miércoles, 30 de noviembre de 2011

PARECE QUE ANDA SUELTO SATANÁS

No, no lo digo por lo que estamos atravesando en la actualidad. Me refiero a una canción que escribió Luis Eduardo Aute en su estimable álbum Albanta (78), una visión apocalíptica del cantautor que sorprende por su lírica absolutamente perversa.
Según cuentan, Aute contó el proceso de creación en un concierto. Transcribo textualmente lo que escribió un asistente al concierto en un foro de internet:
Aute dijo en el concierto que escribió la canción que expones tras un día de verano en Madrid, con un calor asfixiante, en pleno agosto, y en el que decidió acercarse al campo a descansar y ver si allí se estaba más fresquito. Nos contó que iba por la carretera y, de buenas a primeras, se generó un atasco espectacular y que, según avanzaba, descubrió que el motivo había sido un accidente de un coche de recién casados que se había dado contra un coche funerario. Así que la novia iba con su traje blanco teñido de rojo corriendo y gritando a todos lados, el novio tirado por allí, cerca del muerto, cuyo ataud se había abierto según creo recordar. Sé que así escrito no suena especialmente divertido, pero Aute le dio una dosis de humor negro ciertamente cómica.
Al margen de la veracidad o no de lo expuesto lo que sí es evidente es que Aute en el 78 realizó, sin darse cuenta, una canción profética y el Satanás al que se refiere lo tenemos en la dictadura de los mercados financieros que estamos sufriendo actualmente…



Pero esto no acaba aquí. Ésta canción dio para más y fue versioneada por músicos con una vertiente mucho más rockera e incluso grupos de rock-duro.
Si hacemos un repaso cronológico nos encontramos con que Baron Rojo realizaron una versión en su primer disco de estudio Larga vida al rock&roll (81):



El controvertido Teddy Bautista la cantó en directo, en el concierto que realizo Aute para su disco Entre amigos (83):



Y, por último, en el año 2004 Rosendo Mercado hizo una versión en su disco Rarezas:


miércoles, 16 de noviembre de 2011

JOE SATRIANI vs. COLDPLAY



He aquí otra controversia en cuanto a plagios entre diferentes bandas o solistas que tanto han proliferado a lo largo de los años en la música contemporánea.
Esta vez, Coldplay -señalados también por su último single- y Joe Satriani. Dos canciones : “Viva la vida” -de su disco homónimo Viva la vida (08)- y la instrumental “If I could fly” -de su disco Is there love in space? (04)-, respectivamente.
Satriani impusó una demanda a Coldplay por incorporar “porciones originales sustanciales” de su canción.
Aquí tenéis un ejemplo de ambas canciones para que podáis juzgar.

lunes, 31 de octubre de 2011

CANCIONES OCULTAS: This Love, de The Magic Numbers (The Magic Numbers, 2005)

Perteneciente a su estimable disco de debut The Magic Numbers (05), esta bella canción es un estupendo ejercicio de clasicismo que mezcla dulzura, melodía y ternura.
La suavidad vocal, las relajadas cuerdas de las guitarras y violines le imprimen un halo melancólico en el cual nos sumergimos cuando suenan sus primeras notas.
Un precioso tema, para cerrar los ojos y dejarse llevar…
 
The Magic Numbers - This Love
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lunes, 17 de octubre de 2011

CANCIONES OCULTAS: Mi prima y sus pinceles, de Josele Santiago (Las golondrinas etcétera, 2004)

Perteneciente a su primer disco en solitario, el magnífico Las golondrinas, etcétera (04), "Mi prima y sus pinceles" es una auténtica delicia lírica e instrumental en el que destacan la voz desgarrada de Josele Santiago, el sonido meláncolico slide de la guitarra de Pablo Novoa (ex Golpes Bajos) y el bello piano acompañante de Luca Frasca.
 
Josele Santiago - Mi prima y sus pinceles


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jueves, 22 de septiembre de 2011

(2) The Black Keys "Brothers" [2010]

Dan Auerbach ya nos ofreció no hace mucho un estimable disco, Keep it hit (09), en el que realizaba un interesante incursión en diferentes estilos. Ahora junto con Patrick Carney -su dúo de siempre- han realizado un gran trabajo que se caracteriza por su gran frescura y potencia.
Los Black Keys convencen con su propuesta de blues descarnado, su rock garajero y sus pinceladas soul.
Destacar su potente blues “She’s long home”, su intrumental “Black Mud”, su sugestivos motown “Never give you up” y “Unknown brother”.


martes, 6 de septiembre de 2011

domingo, 7 de agosto de 2011

(2) Jaymay "Long walk to never" [2010]

Jaymay ya demostró en su fantástico Autumn Fallin’ (08) que tiene una capacidad portentosa para componer bellas melodías.
Siguiendo con su armonioso y cadencioso new-folk, la cantautora neoyorquina nos brinda ésta vez un brillante EP de cinco canciones en el que predomina su hipnótico preciosismo minimalista.
Creo que no exagero si afirmo que estamos delante de un auténtico talento que puede hacer historia.
Estaremos atentos.

Críticas de JayMay:
Autumn Fallin' (2008)

domingo, 31 de julio de 2011

(2) The New Pornographers "Together" [2010]

Quinto disco de estudio de ésta banda canadiense que se caracteriza sobre todo por su gran solidez. Sus vertientes más poperas, melódicas y rockeras son el denominador común en canciones tan notables como “Moves”, “Crash years” o “Your hands (together)”.
Los ritmos brillantes de “Silver Jenny Dollar”, “Sweet talk, sweet talk” y “A bite out of my bed”, la pureza indie de “If you can’t see my mirrors” y sobre todo la mano de Necko Case (se nota la influencia Middley Cyclone (09), su último disco en solitario) en canciones de magnificencia vocal y de dulzura sonora como “Valkyrie in the roller disco” o “Daughter of sorrow”, dan como resultado un interesante disco capaz de aportar matices nuevos en cada escucha.

viernes, 22 de julio de 2011

(2) The Soft Pack "The Soft Pack" [2010]

Primer disco de este grupo californiano que destaca por su frescura y sus ritmos trepidantes. Su pop-rock con reminiscencias garajeras (escúchese “Move along” o “Flammable”) muestra toda su vitalidad en un trabajo de diez canciones que a excepción de la experimental “Parasites” rondan los dos o tres minutos.
Y todo esto da lugar a magníficos cortes como sus dos primeras canciones que abren el disco, las enérgicas “C’mon” y “Down on loving”, la melódica con tintes pop “More or less”, la reposada “Mexico” o la incisiva y guitarrera “Pull out”.
Buen sonido de una banda a tener en cuenta.

jueves, 30 de junio de 2011

(1) Spoon "Transference" [2010]

Siempre es fácil encontrar buenas canciones en cada entrega de esta banda tejana, de hecho es lo que ocurre al asomarnos en el interior de éste, su octavo disco, Trasnference.
Su prometedor arranque con grandes temas como “Is love forever?” o “The mistery zone” nos evoca a su anterior y estimable Ga, Ga ,Ga ,Ga, Ga (07). No obstante todas estas buenas sensaciones se van diluyendo posteriormente con bastantes piezas prescindibles. Una lástima porque a pesar de contener momentos interesantes el resultado es una obra inconsistente e irregular.
Otra vez será.

lunes, 20 de junio de 2011

(3) CIUDAD DE VIDA Y MUERTE, de Lu Chan [2010]

Crueldad en estado puro
1937. Guerra chino-japonesa. Las tropas niponas llegan a la capital china Nanking donde se cometen toda clase de atrocidades.
De una manera cercana al documental, con una composición -blanco y negro- y una descripción totalmente clasicista, el realizador Lu Chan nos muestra un escalofriante relato donde su mirada, aparentemente alejada, refleja lo más “inhumano de nuestra condición humana”.
Además de su argumento absolutamente estremecedor, su lectura más sugestiva es la de ser un alegato antibelicista y una interesante invitación a la reflexión acerca de nuestra naturaleza.
Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. No dejará a nadie indiferente. Debe verse.

CIUDAD DE VIDA Y MUERTE. 2010. China. Blanco y Negro
Dirección: Lu Chan
Intérpretes: Liu Ye (general Lu), Hideo Nakaizumi (Kadokawa), Fan Wei (Sr. Tang), John Paisley (John Rabe), Gao Yuanyuan (Miss Jiang), Yuko Miyamoto, Yiyan Jiang (Xiao Jiang)
Guión: Lu Chan
Música: Liu Tong
Fotografía: Cao Yu

sábado, 11 de junio de 2011

(2) Teenage Fanclub "Shadows" [2010]

Aun quedando lejos de sus mejores obras como Bandwagonesque (91), los escoceses Teenage Fanclub han realizado un estimable disco -aunque algo repetitivo- donde prevalece un aire melancólico a través de todos sus cortes.
En este trabajo, mas Byrds que nunca, dejan grandes temas como el estupendo single “Baby lee”, el rock con tintes pop “The fall” o el folk-rock “When I still have thee”.
Buenas melodías y coros con evocaciones sesenteras. Esperamos que esta veterana banda -con ocho discos de estudio en su haber- continúe paseando su creatividad muchos años más.


martes, 31 de mayo de 2011

(3) AJAMI, de Scandar Copti y Yaron Shani [2010]

Choque de culturas
Cinco historias entrelazadas conforman este magnífico film en el que se presenta un barrio multicultural con un impactante choque de culturas. La conflictiva convivencia entre judíos, musulmanes y cristianos es presentada en una comunidad cerrada con un gran realismo (más aún si tenemos en cuenta que está protagonizada por actores no profesionales).
Su maestría narrativa, a la manera de un rompecabezas -la influencia de Pulp Fiction está clara-, añade al film un aire de intriga que logra aún más identificarnos con la trama y sus personajes.
Este interesante film de los directores Yaron Shani (judío) y Scandar Copti (palestino cristiano) consiguió la Cámara de Oro en el Festival de Cannes y ha sido nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

AJAMI. 2010. Israel y Alemania. Color
Dirección: Scandar Copti y Yaron Shani
Intérpretes: Shahir Kabaha (Omar), Ibrahim Frege (Malek), Fouad Habash (Nasri), Youssef Sahwani (Abu-Lias), Ranin Karim (Hadir), Eran Naim (Dando), Scandar Copti (Binj), Elias Sabah (Shata), Hilal Kabob (Anan), Nisrin Rihan (Ilham)
Guión: Scandar Copti y Yaron Shani
Música: Rabiah Buchari
Fotografía: Boaz Yehonatan Yaacov

lunes, 9 de mayo de 2011

(3) SOUL KITCHEN, de Fatih Akin [2010]

Vive el momento
Siempre se nos aconseja que debemos tomarnos la vida con filosofía. Nos hablan del sentido del humor como algo terapéutico, que tenemos que ser positivos y que hemos de ser capaces de sobreponernos ante las adversidades.
Un buen ejemplo de lo comentado en el párrafo anterior sería la propuesta de esta magnífica comedia. Su realizador, Fatih Akin, recoge todos estos principios y los refleja en una serie de situaciones con un gran elenco de personajes y ambientes descritos de una manera muy inteligente.
El resultado es una divertida, fresca, trepidante y libertaria película con una ecléctica Banda Sonora que recoge trazos de soul setentero, funk, tradición, electrónica y reggae.
Premio especial del jurado en el Festival de Venecia. Absolutamente recomendable.

SOUL KITCHEN. 2010. Alemania. Color
Dirección: Fatih Akin
Intérpretes: Adam Bousdoukos, Moritz Bleibtreu, Birol Ünel, Udo Kier
Guión: Fatih Akin, Adam Bousdoukos
Fotografía: Rainer Klausmann

lunes, 2 de mayo de 2011

(1) Arcade Fire "The Suburbs" [2010]

Me gustó bastante el debut de Arcade Fire con Funeral (04), un disco con una gran riqueza melódica e instrumental. Su posterior Neon Bible (07), aunque manteniendo su línea estilística con sonidos post-rock y orquestaciones glam, no alcanzó ni de lejos la calidad de su predecesor, con un exceso de ornamentación y ampulosidad en las melodías.
En mi opinión éste The Suburbs, aunque con algún momento apreciable, sigue con la misma tónica monótona que Neon Bible.
Un disco totalmente sobrevalorado.

martes, 19 de abril de 2011

CANCIONES OCULTAS: Buscando tu luz, de Carlos Segarra (Las edades de Lulú, 1990)

Tema correspondiente a la Banda Sonora Original de Las Edades de Lulú (Bigas Luna, 1990), basada en la novela de Almudena Grandes, en la que el director muestra un erotismo explicito auténticamente liberador.
La música original del film corresponde a Carlos Segarra -excepto “Walk on the wild side", de Lou Reed (magnífica la sensualidad de la escena)-, en la que el cantante de Los Rebeldes muestra su sello particular, dejando en sus temas una mezcla inquietante entre romanticismo, perversión, ingenuidad y atmósfera rocker romántica años 50-60.
Esta canción, "Buscando tu luz", es una buena prueba de ello.

lunes, 28 de marzo de 2011

(4) Supertramp "Breakfast in America" [1979]

Un reproche que siempre se le ha atribuido a este disco es de ser excesivamente comercial y de alejarse de la línea sinfónica-progresiva de sus obras magnas como Crime of the Century (74) o Crisis, What Crisis? (75).
A veces cuando un grupo musical no hace más que crear obras maestras como rosquilletas, algunos críticos, intolerantes ante cualquier intento de renovación, aguardan al acecho para poner freno a ese continuo buen estado de forma.
Breakfast in America era una buena excusa: Algunas canciones pegadizas (en el buen sentido) y ritmos más digeribles podían ser un blanco perfecto para ello.
No obstante, y si analizamos el trabajo, no estaría de más preguntarnos si es habitual realizar un disco de estudio en el que se puedan extraer, por lo menos, hasta seis singles (el sesenta por ciento, en este caso).
Con bombazos del calibre de “The Logical Song” (inteligente utilización de las esdrújulas) y la homónima “Breakfast in America" (magnífico el trombón) se advierte que estamos ante un trabajo que tiene mucho que ofrecer.
Pero si continuamos podemos descubrir fantásticas melodías como “Goodbye Stranger”, preciosas baladas de la calidad de “Lord is it mine” (Hodgson) y “Casual Conversations” (Davies).
Una de las mejores canciones de Supertramp, en mi opinión, es la impresionante “Take the long way home”, con una emotiva entrada de armónica y un hipnótico ritmo de teclado. Una auténtica genialidad de Roger Hodgson.
Pero esto no es todo, si examinamos las cuatro canciones restantes (que las podríamos definir como menos “seductoras” ante una primera escucha) nos encontramos con la dulzura de “Oh Darling”, la desesperación de “Just another nervous wreck”. Además, también, de la expresividad emocional de su prólogo “Gone Hollywood” y de su fantástico epílogo “Child of visión”, dónde dejan claro que su vertiente progresiva está totalmente intacta dada la improvisación y la extensión de la pieza.
Bellas melodías, sonoridad de teclados y armonía vocal y lírica. Comercial y edulcorado para algunos. Los demás, a disfrutar.

Críticas Supertramp:
"Crisis, What Crisis?" (1975)

martes, 15 de marzo de 2011

(2) Ray LaMontagne and The Pariah Dogs "God Willin' & The Creek Don't Rise " [2010]

Cuarto disco del cantautor de New Jersey y primero con el que cuenta con la colaboración de una banda. Los músicos de The Pariah Dogs son los que le acompañan en este trabajo impregnado de expresiones folk, country y soul.
Su peculiar finura vocal, su sensibilidad melódica y su solvente ejecución dotan al disco de una evidente sencillez clásica. Y es que el cantautor logra su objetivo en la creación de éste trabajo, tan alejado de los dictados comerciales como próximo a su academicismo (The Band, Stephen Stills…)
.
A destacar la canción que cierra el disco, “Devil’s in the Jukebox” un fabuloso compendio blues-soul con una armónica deslumbrante.

lunes, 7 de marzo de 2011

(2) The Wave Pictures "Susan Rode the Cyclone." [2010]

Esta prolífica banda de rock británica ha realizado con Susan Rode the Cyclone un estimable disco que en sus sucesivas escuchas nos retrotrae a los diferentes derivados de la música rock cómo el prog, la psicodélia y el country-folk. Éstas diferentes expresiones son fagocitadas por el grupo para, al mismo tiempo, armonizarlas con su trabajada lirica y su personal estilo indie.
La desgarradora guitarra y los característicos rasgos vocales de su cantante David Tattersall imprimen una gran personalidad a cada una de sus melodías: “Kittens”, “American Boom” o el magnífico single “Sweetheart” son una buena prueba de ello.

sábado, 26 de febrero de 2011

(3) Bruce Springsteen "Greetings from Asbury Park N.J." [1973]

La ópera prima del cantante de New Jersey es un estupendo disco de folk-rock con claras influencias de Bob Dylan. Aparecen en él la E. Street Band y sus magníficos instrumentistas con Clarence Clemons como estandarte.
En Greetings From Asbury Park N.J. se advierte la portentosa capacidad lírica y compositiva de un autor que sigue emanando calidad en cada uno de sus discos a lo largo de su prolífica carrera. Canciones que a medida que ha transcurrido el tiempo se han convertido en auténticos himnos, especialmente en sus directos, como la deliciosa “Growin’ up”, el jazz-rock de Spirit in the night”, la enérgica melancolía de “For you” o la rítmica de “It’s hard to be a Saint in the city”.
Destacar otras piezas estupendas como la viveza que desprenden “Blinded by the light” o "Does this bus stop at 82nd Street?", la quietud de “Mary Queens of Arkansas”, la belleza de la balada “The Angel” y por último la hermosa “Lost in the Flood” una sugestiva mezcla de instrumentación y lirismo.
Un trabajo que abrió las puertas a uno de los más grandes autores de la música contemporánea.

martes, 15 de febrero de 2011

(4) The Doors "Strange Days" [1967]

La magia continúa. Si su primer disco homónimo era una obra maestra, ésta obra supone una especie de continuación estilística y de composición. Y es que una buena parte de los temas que componían Strange Days fueron compuestos al mismo tiempo que los incluidos en el primer álbum del grupo editados al principio del mismo año. En Strange Days también se encuentra concentrado el espíritu de The Doors, un grupo que elevó la concepción artística de la música pop afrontando asuntos transcendentes para la sociedad en la que vivían.
El rock-hipnótico, que pasea por todos sus surcos, es manejado a la perfección por esta banda de brillantes músicos junto a la extraordinaria capacidad vocal de Jim Morrison.
La propuesta del álbum se muestra desde el principio en su surrealista portada de estética circense y, especialmente, en su contenido: la lírica y la psicodelia imprimidas en bellas baladas como “You’re lost Little girl” y “I Can’t See your Face in my Mind" el desenfreno de sonidos turbadores en “Moonlight Drive”, los portentosos ejercicios de mixtura de expresión musical en las impresionantes “People are Strange”, “Strange Days”, “My Eyes Have Seen you”, “Unhappy Girl” y el espectacular delirio de sonidos pop-rock, con una poderosa carga sexual, que supone su single “Love me Two Times”.
Morrison deja su huella poética con la ensoñadora “Horse Latitudes” , recitada por el cantante con sonidos sombríos de fondo.
El desgarrador corte final, “When the Music Over”, es un extenso poema épico que cierra éste fantástico disco que -como “The End”, tema que cierra su anterior trabajo- es un juego de interacción dramática entre los músicos y la voz de Morrison con un clarificador mensaje para la juventud de la época: “Queremos el mundo y lo queremos ahora” (“We want the world and We want it, now”)
Con este disco el grupo californiano se reafirmó como uno de los más innovadores y controvertidos de la década de los 60.

Críticas de The Doors:
"The Doors" (1967)
"L.A. Woman" (1971)

lunes, 31 de enero de 2011

(4) BURIED, de Rodrigo Cortés [2010]

Espacio limitado, calidad inmensa
He de reconocer que, en un principio, tenía ciertas reticencias sobre la calidad de una película que únicamente se desarrollaba dentro de un ataúd. Si a eso añadimos sus 94 minutos de metraje, mis reservas se acrecentaban todavía más. Pensaba que, para este tipo de trama, tal vez un corto podría llegar a ser interesante, pero nunca un largometraje.
Evidentemente, y después de visionar esta excelente película, me percaté de que mis prejuicios estaban bastante alejados de la realidad.

Buried, es un magnífico ejemplo de cómo se puede construir una historia aparentemente sencilla, con pocos recursos, para convertirla en un profundo film, con sus partes entrelazadas y con lecturas que van más allá su su simple visión.

Únicamente desde el interior de la caja -sin mostrarnos el exterior- la historia te atrapa desde su inicio y surge una mezcla de complicidad y empatía que nos conduce irremediablemente a la identificación con la impotencia y la angustia que padece su protagonista (un portentoso Ryan Reynolds). Desde su claustrofóbica ubicación el personaje tiene que enfrentarse a la presión de secuestradores, a la indiferencia de compañias e instituciones y a la crueldad de su propia empresa.
Una odisea que bien podría servir de metáfora para la actual sociedad en la que vivimos; controlada por los más poderosos y en la que sólo nos dejan un minúsculo resquicio para la más absoluta resignación. Y es que los que controlan nuestro destino son unos auténticos maestros para mostrarnos el camino del aprendizaje de la indefensión.

BURIED. 2010. Esp. Color
Dirección: Rodrigo Cortés
Intérpretes: Ryan Reynolds, Robert Paterson
Guión: Chris Sparling
Fotografía: Eduard Grau
Música: Victor Reyes

jueves, 20 de enero de 2011

(3) David Bowie "Low" [1977]

Después de su incursión en el soul, Bowie, de la mano de Brian Eno, comenzó su andadura experimental con la música electrónica y ambiental. De esta colaboración nació la conocida trilogía berlinesa (1977-1979) con estos trabajos: Low (77), Heroes (77) y Lodger (79).
Low fue el su primer disco en esta aventura alemana y, en mi opinión, el de más calidad. El disco utiliza influencias del Krautrock (en especial de Kraftwerk), pero no deja de combinarlos con el pop o con el rock hipnótico de sus inicios.
Abre la obra “Speed of life”, un fantástico instrumental que conjuga riffs guitarreros con teclados ambientales. La psicoelectrónica “Breaking Glass” es una corta pieza con una gran voz de Bowie. “What in the world”, “Always crashing in the same car”, “Be my wife” entrarían dentro de esta primera fase del disco que la podríamos denominar ambient-rock por sus ráfagas psicodélicas y electrónicas.
“A new career in a town” empieza con sonidos techno, dando un salto inesperado a la melancolía popera , acompañada de una magnífica armónica. “Sound of Vision” es un single extraordinario, con gancho, bailable y con una fantástica línea de bajo.
A partir de ahí se da paso al más purista sonido ambient. Atmósfera electrónica , a veces clasicista y con una gran textura vocal (fabulosos los cánticos de “Warszawa”).
En resumen, una obra que después de más de tres décadas continúa siendo un paradigma de modernidad.

Críticas de David Bowie:
"Hunky Dory" (1971)
"Ziggy Stardust" (1972)

viernes, 7 de enero de 2011

PERSÉPOLIS, de Marjane Satrapi [2002-2004]

Marjane Satrapi comienza el cómic haciendo una somera introducción de la historia de su país para así hacernos comprender mejor una autobiografía que está repleta de anécdotas vinculadas al contexto social que le tocó vivir.
Perteneciente a una familia acomodada, progresista y seguidora de la revolución (cuando todavía no había adquirido su vertiente islamista), la historieta nos relata a través de los ojos de la autora -desde su infancia, adolescencia y juventud- la opresión que sufrió la sociedad iraní a manos de los guardianes de la revolución. Una huella que se quedó impregnada en las generaciones posteriores mediante los métodos inhumanos de sus gobernantes. Y es que es imposible no identificarse con el espíritu rebelde que rezuma la protagonista durante toda la historia. Sus aciertos, sus errores (que también los muestra), sus idas y venidas, su occidentalización y su “desoccidentalización”…
En definitiva un cómic auténticamente didáctico que sirve para despertar conciencias, para alejarnos de nuestro ingenuo (y no tan ingenuo) etnocentrismo y para denunciar las injusticias que sufren los países con suficientes recursos de los cuáles se aprovechan las grandes potencias para echar sus garras a costa de la población.

Pd.-Un tribunal del régimen iraní ha condenado al cineasta Jafar Panahi a seis años de cárcel y a veinte años de inhabilitación para rodar películas, escribir guiones, hablar con medios de comunicación extranjeros o viajar fuera de su país. El director además de sus películas, apoyó al opositor Mir Hosein Musavi.