lunes, 19 de febrero de 2018

LOS DELTONOS "16 Toneladas" - València

 
  Una noche especial
Los DelTonos, influenciados por músicos como los Fabulous Thunderbirds, Albert Collins y Albert King se dieron a conocer a finales de los 80 con una valiente propuesta a través del blues-rock y, especialmente, con ese disco mítico que fue Tres Hombres Enfermos (90). 
El pasado viernes 2 de febrero de 2018, en la sala “16 Toneladas” se encargaron de dar un repaso a la trilogía bluesera concentrada en el período de sus tres primeros discos; el ya mencionado Tres Hombres Enfermos, Bien, mejor (92) y Ríen, mejor (96). Un concierto intenso y con una perfecta ejecución que durante las casi dos horas desfilaron, entre otros, temas como “Siempre me estás llorando”, “Nada que hacer”, “Todavía no sabes mi nombre”, “No, señor”, “Escucha”, “Listo”, “Espérame”…, hasta llegar a la histeria colectiva que se desató en los primeros compases de “Soy un hombre enfermo”, canción con la que el grupo experimentó, -y ensanchó- , de una manera impecable. 
Fue grato observar como la peculiar voz d'Hendrik Röver se mantiene intacta y, especialmente, el generoso derroche de energía vertido por el grupo. Por último, sus constantes bises en forma de añejas bombas rockeras dejaron el aroma de una noche única protagonizada por una banda especial.

viernes, 16 de febrero de 2018

(3) VAMPIRE WEEKEND "Vampire Weekend" (2008)

Paul Simon realizó un extraordinario y valiente trabajo en 1986 con Graceland. Su gran mérito fue que actuó como una especie de captor de sonidos y ritmos africanos adaptándolos a su personal estilo. En mi opinión, Vampire Weekend son, unos dignos continuadores del proceso de experimentación iniciado por el autor de Newar (con claras referencias también a los Talking Heads y a Peter Gabriel).
Este disco homónimo de debut es un fantástica mezcla de rock-pop y efluvios africanos. Y es que, la banda neoyorquina, tiene la habilidad de imprimir a sus composiciones una admirable frescura que va acompañada de bellas melodías pop y de espléndidos ritmos afro-caribeños.
El álbum tiene una duración de “solo” treinta y cinco minutos esparcidos a lo largo de once temas —vuelvo a insistir en el hecho que detesto a esos grupos que inflan sus creaciones con canciones insípidas— y ya desde las primeras notas de “Mansford Roof” nos sumergimos dentro de un ambiente impregnado de vintage musical con resonancias venidas del pop y la música étnica.  Si continuamos, podremos disfrutar, entre otras, con piezas de la valía de “Oxford Comma”, el single “A-Punk” o “One” que agrandan aún más la atmósfera de esta interesante obra. 

Canciones destacadas en el disco (clicar para escuchar): 
Oxford Comma 
A-Punk

lunes, 12 de febrero de 2018

(3) ASCENSOR PARA EL CADALSO, de Louis Malle (1958)

  Las imperfecciones humanas
El punto de partida de Ascensor para el Cadalso son los amantes Julien Tavernier y Florence Carala. Ambos lo tienen todo planeado. Su amor desesperado les lleva a intentar el asesinato de Simon Carala, el marido de ella, pero una concatenación de circunstancias les sumirá en un camino sin retorno. 
Louis Malle maneja con maestría esta adaptación de la novela homónima de Noël Calef. Diferentes escenas se van sucediendo dentro de un bello marco de luces y sombras en el cual la cámara sigue constantemente a Jean Moreau cuya presencia domina todo el eje central de la historia tanto en los diálogos como en los silencios. 
Los objetos tienen una vital importancia en el film. Cada uno de ellos actúan como detonantes de las situaciones que van a acontecer: el olvido de la soga, el coche con el motor encendido, la cámara delatora y el claustrofóbico ascensor que actúa como temporizador de la tensión e incertidumbre que vive el protagonista (trasladadas al espectador). 
El film es una historia de imperfecciones, —que van desde los hechos que envuelven a los objetos hasta los mismos crímenes—, y, como no podía ser de otra manera, está encarnada por seres imperfectos (empezando por los amantes y terminando por la ingenua pareja de jóvenes que roban el coche de Tavernier). Todo ello con una excelente iluminación de fuertes contrastes, y un tiempo narrativo propio del cine noir que tiene su cénit en la magistral interpretación de Jean Moreau con su búsqueda incesante y desesperada de su amante que le guiará hasta la oscuridad absoluta. 
Los guiños y referencias a Hitchcock así como la música de Miles Davies dotan a la película de una atmósfera peculiar de suspense (destacar que Malle proyectó a Davies la película sin música y este improvisó la partitura) que es factor predominante de esta fantástica opera prima de Louis Malle

ASCENSOR PARA EL CADALSO (ASCENSEUR POUR L'ECHAFAUD). 1958. Francia. Blanco y Negro.
Dirección: Louis Malle
Intérpretes: Maurice Ronet, Jean Moreau, Georges Poujouly, Lino Ventura, Yori Bertin, Elga Andersen, Ivan Petrovich
Guión: Louis Malle, Roger Nimier (Novela; Noël Calef)
Música: Miles Davis
Fotografía: Henri Decae

jueves, 8 de febrero de 2018

(2) MIA MADRE, de Nanni Moretti (2016)

La conciencia de la muerte
Mia madre retrata el sufrimiento humano ante la pérdida de un ser querido. Concretamente se centra en ese proceso por el cual sabemos que la persona en cuestión va, irremediablemente, a fallecer. Sin embargo, mientras tanto, debemos seguir nuestro camino y hacer frente a los problemas cotidianos; trabajo, familia, separación, problemas con hija adolescente… 
La cámara está muy pendiente de la metamorfosis de su protagonista. De esta manera, a medida que va avanzando el tiempo Margherita se da cuenta de una realidad que no quiere aceptar, debido a ello intenta aferrarse a una esperanza que se le escurre por los dedos como un pequeño montón de arena. La película pone de manifiesto la falta de valoración que mostramos en vida ante la gente que nos importa. Ellos están ahí y creemos que nunca van a fenecer. Es como un llamamiento a nuestra mente, como un golpe en forma de poema de Jorge Manrique: “…Recuerde el alma dormida, avive el seso y despierte…”. La cercanía de la muerte nos hace tomar conciencia de la importancia de esos seres humanos que han sido referentes en nuestra existencia. Es entonces cuando en el film se disparan los recuerdos a través de flashbacks; grandes momentos que ya nunca volverán. 
Existe una buena conexión entre la abuela y la nieta, una honesta relación con el apoyo mutuo entre los dos hermanos, así como una especie de vacío intermedio entre las madres y ambas hijas. Se van encajando piezas y, paulatinamente, llega al momento del deceso. Y ante eso, una lectura: Ada,- la madre, el eje central del film- siempre estará en la memoria de todos por su legado de conocimiento y bondad transmitido hacia sus semejantes a lo largo de su ciclo vital (crucial la escena balsámica de su antiguo alumno cuando habla sobre ella). 
Mia Madre es una película con una temática reflexiva interesante, con incluso algún buen momento cómico cómo el del personaje histriónico de John Turturro. Se le puede criticar algunos altibajos y, a veces, su falta de ritmo, aunque su planteamiento suple este tipo de carencias. 

MIA MADRE. 2016. Italia. Color.
Dirección: Nanni Moretti
Intérpretes: Marguerita Buy, Nanni Moretti, John Turturro, Pietro Ragusa, Gianluca Gobbi, Stefano Abbati, Anna Bellato
Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Valia Santella
Fotografía: Arnaldo Catinari

jueves, 1 de febrero de 2018

(4) ONIBABA, de Kaneto Shindo (1964)

  Supervivencia y Naturalidad
Encuadrada dentro del período de guerras, Onibaba es un retrato del Japón feudal dónde su director Kaneto Shindo nos muestra una historia de superviviencia: La madre y la mujer del guerrero Kichi esperan su regreso. Mientras tanto sobreviven vendiendo las pertenencias de las samuráis que ambas se encargan de matar. La llegada de su amigo en la guerra, Hichi, quién anuncia el fallecimiento de Kichi, creará un cambio radical tanto en su relación cómo en el entorno dónde se desenvuelven. 
El film destaca por su asombrosa naturalidad a la hora de expresar sin tapujos, -tanto en las imágenes cómo en la psicología de los personajes-, las voliciones y deseos de una compleja relación triangular donde el deseo sexual, el miedo al abandono y la necesidad de sentirse protegido recorren un tortuosos camino con un sinfín de recovecos. 
La película posee una impactante fuerza visual, repleta de simbolismo y con una banda sonora que refuerza el tono misterioso que rezuma una historia dónde sus constantes metáforas; -el agujero, la máscara fantasmal y los juncos-, sobrevuelan el alma de cada una de las tres personalidades. 

ONIBABA. 1964. Japón. Color.
Dirección: Kaneto Shindo
Intérpretes: Nobuko Otowa, Jitsuko Yoshimura, Kei Sato, Jukichi Uno, Taiji Tonoyama, Kentaro Kaji, Somesho Matsumoto, Hosui Araya, Michinori Yoshida
Guión: Kaneto Shindo
Música: Hikaru Hayashi
Fotografía: Kiyomi Kuroda

lunes, 29 de enero de 2018

(3) REGRESO A CASA, de Zhang Yimou (2016)

Víctimas de un Estado injusto
El drama humano por el que atraviesan muchas personas, víctimas de un estado autoritario es retratado en la figura de Lu Yanshi. Encarcelado y alejado de su mujer e hija, huye de la prisión. El precio que tiene que pagar por ello es muy alto; su familia, siempre bajo la amenaza de las represalias y su hija, -bailarina que tiene dificultades por alcanzar el papel principal de una obra-, desconectada de él. 
En su regreso a casa, una vez proclamada la amnistía, se encontrará con una situación inesperada y es allí donde sobresale lo mejor de la cinta. 
Existen en la historia dos metáforas fundamentales como son la amnesia de su esposa y el piano. La primera simboliza el olvido con el que un estado injusto deja sumido a sus ciudadanos y la segunda actúa como motor del recuerdo de un tiempo feliz.
A pesar de las desdichas Lu Yanshi no se rinde, se topa con la desmemoria pero su amor es abnegado. De esta forma, luchando contra las adversidades se enfrenta con valentía a sus dos tareas vitales; (re)consquistar a su esposa y (re)conciliarse con su primogénita. Esta es la manera de alcanzar su felicidad. 
Zhang Yimou, con un excelente guión y una realización impecable, consigue un bello y metafórico film. Muy recomendable. 

REGRESO A CASA (GUI LAI). 2014. China. Color.
Dirección: Zhang Yimou
Intérpretes: Gong Li, Daoming Zhang, Guo Tao, Yan Ni, Li Chun, Zhang Jiayi, Liu Peiqi, Ding Jiali, Xin Baiqing, Zu Feng, Chen Xiaoyi
Guión: Zhou Jingzhi (Novela de Yan Geling)
Música: Takanobu Saito
Fotografía: Zhao Xiaoding

jueves, 18 de enero de 2018

(4) EL SABOR DEL SAKE, de Yasujiro Ozu (1962)

El miedo a la soledad
Ozu tiene la virtud, -además de realizar una excelente radiografía de la sociedad japonesa-, de contar las cosas con una sencillez asombrosa. Con El Sabor del Sake se adentra en el patriarcado y, de esta manera, disecciona la vida familiar para mostrar una sociedad machista que deja a las mujeres solteras cerca del ostracismo.
La película pone de manifiesto el miedo a la soledad y las debilidades del ser humano. Asimismo, es importante apuntar como la guerra, -una constante en la filmografía del director-, planea sobre el (sub)consciente de los personajes. Por finalizar, tal y como señala su título, resaltar ese alcoholismo, siempre teñido de pesadumbre, donde se refugian sus protagonistas.
Magnífico film.

EL SABOR DEL SAKE (SAMNA NO AJI). 1962. Japón. Color.
Dirección: Yasujiro Ozu
Intérpretes: Chishu Ryu, Shima Iwashita, Shinichiro MIkami, Keiji Sada, Mariko Okada, Nobuo Nakamura, Teruo Yoshida
Guión: Yasujiro Ozu, Kogo Noda
Música: Takanobu Saito
Fotografía: Yujaru Atsuta 


Críticas de Yasujiro Ozu en Rockmatógrafo: 
Cuentos de Tokyo (1953)

jueves, 11 de enero de 2018

(3) TRIANA "El Patio" (1975)

Disco clave en la historia del rock español y ópera prima de la banda. Con este arriesgado e innovador trabajo, Jesús de la Rosa, Juan José Palacios "Tele" y Eduardo Rodriguez crearon una fusión del rock progresivo, rock sinfónico y flamenco llamado Rock Andaluz
El sello personal es innegable, no obstante se pueden apreciar influencias de grupos como Emerson, Like & Palmer, Pink Floyd, King Crimson o del "cante" más puro. De esa mezcla encontramos temas tan variados como "Sé de un lugar", "Todo es de color", versión de Lole y Manuel que funciona a modo de interludio, los juegos de teclado y flamenco de "Diálogos", el rock de "Luminosa Mañana" y las bulerías de "Recuerdos de una noche"
Al frente de esto, sin embargo, destacaría estas dos obras maestras: "Abre la Puerta Niña" son diez minutos de fantástico rock progresivo. Esta pieza es un desenfreno instrumental y vocal que te hipnotiza desde el primer instante y "En el Lago", bellísima melodía de siete minutos de duración donde confluyen todas las virtudes musicales y alegóricas del grupo. Imprescindible.

Canciones destacadas en el disco (clicar para escuchar): 
En el Lago 
Abre la Puerta Niña

domingo, 7 de enero de 2018

(3) EXTREMODURO "Agila" (1996)

Agila (“Espabila” en el dialecto castúo) es el sexto álbum del grupo extremeño y tiene como gran virtud una gestión muy inteligente a la hora de abordar distintas maneras de confluir el rock. Esta vez la banda recurre a la utilización de instrumentos de viento (saxo y flauta) y de metal (trombón de varas) para dar forma a canciones que van desde cadencias más dulces y relajadas (“Buscando una luna”), pasando por el punk blueseado del “Día de la Bestia”  hasta el rock más hard de La carrera
La letra de Robe, -siempre punzante e incisiva-, tiene el soporte de la fantástica guitarra de Iñaki “Milindris” Setién que le da un aire sensacional a todos los temas (brutal en “So Payaso”). 
Cabe destacar la colaboración de Albert Pla en la voz en “¡Qué sonrisa tan rara!” y esos dos inmortales trallazos que aparecen hacia el final del disco cómo son “Correcaminos, estate al loro” y “La Carrera” (genial su irónica descripción "estudio-toxicológica"). 
Supuso la consolidación de la banda y, después de dos décadas, es un referente en el contexto musical actual. 

Canciones destacadas en el disco (clicar para escuchar):

sábado, 6 de enero de 2018

(4) CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA DE AGOSTO, de Kenzi Mizoguchi (1953)

 Ambición y vileza masculina
A pesar de estar contextualizada en un período tan duro como son las épocas de guerras en el Japón del siglo XVI, Mizoguchi construye una bella historia visual, -aunando muy inteligentemente elementos realistas con componentes fantásticos-, en la que muestra cómo la mujer es víctima, como siempre a lo largo de la historia, de la vileza masculina. 
Las difíciles condiciones de los campesinos y su lucha por la supervivencia atrapan a los protagonistas Tobei y Genjuro junto a sus familias. La desesperación les lleva a partir dejando a sus mujeres e hijos para conseguir mejor suerte, uno como vendedor y el otro como samurái. Sin embargo, ambos acaban siendo víctimas de una ambición que les arrastra a cometer actos irracionales y contraproducentes. Es ahí cuando Mizoguchi muestra la fragilidad humana: Tobei es anulado como persona, enloquecido por conseguir una gran fortuna es literalmente abducido por la belleza de la princesa “fantasma” e irresponsablemente se olvida del peligro en el que se encuentra su niño pequeño y su mujer. Genjuro, por su parte, está cegado por alcanzar un estatus y no le importa llegar a él a través de procedimientos innobles. De esta manera, se convierte en un samurái altivo y arrogante, borrando de su mente a su esposa hasta que se la encuentra trabajando de prostituta en un burdel.
Así las cosas, ambos intentan reaccionar, pero las cosas tal vez no volverán a ser como antes.
Destacar su asombrosa puesta en escena. Para revisitar una y mil veces. 

CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA DE AGOSTO. 1953. Japón. Blanco y Negro.
Dirección: Kenzi Mizoguchi
Intérpretes: Machiko Kyo, Mitsuki Mito, Kinuyo Tanaka, Masayuki Mori, Eitaro Ozawa, Eigoro Onoe, Ichisaburo Sawamura, Ryosuke Kagawa, Sugisaku Aoyama.
Guión: Matsutaro Kawaguchi, Yoshikata Yoda
Música: Fumio Hayasaka, Tamekichi Mochizuki, Ichiro Saito
Fotografía: Kazuo Miyagawa

viernes, 5 de enero de 2018

(3) MANCHESTER FRENTE AL MAR, de Kenneth Lonergan (2017)

 La canalización del sufrimiento
El gran acierto de Manchester frente al mar es mostrar cómo se canaliza el dolor emocional a través las tragedias humanas. Las situaciones del film; muertes familiares, tutela y relaciones interpersonales -sobrino y ex-mujer especialmente-, junto con el infierno interior que sufre el protagonista, -magistralmente interpretado por Cassey Affleck-, da lugar a que su aflicción se traduzca en comportamientos violentos, sentimientos de culpa y auto-castigo. 
A todo esto, hay que añadir una interesante narrativa cinematográfica -a base de flashbacks- y unas bellas imágenes reforzadas con una certera banda sonora (sensacional la escena del incendio con la música de Adagio de Albinoni). 

MANCHESTER BY THE SEA (MANCHESTER FRENTE AL MAR). 2017. USA. Color.
Dirección: Kenneth Lonergan
Intérpretes: Cassey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan, Erica Mcdermott, Mathew Broderick
Guión: Kenneth Lonergan
Música: Lesley Barber
Fotografía: Jody Lee Lipes

lunes, 1 de enero de 2018

(3) LA LLEGADA, de Denis Villeneuve (2016)

Comunicación y entendimiento
Lo más interesante de La Llegada es la cantidad de elementos que van apareciendo a lo largo de la trama. Aunque el punto de partida es la aparición de misteriosas naves extraterrestres, -con las que de hecho se podría jugar con una historia puramente alienígena-, en realidad no supone el único eje central del film sino que representa un punto de inflexión para abordar reflexiones mucho más profundas a través de un acercamiento muy bien elaborado. De esta manera, podríamos citar, entre otros, como conceptos subyacentes: la comunicación con sus vertientes verbal, no verbal y escrita, los malentendidos, la precipitación en las conclusiones que pueden llevar a una guerra, la histeria colectiva, la cooperación, las emociones, el lenguaje y su influencia en nuestro cerebro, etc.
Es muy inteligente el manejo espacio-temporal que realiza el director mediante los tiempos presente y futuro, esto es, la conexión existente entre la historia principal (presente) con los vivencias que experimenta a través de su hija (futuro), todo ello sublimado por un tratamiento poético que se plasma en unas imágenes muy emotivas y sugestivas. 

ARRIVAL (LA LLEGADA). 2016. USA. Color.
Dirección: Denis Villeneuve
Intérpretes: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Sthulbarg, Mark O'Brien, Nahally Thibault, Pat Kiely.
Guión: Eric Heisserer (Novela: Ted Chiang)
Música: Jóhan Jóhannsson
Fotografía: Bradford Young


Críticas de Denis Villeneuve en Rockmatógrafo:
Incendies (2011)