marca de la casa como “Dance tonight” o “Only Mama knows”, melodías tranquilas con el persistente registro camaleónico vocal de “Feet in the clouds” e, incluso, rock de alta intensidad como “Nod your head”.
El último disco de la cantautora Rickie Lee Jones resulta intermitente. A ratos genial, por momentos áspero, puntualmente surrealista, pasajeramente monótono… Suerte que su folk-rock nos reserva joyas como “Circle in the sand”, “Nobody knows my name” o “7th day”.
El segundo disco de la banda de Pete Doherty, Babyshambles, amalgama los sonidos clásicos británicos. Tanto el cantante como los músicos se mueven con atrevimiento para ofrecernos hits bailables como “Delivery” o “You talk live”, baladas como “Crumb Begging Baghead”, “The lost arte of murder", así como también detalles jazzys como “There she goes”. Un trabajo discreto y digno, no obstante se echa de menos alguna canción que roce la maestría.
Nueva entrega del grupo del ex batería de Nirvana Dave Grohl. Los Foo Fighters fieles a su estilo, continúan con el sonido grunge de la desaparecida banda, junto a trazos de pop-folk y rock-duro. Del trabajo hay que resaltar las magníficas “Long road to ruin”, “But, Honestly” y el folk instrumental de cariz acústico “Ballad of the Beaconsfield Miners”, tocado con extraordinaria habilidad. Dotado de material de diferente nivel de calidad, Echoes, Silence, Patience & Grace resulta algo repetitivo pero con la sensacion general de un trabajo intenso, duro y melódico.

(2) Marlango "The Electrical Morning" Valoración: 1,64
(2) Paul McCartney "Memory Almost Full" Valoración: 1,71
(2) Rickiel Lee Jones "Sermon on Exposition Boulevard" Valoración: 1,74
(2) Babyshambles "Shotter´s Nations" Valoración: 1,77
(2) Foo Fighters "Echoes, Silence, Patience & Grace" Valoración:1,90

(2) Devendra Banhart "Smokey rolls down thunder canyon" [2007]

Personal, ecléctico y, en algunos momentos, hipnótico del cantautor tejano, quien vivió gran parte de su infancia en Venezuela (de ahí la inclusión de algunas canciones en castellano).
Este trabajo se caracteriza por adoptar una mezcla de psicodelia y folk, ornamentado con pinceladas de la tradición latinoamericana.
Dotado de una alta dosis de creatividad, contiene momentos divertidos como la brillante “Lovers”, “Carmencita”, la festiva “Samba Vexillographica”, el rock psicodélico de aire seisentero “Tonadilla Yanomaninista” y piezas nostálgicas como “Cristóbal” (con segunda voz del actor Gael Garcia Bernal), la bossa brasileña “Rose”, el dub jamaicano “The other woman”, la balada Folk-carioca “Freely”, el magnífico soul “Saved” o las teclas tan románticas que podemos percibir en “Remember”.
La canción emblemática del álbum es su single (el anti-single como alguien dice por su cariz tan camaleónico y sobretodo por su duración que supera los ocho minutos) “Seahorse”. Hacer una análisis de esta canción nos transporta por diferentes caminos musicales: Primeramente el timbre de voz de Devendra Banhart recuerda a Bryan Ferry, por lo tanto a veces da la sensación de escuchar a la Roxy Músic. La canción comienza pausada, para pasar después a aires jazzistícos propios de Chick Corea -aparte tiene compases semejantes al Mediterraneo de Serrat- y de repente, entra a escena una especie de rock eléctrico como si Jimmy Page se recreará en un solo de guitarra en el concierto de The song remains the same. Al final, la canción retorna a la quietud de su inicio.
Por lo tanto, estamos ante un aceptable disco que aglutina una gran diversidad de expresiones.
Valoración: 2,04

(2) El Orfanato [2007]

El orfanato es una película que coge retazos de los géneros de suspense y de misterio. De hecho -y ciñendonos al cine español- es inevitable que vengan a la memoria referencias como Los otros de Amenabar, o en algunos momentos de ¿Quién puede matar a un niño? de Ibañez Serrador. No obstante, el uso en determinados momentos de un hábil guión -muy inteligente el juego propuesto por los niños- y la bella factura visual hacen que el film mantenga en vilo la atención del espectador.
La historia juega entre la fantasía infantil y la magia de la mujer hacia aquello no terrenal, lo cual entra en confrontación con el carácter empírico del marido.
Desde el arranque hasta la mitad, el film muestra sus mejores virtudes. Si bien, a partir de ahí, aunque mantiene su interés, el relato va desinflándose poco a poco -con algunos momentos introducidos con calzador- hasta llegar a un final algo decepcionante.
Hay que destacar la gran interpretación de Geraldine Chaplin en el papel de médium. Belén Rueda, resulta convincente como protagonista cuyo personaje tiene una clara vinculación con el Peter Pan de Barrie (por cierto, no sé si es un plagio o un homenaje al Hook de Spielberg, pero la escena cuando la niña ciega acaricia la cara de Laura y descubre -a pesar que se ha hecho grande- su identidad, es totalmente calcada a la del film del mentado director).
Esta meritoria cinta de J.A Bayona fue elegida para representar a España para la ceremonia de los Oscar, sin embargo fue excluida por la Academia. De todas maneras, el trabajo de su director, que ya había hecho algún que otro destacado cortometraje, es totalmente prometedor.

EL ORFANATO. 2007. Esp. Color

Dirección: Juan Antonio Bayona
Interpretes: Belén Rueda, Geraldine Chaplin, Roger Príncep, Fernando Cayo, Mabel Rivera, Montserra Carulla, Andrés Gertrudix, Edgar Vivar
Guión: Sergio G. Sanchez
Fotografía: Oscar Faura
Música: Fernando Velázquez

(2) Marc Ford "Weary and wired" [2007]

El exguitarrista de The Black Crowes nos presenta su segundo disco en solitario. Después de It´s about time, de aire folk, el músico cambia de registro, para hacer aquello en lo que siempre se ha distinguido: el rock añejo y atemporal en todas sus vertientes.
En las canciones se puede apreciar su enriquecedor sonido de guitarra y su homenaje al rock clásico de siempre.
Hay que destacar dos canciones de larga duración: el brillante blues “The same thing” donde la guitarra -junto a la voz y el teclado- hace un valioso juego pregunta-respuesta y “Smoke signals” que es una auténtica muestra de virtuosismo.
La mejor canción del disco “1000 ways”, es un gran blues-rock con magistral solo de guitarra incluido.
Resaltar también entre otras: “It´ll be over soon”, “Dirty Girl” y el guiño que le hace a Chuck Berry en “Bye bye Suzy”
En definitiva un trabajo de una gran fuerza de uno de los mejores guitarristas que hay en la actualidad.
Valoración: 2,22

(2) Eddie Vedder "Into the wild" [2007]

Agradable y tranquilo disco del líder de Pearl Jam quien, con un tono más intimista, da forma a su primer trabajo en solitario.
Into the wild es la banda sonora de la pelicula homónima dirigida por Sean Penn. En este compacto (repleto de emotivas baladas folk-rock) el autor se aleja de sus inicios en el grunge-rock, pero sin embargo se aproxima a las magníficas baladas que el grupo nos ofrecía en sus diversas entregas.
La mitad de las canciones que no llegan a los tres minutos, dotan a la obra- junto con la instrumentación semidesenchufada y la modulación vocal del cantante- de una gran intensidad.
También podemos encontrar temas movidos como “Setting forth” y “Far behind” que son dos claros ejemplos de la procedencia del interprete. Además, dos covers: “Hard sun” de Gordon Peterson que no aporta mucho a la original (a pesar de la calidad de ambas son bastante similares, incluso en la voz) y la fantástica “Society” de Jerry Hannan.
En “No ceiling” se adivina la influencia de Townshend y sus Who, en la maravillosa “Rise” el cantante continúa en la línea empleada por su banda original. Asimismo, el disco contiene la instrumental y sosegada “Toulomne”, “The Wolf” donde Vedder demuestra sus recursos vocales y la más floja por latosa “Long nights”.
Por finalizar, dos buenas canciones que cierran el disco: “End of the road” y la ganadora del Globo de Oro a la mejor canción “Guaranted” (sorprendentemente no estuvo nominada al Oscar).

Valoración: 2,20

(2) BRIGHT EYES "Cassadaga" [2007]

La banda de Conor Oberst se supera en esta entrega de trece canciones donde el grupo mantiene su estilo folk-rock y, además, reinventa su influencia dylaniana. Si bien, su anterior álbum I´m wide awake, It´s morning era un disco digno, pero que sin embargo daba una sensación general de languidez, en éste el grupo gana desde un punto de vista instrumental y melódico, aparte de sus textos cuidados y extensos.
En él hallamos grandes canciones como la jovial “Four winds”-fenomenal el constante violín-, la diferente en estilo (new músic) pero sugestiva por su influjo coral arábigo “Coat check dream song” y “If the brakeman turns my way” en la que el autor bebe de la fuente de Dylan.
Por otra parte hay que destacar el sensacional arreglo de “Middleman”, y el gran colofón armonioso de “Soul singer in a session band”.
El resto se compone de temas gratos de escuchar. Tal vez el disco se beneficiaría si se hubiera prescindido de algunos minutos o de alguna pieza como la tediosa “Lime tree”, no obstante, Cassadaga, es un disco aceptable, trabajado y más maduro que su predecesor.

Valoración: 2,14

(3) Black Sabbath "Black Sabbath" [1970]

Carta de presentación de uno de los grupos innovadores del hard-rock y posterior heavy metal. Su influencia derivada del blues eléctrico y el rock mezclada con su atmósfera oscura y tenebrosa -solo hay que mirar la portada- le dieron una profundidad sonora que, junto a la voz sombría de Ozzy Osbourne y a los magníficos riffs de Tony Iommi, devino en un sello inconfundible de la banda en sus primeros discos. Además de la fuente de inspiración que ha significado, para muchos grupos posteriores, su estética y diseño mefistofélico
La canción homónima que abre el disco resulta estremecedora: la tormenta y campanas fúnebres, la instrumentación y la voz siniestra de Ozzy le dan una cariz teatral y tétrico no exento de calidad. Acto seguido, la armónica bluesera del cantante da paso a “The Wizzard” y a la contundencia de la guitarra de Iommi con el contraste de batería y bajo donde el grupo demuestra toda su vivacidad
Entre las más aclamadas de la historia del grupo encontramos “N.Y.B” (abreviatura de Nativity in black ) en la que Geezer Butler hace una gran introducción con el bajo. “Behind the wall of sleep”, contiene unos de los mejores solos del disco y “Sleepping village” comienza despacio para pasar al jugueteo de Iommi con el instrumento.
Por último dos covers: uno de Crows llamado “Evil woman” que no pasa de discreto y, hay que destacar, sobretodo el otro de The Aynsley Dunbar Retaliation llamado “The Warning” que es una magistral revisitación ensanchada mediante una guitarra de aire zeppeliana y con una sensacional base rítmica.
“Wicked World” originalmente no formaba parte del disco pero fue introducida en posteriores ediciones. La canción es un compendio de las influencias que ha tenido la banda y es la que cierra un trabajo que destaca, más que por la calidad, por su fundamental aportación a la configuración y cimentación del heavy metal.

Valoración: 2,63

(4) THE DOORS "L.A. Woman" [1971]

El último trabajo de los cuatro miembros del grupo fue totalmente sorprendente, sobrio y portentoso. Jim Morrison, inmerso en el alcohol y las drogas, con veinte kilos de más, demuestra la versatilidad de su voz que gana en profundidad respecto a los otros trabajos. Nos encontramos ante el disco más “bluesero” de la banda.

Repleto de grandísimas canciones, contiene algunas que son auténticas obras maestras:“Car his by my window” es un excelente blues clásico en el que Morrison, al final de la canción y con gran maestría, imita a la perfección el sonido de una guitarra.

“Crawling king snake” es un cover de John Lee Hooker en el que la guitarra solista de Robby Krieger nos transporta a los raíces del blues de Chicago. “Lover her madly” de aire poppy, comercial -de hecho se editó como single- fue compuesta por Krieger con notable calidad y supuso un éxito de ventas.

Siguiendo por el disco podemos escuchar el rock de “The Changeling”, el potente blues-rock de “Been down sonido long” en el que destaca la voz cavernosa del cantante, la estimable melodía “Hyacinth house” donde el teclista Ray Manzarek toca con el órgano un pasaje de la “Polonesa Heroica” de Chopin.

Después nos adentramos en dos canciones experimentales como la épica psicodelia de “L´America”, que apareció en la banda sonora de “Zabriskie point” de Michelangelo Antonioni, y la rabiosa instrumentación de “The Wasp (Radio texas & The big beat)” con recitación incluida del cantante.

Y finalizando el repaso, las dos canciones más conocidas como “L.A. Woman” que es un bello homenaje a la ciudad de Los Ángeles y “Riders on the storm”que fue concebida, en un principio como tema instrumental, sin embargo Morrison le introdujo la letra en el último momento. Esta canción es un formidable desenfreno capitaneado por Ray Manzareck al teclado y una de las canciones de la banda por antonomasia.

Jim Morrison murió tres meses después de la grabación del disco en Paris. L.A. Woman significó un brillante epílogo por parte de uno de los grupos más importantes de la historia del rock.

He aquí una versión en directo de "Crawling king snake":

(3) Pink Floyd "More" [1969]

More, es la banda sonora realizada por Pink Floyd para el film homónimo de Barbet Schroeder quien, después, regresaría a reunirlos para trabajar con La Vallée. Prueba de la admiración que tributaba el director a la banda es esta frase suya: "Existe en la música de Pink floyd una calidad espacial que me seduce".

Este tercer disco de su discografía -cuando Syd Barret ya se había encerrado en su “cápsula lunar”- fue un éxito formidable. Aunque en realidad era fruto de un encargo, la historia del fim –un joven alemán que hace un viaje, primero a Paris y después a la isla de Ibiza a la búsqueda de él mismo, y lo que realmente encuentra será la mezcla letal del mundo de los estupefacientes y la heroína junto a un amor imposible- cautivó el cuarteto.
La escenificación y la trama implicaban a una gran oportunidad para poder musicar unas imágenes que resultaban impactantes. More supone la primera unión audiovisual entre música rock y cine moderno. En ella encontramos todos los ingredientes floydianos de la primera época (donde estaba muy presente aún la influencia de Syd Barret): la quietud de Cirros Minor -con un genial órgano de Rick Wright que recuerda al “Celestiales Voices” de A Saurcerful of Secrets-, "Crying song", "Green is the colour", la magistral melancolía de "Cymbaline", el rock potente de "The nile song" -con una extraordinaria voz desgarrada de David Gilmour- y de "Ibiza bar", el surrealismo de "Up the khyber" -con un excelente conjugación de piano y órgano de aire lisérgico-, "Main theme" -que describe musicalmente, al inicio de la película, el estimulante y alucinógeno viaje que se le avecina al protagonista-, y la inquietante psicodelia de "Quicksilver".

Finalmente el trabajo contiene incursiones en el blues “More blues” e, incluso, en el flamenco "A spanish piece" donde David Gilmour pone en practica los trucos de mierda -como él decia- para poder salir airoso en ese estilo de música tan complicado.

Valoració: 3,19

SIWEL Edifici Octubre.- (Concierto). València.

Dentro del ciclo de música pop que ofrece el Centro de Cultura Contemporánea Octubre: 4x4 (cuatro cantautores valencianos, cuatro lenguas diferentes), se han programado los conciertos de Néstor Mir (en francés), Manolo Tarancón (en castellano), Paz Alabajo (en catalán) y Siwel (en inglés).
El turno de Siwel fue el 14 de Febrero quien, acompañado solamente de su guitarra acústica y ante una sala llena (el aforo era de ochenta personas), hizo un repaso a sus tres trabajos editados. El cantante se centró más en los dos últimos discos Unforgettable momentos of forgettable times y A healthy shift.
El concierto, eminentemente acústico, de hecho se presentó sin su banda habitual, comenzó con el último single, la excelente “Debris” y continuó con diferentes canciones de su apreciable repertorio.
También el autor hizo patente su influencia anglosajona beat-pop con dos covers de los Beatles estupendamente interpretados: "I´ve just seen a face" y "Blackbird", el rock-folk y el country alternativo -con una versión de Ryan Adams- “Dicen que de vez en cuando hay que tocar una canción buena para despertar a la audiencia”, comentó el cantante ejercitando, al mismo tiempo, su humor y su modestia.
En una hora de recital, Siwel, de una manera sencilla, hizo gozar al público empleando su calidad vocal y instrumental. Será cuestión de seguir sus próximas actuaciones.

(3) TEMPORADA 92-93 [2006]

¿Qué es más importante: La amistad -esa relación de confianza y afecto desinteresado-, el sentimiento por unos colores o una cifra económica que, teóricamente, nos haría una vida más fácil? ¿Qué pasa si todo eso se mezcla y en unos minutos debemos decidir qué hacer?... ¿Dejamos de lado toda una relación afectuosa y de hermandad? ¿Y por lo que se refiere al “sentir” los colores de un equipo de fútbol? ¿Es trascendental todo eso?

Alejandro Marzoa nos muestra como afloran todos estos deseos, temores e inseguridades. El resultado es un relato original que estudia la relación humana: el materialismo en contraposición con el idealismo.

También nos ofrece de una manera abierta nuestra fragilidad, la vulnerabilidad inherente al ser humano que, de vez en cuando, hace tambalear sentimientos forjados a lo largo de casi toda una existencia.

La pasión por el fútbol está presente en este corto que fue premiado en muchos festivales y que cuenta con la colaboración de Paco Gonzalez y Pepe Domingo Castaño de la Ser, quienes de manera desinteresada, pusieron sus voces a la ficticia retransmisión (en realidad este partido no existió, el Celta quedó onceavo en la liga).

Son diez minutos trepidantes y la interpretación de Carlos Blanco y Miguel de Llira es sensacional. Al final al sonido de Lori Meyers, uno de los pasatiempos más placenteros que, para mí, existen: una “pachanga” al fútbol con los compañeros.

Aquí os dejo el cortometraje. Os recomiendo vivamente que le deis un vistazo, no tiene desperdicio.

TEMPORADA 92-93. 2006. Esp. Color.

Dirección: Alejandro Marzoa

Intérpretes: Carlos Blanco, Miguel de Lira, Imma Ochoa, Marisa Duaso, Roger Villano, Eduard Cazorla, Paz Cabeza, Joan Gonzalez, Gerard Torrente, Alex Bahía

Guión: Alejandro Marzoa, Miguel Angel Blanca

Fotografía: Victor Rius

Música: “Dilema” de Lori Meyers (del disco Hostal Pimodan)

Temporada 92-93

(3) THE ROLLING STONES "It´s only Rock´n´Roll" [1974]

Fantástico trabajo de los Stones con un buen puñado de extraordinarias canciones. Este disco supondría el último del genial Mick Taylor quien se quejaba de la falta de reconocimiento. El guitarrista no se sentía valorado, a pesar de la influencia aportada al grupo con su manera de tocar (en la actualidad, desgraciadamente, interviene en el último disco de estudio del grupo de pseudorock Pereza). Ron Wood, proveniente de los Faces, fue quien le reemplazó.
En cierta medida, era un disco difícil. La prueba es que provenía del insuperable Sticky Fingers y del menor Goat´s head soup. Por lo tanto, su público no sabía con qué se iba a topar: era muy complicado igualar los trabajos de sus inicios y se temía un resbalón. Sin embargo, las ideas plasmadas en las canciones funcionaron y superaron el test con nota.
La obra contiene toda la fuerza stoniana con títulos como el conocido single “It´s only Rock´n Roll (but I like it)” , “If you can´t rock me”, la versión de los Temptations “Ain´t to proud to beg”, junto a la estupenda “Dance little sister”.
El grupo desde siempre, incluso ahora, han sido unos expertos compositores de baladas y lo demuestran en “Till the next goodbye”, en el maravilloso soul “ If you really want to be my friend”, y sobre todo, en la maestría que manifiestan con “Time waits for no one”, una melodía que comienza con una simulación de un tic-tac de reloj y que continúa con una guitarra que absorbe el estilo del mejor Santana (recuerda bastante “Can´t you hear me knocking” de Sticky Fingers)
La última canción, “Fingerprint file” es el punto negro del disco que contrasta demasiado con el espíritu rock-soul del resto de temas. Se trata de una pieza funk que, de alguna manera, daba entender la búsqueda de nuevos sonidos del grupo.
Valoració: 3,43

(2) JOSH ROUSE "Country Mouse, City House" [2007]

Después del estimable “Subtitulo”, Josh Rouse nos ofrece un auténtico ejercicio de relajación. Aferrándose a la esencia de un pop-folk resplandeciente con pellizcos soul, el cantante norteamericano (Nebraska) afincado en Altea, nos transporta al sabor lejano country-rock de los años 60-70.
La voz cálida que imprime a su música, su sorprendente clasicismo, la sencillez -que no cae en la sensiblería ni en el empalago- de toda la obra, incluso en el reducido número de temas (siempre he preferido una buena selección antes que rellenar los discos con temas insípidos) dan como a resultado unas canciones que desprenden una especie de “melancolía optimista”. Así pues, tenemos piezas tan agradables como “Sweetie”, “Italian dry Ice”, “Hollywood bass player”, “Domesticated lover”- con un excelente dueto con su pareja Paz Suay- y la magnífica “God, please let me go back”: un placer escuchar el contraste entre la guitarra melódica y la serenidad de la voz. Sin embargo, la última parte del disco resulta algo más floja.
“Me gustaban aquellos tiempos en los que había cantautores que tocaban de una forma natural, nada que ver con el look o la mercadotecnia” decía el cantante en una afirmación totalmente clarificadora.
El autor acostumbra a hacer un disco por año. Esperamos que el próximo siga con la misma línea.
Valoració: 2,14

(3) LO QUE PIENSAN LAS MUJERES [1941]

“That uncertain feeling” es una estimable comedia con una narración impecable. Está basada en una obra cómica de enredo escrita por Victorien Sardou y Emile de Najac llamada “Divorçons” (“Divorciémonos”). Su director -Ernst Lubitsch- hizo una primera adaptación en el año 1925 (Kiss me again) para el cine mudo.

Ha sido considerada por buena parte de la crítica como una película menor, afirmación discutible pero también comprensible por la cantidad de grandes obras de su realizador. El film, rodado en interiores, continúa totalmente vigente en la actualidad y contiene un gran elenco de situaciones divertidas. La historia, que analiza las costumbres sociales, pone en duda las conductas rutinarias inherentes a la convivencia cotidiana de los matrimonios acomodados. Por otra parte, resalta la atracción por la novedad y la originalidad -la relación con el pianista Alexander Sebastian- .

Aquí se comercializó con frases como “La astucia de un marido que conquista a su mujer”, y en la lamentable: “El capricho de una mujer, a punto de causar su propia infelicidad” que denota la inyección de paternalismo insuflada a la sociedad emergente.

Hay que destacar la magnífica actuación del triángulo amoroso: Melvyn Douglas -de marido poco atento y prestigioso hombre de negocios-, Merle Oberon -de mujer insatisfecha por la monótona vida marital- y Burguess Meredith (el entrenador de Rocky III) -de músico independiente, irónico y extravagante- y sobre todo, el característico “toque Lubitsch” (Keeks!)

LO QUE PIENSAN LAS MUJERES (That uncertain feeling) 1941. USA. B/N

Dirección: Ernst Lubitsch

Intérpretes: Merle Oberon, Melvyn Douglas, Burguess Meredith, Alan Mowbray, Olive Blakeney, Harry Davenport, Sig Rumann, Eve Arden, Richard Carle, Mary Currier, Jean Fenwick, Rolfe Sedán

Argumento: La comedia teatral Divorçons, de Victorien Sardou y Emile de Najac

Guión: Walter Reisch y Donald Ogden Stewart

Fotografía: George Barnes

Música: Werner R. Heymann

Críticas de Ernst Lubitsch (clicar en este mismo enlace para leer las críticas):  

Remordimiento (1932)

(2) SPOON "GA GA GA GA GA" [2007]

Spoon es una banda d´Austin (Tejas), formada por Britt Daniel (voz y guitarra), Eric Harvey (teclados, percusión, guitarra y voces), Rob Pope (bajo) y Jim Eno (batería). Ga Ga Ga Ga Ga -título que hace referencia al movimiento dadaísta- supone el sexto disco de estudio del grupo. El álbum contiene algunas canciones apreciables: la potente ”Don´t make me a target”, el pop-soul “You got Yr. Cherry boombs”, "Rhthm and soul" -con un soberbio ritmo de bajo- la balada “Black life me” y sobre todo, la interesante sección de vientos con sabor new wave de “The underdog”. Sin embargo, por otra parte, naufragan con “The ghost of you lingers“, pieza ejecutada con un sonido de piano con stacatto: intento fallido de dar a la canción una atmósfera de tensión, y “Eddie´s ragga“ con unos aires jamaicanos muy poco logrados. El resto de canciones no pasan de discretas, cosa que en conjunto hace que el álbum sea -aunque con algunas lagunas- digno de escuchar.

Valoración: 1,83

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Estreno blog con la intención de dar a conocer mis opiniones sobre música (especialmente rock y sus derivados) y cine. ¡Espero compartir con vosotros diversidad de reflexiones!