Rock & Cine

"BIG" JOE TURNER, UN PIONERO IMPRESCINDIBLE

2012-01-17T23:51:00.001+01:00

Debido a la saturación de escuchar música actual y de no encontrar nada fuera de lo normal, uno a veces se pregunta cuál es la música que realmente le hace estremecer. Cuando llego a este estado, para descongestionarme, siempre recurro al purismo del blues, del rock o del boogie-woogie. Aquí es cuando me reencuentro con mi venerado “Big” Joe Turner (1911-1985).“Shake, Rattle and Roll”, “Corrine, Corrina”, “Teenage Letter”, “Still in Love”, “Crawdad Hole”, “Roll ‘Em Pete”.
Un pionero imprescindible y fundamental.

PARECE QUE ANDA SUELTO SATANÁS

2011-11-30T17:52:00.007+01:00

No, no lo digo por lo que estamos atravesando en la actualidad. Me refiero a una canción que escribió Luis Eduardo Aute en su estimable álbum Albanta (78), una visión apocalíptica del cantautor que sorprende por su lírica absolutamente perversa.

Según cuentan, Aute contó el proceso de creación en un concierto. Transcribo textualmente lo que escribió un asistente al concierto en un foro de internet:
Aute dijo en el concierto que escribió la canción que expones tras un día de verano en Madrid, con un calor asfixiante, en pleno agosto, y en el que decidió acercarse al campo a descansar y ver si allí se estaba más fresquito. Nos contó que iba por la carretera y, de buenas a primeras, se generó un atasco espectacular y que, según avanzaba, descubrió que el motivo había sido un accidente de un coche de recién casados que se había dado contra un coche funerario. Así que la novia iba con su traje blanco teñido de rojo corriendo y gritando a todos lados, el novio tirado por allí, cerca del muerto, cuyo ataud se había abierto según creo recordar. Sé que así escrito no suena especialmente divertido, pero Aute le dio una dosis de humor negro ciertamente cómica.
Al margen de la veracidad o no de lo expuesto lo que sí es evidente es que Aute en el 78 realizó, sin darse cuenta, una canción profética y el Satanás al que se refiere lo tenemos en la dictadura de los mercados financieros que estamos sufriendo actualmente…

Pero esto no acaba aquí. Ésta canción dio para más y fue versioneada por músicos con una vertiente mucho más rockera e incluso grupos de rock-duro.
Si hacemos un repaso cronológico nos encontramos con que Baron Rojo realizaron una versión en su primer disco de estudio Larga vida al rock&roll (81):

El controvertido Teddy Bautista la cantó en directo, en el concierto que realizo Aute para su disco Entre amigos (83):

Y, por último, en el año 2004 Rosendo Mercado hizo una versión en su disco Rarezas:

JOE SATRIANI vs. COLDPLAY

2011-11-16T21:33:00.003+01:00

He aquí otra controversia en cuanto a plagios entre diferentes bandas o solistas que tanto han proliferado a lo largo de los años en la música contemporánea.
Esta vez, Coldplay -señalados también por su último single- y Joe Satriani. Dos canciones : “Viva la vida” -de su disco homónimo Viva la vida (08)- y la instrumental “If I could fly” -de su disco Is there love in space? (04)-, respectivamente.
Satriani impusó una demanda a Coldplay por incorporar “porciones originales sustanciales” de su canción.
Aquí tenéis un ejemplo de ambas canciones para que podáis juzgar.

CANCIONES OCULTAS: This Love, de The Magic Numbers (The Magic Numbers, 2005)

2011-10-31T17:43:00.005+01:00

Perteneciente a su estimable disco de debut The Magic Numbers (05), esta bella canción es un estupendo ejercicio de clasicismo que mezcla dulzura, melodía y ternura.
La suavidad vocal, las relajadas cuerdas de las guitarras y violines le imprimen un halo melancólico en el cual nos sumergimos cuando suenan sus primeras notas.
Un precioso tema, para cerrar los ojos y dejarse llevar…

The Magic Numbers - This Love

CANCIONES OCULTAS: Mi prima y sus pinceles, de Josele Santiago (Las golondrinas etcétera, 2004)

2011-10-17T00:03:00.003+02:00

Perteneciente a su primer disco en solitario, el magnífico Las golondrinas, etcétera (04), "Mi prima y sus pinceles" es una auténtica delicia lírica e instrumental en el que destacan la voz desgarrada de Josele Santiago, el sonido meláncolico slide de la guitarra de Pablo Novoa (ex Golpes Bajos) y el bello piano acompañante de Luca Frasca.

Josele Santiago - Mi prima y sus pinceles

MEJORES DISCOS 2010

2011-10-03T00:56:00.002+02:00

1.- The Black Keys "Brothers"

2.- The Wave Pictures "Susan Rode the Cyclone"

3.- JayMay "Long Walk to Never"

4.- The Divine Comedy "Bang Goes the Knighthood"

5.- The New Pornographers "Together"

(2) The Black Keys "Brothers" [2010]

2011-09-22T21:04:00.003+02:00

Dan Auerbach ya nos ofreció no hace mucho un estimable disco, Keep it hit (09), en el que realizaba un interesante incursión en diferentes estilos. Ahora junto con Patrick Carney -su dúo de siempre- han realizado un gran trabajo que se caracteriza por su gran frescura y potencia.
Los Black Keys convencen con su propuesta de blues descarnado, su rock garajero y sus pinceladas soul.
Destacar su potente blues “She’s long home”, su intrumental “Black Mud”, su sugestivos motown “Never give you up” y “Unknown brother”.

MEJORES FILMS 2010

2011-09-06T23:52:00.001+02:00

1.- Buried, de Rodrigo Cortés

2.- Soul Kitchen, de Fatih Akin

3.- Ajami, de Scandar Copti i Yaron Shani

4.- Ciudad de vida y muerte, de Lu Chuan

5.- Conocerás al hombre de tus sueños, de Woody Allen

(2) Jaymay "Long walk to never" [2010]

2011-08-07T21:33:00.007+02:00

Jaymay ya demostró en su fantástico Autumn Fallin’ (08) que tiene una capacidad portentosa para componer bellas melodías.
Siguiendo con su armonioso y cadencioso new-folk, la cantautora neoyorquina nos brinda ésta vez un brillante EP de cinco canciones en el que predomina su hipnótico preciosismo minimalista.
Creo que no exagero si afirmo que estamos delante de un auténtico talento que puede hacer historia.
Estaremos atentos.

Críticas de JayMay:
Autumn Fallin' (2008)

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(2) The New Pornographers "Together" [2010]

2011-07-31T21:13:00.004+02:00

Quinto disco de estudio de ésta banda canadiense que se caracteriza sobre todo por su gran solidez. Sus vertientes más poperas, melódicas y rockeras son el denominador común en canciones tan notables como “Moves”, “Crash years” o “Your hands (together)”.
Los ritmos brillantes de “Silver Jenny Dollar”, “Sweet talk, sweet talk” y “A bite out of my bed”, la pureza indie de “If you can’t see my mirrors” y sobre todo la mano de Necko Case (se nota la influencia Middley Cyclone (09), su último disco en solitario) en canciones de magnificencia vocal y de dulzura sonora como “Valkyrie in the roller disco” o “Daughter of sorrow”, dan como resultado un interesante disco capaz de aportar matices nuevos en cada escucha.

(2) The Soft Pack "The Soft Pack" [2010]

2011-07-22T00:27:00.003+02:00

Primer disco de este grupo californiano que destaca por su frescura y sus ritmos trepidantes. Su pop-rock con reminiscencias garajeras (escúchese “Move along” o “Flammable”) muestra toda su vitalidad en un trabajo de diez canciones que a excepción de la experimental “Parasites” rondan los dos o tres minutos.
Y todo esto da lugar a magníficos cortes como sus dos primeras canciones que abren el disco, las enérgicas “C’mon” y “Down on loving”, la melódica con tintes pop “More or less”, la reposada “Mexico” o la incisiva y guitarrera “Pull out”.
Buen sonido de una banda a tener en cuenta.

(1) Spoon "Transference" [2010]

2011-06-30T23:55:00.001+02:00

Siempre es fácil encontrar buenas canciones en cada entrega de esta banda tejana, de hecho es lo que ocurre al asomarnos en el interior de éste, su octavo disco, Trasnference.
Su prometedor arranque con grandes temas como “Is love forever?” o “The mistery zone” nos evoca a su anterior y estimable Ga, Ga ,Ga ,Ga, Ga (07). No obstante todas estas buenas sensaciones se van diluyendo posteriormente con bastantes piezas prescindibles. Una lástima porque a pesar de contener momentos interesantes el resultado es una obra inconsistente e irregular.
Otra vez será.

(3) CIUDAD DE VIDA Y MUERTE, de Lu Chan [2010]

2011-06-20T23:15:00.004+02:00

Crueldad en estado puro

1937. Guerra chino-japonesa. Las tropas niponas llegan a la capital china Nanking donde se cometen toda clase de atrocidades.
De una manera cercana al documental, con una composición -blanco y negro- y una descripción totalmente clasicista, el realizador Lu Chan nos muestra un escalofriante relato donde su mirada, aparentemente alejada, refleja lo más “inhumano de nuestra condición humana”.
Además de su argumento absolutamente estremecedor, su lectura más sugestiva es la de ser un alegato antibelicista y una interesante invitación a la reflexión acerca de nuestra naturaleza.
Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. No dejará a nadie indiferente. Debe verse.

CIUDAD DE VIDA Y MUERTE. 2010. China. Blanco y Negro
Dirección: Lu Chan
Intérpretes: Liu Ye (general Lu), Hideo Nakaizumi (Kadokawa), Fan Wei (Sr. Tang), John Paisley (John Rabe), Gao Yuanyuan (Miss Jiang), Yuko Miyamoto, Yiyan Jiang (Xiao Jiang)
Guión: Lu Chan
Música: Liu Tong
Fotografía: Cao Yu

(2) Teenage Fanclub "Shadows" [2010]

2011-06-11T11:36:00.014+02:00

Aun quedando lejos de sus mejores obras como Bandwagonesque (91), los escoceses Teenage Fanclub han realizado un estimable disco -aunque algo repetitivo- donde prevalece un aire melancólico a través de todos sus cortes.
En este trabajo, mas Byrds que nunca, dejan grandes temas como el estupendo single “Baby lee”, el rock con tintes pop “The fall” o el folk-rock “When I still have thee”.
Buenas melodías y coros con evocaciones sesenteras. Esperamos que esta veterana banda -con ocho discos de estudio en su haber- continúe paseando su creatividad muchos años más.

(3) AJAMI, de Scandar Copti y Yaron Shani [2010]

2011-05-31T21:57:00.004+02:00

Choque de culturas

Cinco historias entrelazadas conforman este magnífico film en el que se presenta un barrio multicultural con un impactante choque de culturas. La conflictiva convivencia entre judíos, musulmanes y cristianos es presentada en una comunidad cerrada con un gran realismo (más aún si tenemos en cuenta que está protagonizada por actores no profesionales).
Su maestría narrativa, a la manera de un rompecabezas -la influencia de Pulp Fiction está clara-, añade al film un aire de intriga que logra aún más identificarnos con la trama y sus personajes.
Este interesante film de los directores Yaron Shani (judío) y Scandar Copti (palestino cristiano) consiguió la Cámara de Oro en el Festival de Cannes y ha sido nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

AJAMI. 2010. Israel y Alemania. Color
Dirección: Scandar Copti y Yaron Shani
Intérpretes: Shahir Kabaha (Omar), Ibrahim Frege (Malek), Fouad Habash (Nasri), Youssef Sahwani (Abu-Lias), Ranin Karim (Hadir), Eran Naim (Dando), Scandar Copti (Binj), Elias Sabah (Shata), Hilal Kabob (Anan), Nisrin Rihan (Ilham)
Guión: Scandar Copti y Yaron Shani
Música: Rabiah Buchari
Fotografía: Boaz Yehonatan Yaacov

(3) SOUL KITCHEN, de Fatih Akin [2010]

2011-05-09T20:51:00.005+02:00

Vive el momento

Siempre se nos aconseja que debemos tomarnos la vida con filosofía. Nos hablan del sentido del humor como algo terapéutico, que tenemos que ser positivos y que hemos de ser capaces de sobreponernos ante las adversidades.
Un buen ejemplo de lo comentado en el párrafo anterior sería la propuesta de esta magnífica comedia. Su realizador, Fatih Akin, recoge todos estos principios y los refleja en una serie de situaciones con un gran elenco de personajes y ambientes descritos de una manera muy inteligente.
El resultado es una divertida, fresca, trepidante y libertaria película con una ecléctica Banda Sonora que recoge trazos de soul setentero, funk, tradición, electrónica y reggae.
Premio especial del jurado en el Festival de Venecia. Absolutamente recomendable.

SOUL KITCHEN. 2010. Alemania. Color
Dirección: Fatih Akin
Intérpretes: Adam Bousdoukos, Moritz Bleibtreu, Birol Ünel, Udo Kier
Guión: Fatih Akin, Adam Bousdoukos
Fotografía: Rainer Klausmann

(1) Arcade Fire "The Suburbs" [2010]

2011-05-02T00:48:00.003+02:00

Me gustó bastante el debut de Arcade Fire con Funeral (04), un disco con una gran riqueza melódica e instrumental. Su posterior Neon Bible (07), aunque manteniendo su línea estilística con sonidos post-rock y orquestaciones glam, no alcanzó ni de lejos la calidad de su predecesor, con un exceso de ornamentación y ampulosidad en las melodías.
En mi opinión éste The Suburbs, aunque con algún momento apreciable, sigue con la misma tónica monótona que Neon Bible.
Un disco totalmente sobrevalorado.

CANCIONES OCULTAS: Buscando tu luz, de Carlos Segarra (Las edades de Lulú, 1990)

2011-04-19T21:30:00.012+02:00

Tema correspondiente a la Banda Sonora Original de Las Edades de Lulú (Bigas Luna, 1990), basada en la novela de Almudena Grandes, en la que el director muestra un erotismo explicito auténticamente liberador.
La música original del film corresponde a Carlos Segarra -excepto “Walk on the wild side", de Lou Reed (magnífica la sensualidad de la escena)-, en la que el cantante de Los Rebeldes muestra su sello particular, dejando en sus temas una mezcla inquietante entre romanticismo, perversión, ingenuidad y atmósfera rocker romántica años 50-60.
Esta canción, "Buscando tu luz", es una buena prueba de ello.

(4) Supertramp "Breakfast in America" [1979]

2011-03-28T21:52:00.006+02:00

Un reproche que siempre se le ha atribuido a este disco es de ser excesivamente comercial y de alejarse de la línea sinfónica-progresiva de sus obras magnas como Crime of the Century (74) o Crisis, What Crisis? (75).
A veces cuando un grupo musical no hace más que crear obras maestras como rosquilletas, algunos críticos, intolerantes ante cualquier intento de renovación, aguardan al acecho para poner freno a ese continuo buen estado de forma.
Breakfast in America era una buena excusa: Algunas canciones pegadizas (en el buen sentido) y ritmos más digeribles podían ser un blanco perfecto para ello. No obstante, y si analizamos el trabajo, no estaría de más preguntarnos si es habitual realizar un disco de estudio en el que se puedan extraer, por lo menos, hasta seis singles (el sesenta por ciento, en este caso).
Con bombazos del calibre de “The Logical Song” (inteligente utilización de las esdrújulas) y la homónima “Breakfast in America" (magnífico el trombón) se advierte que estamos ante un trabajo que tiene mucho que ofrecer. Pero si continuamos podemos descubrir fantásticas melodías como “Goodbye Stranger”, preciosas baladas de la calidad de “Lord is it mine” (Hodgson) y “Casual Conversations” (Davies).
Una de las mejores canciones de Supertramp, en mi opinión, es la impresionante “Take the long way home”, con una emotiva entrada de armónica y un hipnótico ritmo de teclado. Una auténtica genialidad de Roger Hodgson.
Pero esto no es todo, si examinamos las cuatro canciones restantes (que las podríamos definir como menos “seductoras” ante una primera escucha) nos encontramos con la dulzura de “Oh Darling”, la desesperación de “Just another nervous wreck”. Además, también, de la expresividad emocional de su prólogo “Gone Hollywood” y de su fantástico epílogo “Child of visión”, dónde dejan claro que su vertiente progresiva está totalmente intacta dada la improvisación y la extensión de la pieza.
Bellas melodías, sonoridad de teclados y armonía vocal y lírica. Comercial y edulcorado para algunos. Los demás, a disfrutar.

Críticas Supertramp:
"Crisis, What Crisis?" (1975)

(2) Ray LaMontagne and The Pariah Dogs "God Willin' & The Creek Don't Rise " [2010]

2011-03-15T23:17:00.008+01:00

Cuarto disco del cantautor de New Jersey y primero con el que cuenta con la colaboración de una banda. Los músicos de The Pariah Dogs son los que le acompañan en este trabajo impregnado de expresiones folk, country y soul.
Su peculiar finura vocal, su sensibilidad melódica y su solvente ejecución dotan al disco de una evidente sencillez clásica. Y es que el cantautor logra su objetivo en la creación de éste trabajo, tan alejado de los dictados comerciales como próximo a su academicismo (The Band, Stephen Stills…).
A destacar la canción que cierra el disco, “Devil’s in the Jukebox” un fabuloso compendio blues-soul con una armónica deslumbrante.

(2) The Wave Pictures "Susan Rode the Cyclone." [2010]

2011-03-07T21:42:00.005+01:00

Esta prolífica banda de rock británica ha realizado con Susan Rode the Cyclone un estimable disco que en sus sucesivas escuchas nos retrotrae a los diferentes derivados de la música rock cómo el prog, la psicodélia y el country-folk. Éstas diferentes expresiones son fagocitadas por el grupo para, al mismo tiempo, armonizarlas con su trabajada lirica y su personal estilo indie.
La desgarradora guitarra y los característicos rasgos vocales de su cantante David Tattersall imprimen una gran personalidad a cada una de sus melodías: “Kittens”, “American Boom” o el magnífico single “Sweetheart” son una buena prueba de ello.

(3) Bruce Springsteen "Greetings from Asbury Park N.J." [1973]

2011-02-26T00:21:00.004+01:00

La ópera prima del cantante de New Jersey es un estupendo disco de folk-rock con claras influencias de Bob Dylan. Aparecen en él la E. Street Band y sus magníficos instrumentistas con Clarence Clemons como estandarte.
En Greetings From Asbury Park N.J. se advierte la portentosa capacidad lírica y compositiva de un autor que sigue emanando calidad en cada uno de sus discos a lo largo de su prolífica carrera. Canciones que a medida que ha transcurrido el tiempo se han convertido en auténticos himnos, especialmente en sus directos, como la deliciosa “Growin’ up”, el jazz-rock de Spirit in the night”, la enérgica melancolía de “For you” o la rítmica de “It’s hard to be a Saint in the city”.
Destacar otras piezas estupendas como la viveza que desprenden “Blinded by the light” o "Does this bus stop at 82nd Street?", la quietud de “Mary Queens of Arkansas”, la belleza de la balada “The Angel” y por último la hermosa “Lost in the Flood” una sugestiva mezcla de instrumentación y lirismo.
Un trabajo que abrió las puertas a uno de los más grandes autores de la música contemporánea.

(4) The Doors "Strange Days" [1967]

2011-02-15T20:52:00.006+01:00

La magia continúa. Si su primer disco homónimo era una obra maestra, ésta obra supone una especie de continuación estilística y de composición. Y es que una buena parte de los temas que componían Strange Days fueron compuestos al mismo tiempo que los incluidos en el primer álbum del grupo editados al principio del mismo año. En Strange Days también se encuentra concentrado el espíritu de The Doors, un grupo que elevó la concepción artística de la música pop afrontando asuntos transcendentes para la sociedad en la que vivían.

El rock-hipnótico, que pasea por todos sus surcos, es manejado a la perfección por esta banda de brillantes músicos junto a la extraordinaria capacidad vocal de Jim Morrison.

La propuesta del álbum se muestra desde el principio en su surrealista portada de estética circense y, especialmente, en su contenido: la lírica y la psicodelia imprimidas en bellas baladas como “You’re lost Little girl” y “I Can’t See your Face in my Mind" el desenfreno de sonidos turbadores en “Moonlight Drive”, los portentosos ejercicios de mixtura de expresión musical en las impresionantes “People are Strange”, “Strange Days”, “My Eyes Have Seen you”, “Unhappy Girl” y el espectacular delirio de sonidos pop-rock, con una poderosa carga sexual, que supone su single “Love me Two Times”.
Morrison deja su huella poética con la ensoñadora “Horse Latitudes” , recitada por el cantante con sonidos sombríos de fondo.
El desgarrador corte final, “When the Music Over”, es un extenso poema épico que cierra éste fantástico disco que -como “The End”, tema que cierra su anterior trabajo- es un juego de interacción dramática entre los músicos y la voz de Morrison con un clarificador mensaje para la juventud de la época: “Queremos el mundo y lo queremos ahora” (“We want the world and We want it, now”)
Con este disco el grupo californiano se reafirmó como uno de los más innovadores y controvertidos de la década de los 60.

Críticas de The Doors:
"The Doors" (1967)
"L.A. Woman" (1971)

(4) BURIED, de Rodrigo Cortés [2010]

2011-01-31T18:42:00.005+01:00

Espacio limitado, calidad inmensa

He de reconocer que, en un principio, tenía ciertas reticencias sobre la calidad de una película que únicamente se desarrollaba dentro de un ataúd. Si a eso añadimos sus 94 minutos de metraje, mis reservas se acrecentaban todavía más. Pensaba que, para este tipo de trama, tal vez un corto podría llegar a ser interesante, pero nunca un largometraje.
Evidentemente, y después de visionar esta excelente película, me percaté de que mis prejuicios estaban bastante alejados de la realidad.
Buried, es un magnífico ejemplo de cómo se puede construir una historia aparentemente sencilla, con pocos recursos, para convertirla en un profundo film, con sus partes entrelazadas y con lecturas que van más allá su su simple visión.
Únicamente desde el interior de la caja -sin mostrarnos el exterior- la historia te atrapa desde su inicio y surge una mezcla de complicidad y empatía que nos conduce irremediablemente a la identificación con la impotencia y la angustia que padece su protagonista (un portentoso Ryan Reynolds). Desde su claustrofóbica ubicación el personaje tiene que enfrentarse a la presión de secuestradores, a la indiferencia de compañias e instituciones y a la crueldad de su propia empresa.
Una odisea que bien podría servir de metáfora para la actual sociedad en la que vivimos; controlada por los más poderosos y en la que sólo nos dejan un minúsculo resquicio para la más absoluta resignación. Y es que los que controlan nuestro destino son unos auténticos maestros para mostrarnos el camino del aprendizaje de la indefensión.

BURIED. 2010. Esp. Color
Dirección: Rodrigo Cortés
Intérpretes: Ryan Reynolds, Robert Paterson
Guión: Chris Sparling
Fotografía: Eduard Grau
Música: Victor Reyes

(3) David Bowie "Low" [1977]

2011-01-20T00:09:00.009+01:00

Después de su incursión en el soul, Bowie, de la mano de Brian Eno, comenzó su andadura experimental con la música electrónica y ambiental. De esta colaboración nació la conocida trilogía berlinesa (1977-1979) con estos trabajos: Low (77), Heroes (77) y Lodger (79).
Low fue el su primer disco en esta aventura alemana y, en mi opinión, el de más calidad. El disco utiliza influencias del Krautrock (en especial de Kraftwerk), pero no deja de combinarlos con el pop o con el rock hipnótico de sus inicios.
Abre la obra “Speed of life”, un fantástico instrumental que conjuga riffs guitarreros con teclados ambientales. La psicoelectrónica “Breaking Glass” es una corta pieza con una gran voz de Bowie. “What in the world”, “Always crashing in the same car”, “Be my wife” entrarían dentro de esta primera fase del disco que la podríamos denominar ambient-rock por sus ráfagas psicodélicas y electrónicas.
“A new career in a town” empieza con sonidos techno, dando un salto inesperado a la melancolía popera , acompañada de una magnífica armónica. “Sound of Vision” es un single extraordinario, con gancho, bailable y con una fantástica línea de bajo.
A partir de ahí se da paso al más purista sonido ambient. Atmósfera electrónica , a veces clasicista y con una gran textura vocal (fabulosos los cánticos de “Warszawa”).
En resumen, una obra que después de más de tres décadas continúa siendo un paradigma de modernidad.

Críticas de David Bowie:
"Hunky Dory" (1971)
"Ziggy Stardust" (1972)

PERSÉPOLIS, de Marjane Satrapi [2002-2004]

2011-01-07T21:04:00.003+01:00

Marjane Satrapi comienza el cómic haciendo una somera introducción de la historia de su país para así hacernos comprender mejor una autobiografía que está repleta de anécdotas vinculadas al contexto social que le tocó vivir.
Perteneciente a una familia acomodada, progresista y seguidora de la revolución (cuando todavía no había adquirido su vertiente islamista), la historieta nos relata a través de los ojos de la autora -desde su infancia, adolescencia y juventud- la opresión que sufrió la sociedad iraní a manos de los guardianes de la revolución. Una huella que se quedó impregnada en las generaciones posteriores mediante los métodos inhumanos de sus gobernantes. Y es que es imposible no identificarse con el espíritu rebelde que rezuma la protagonista durante toda la historia. Sus aciertos, sus errores (que también los muestra), sus idas y venidas, su occidentalización y su “desoccidentalización”…
En definitiva un cómic auténticamente didáctico que sirve para despertar conciencias, para alejarnos de nuestro ingenuo (y no tan ingenuo) etnocentrismo y para denunciar las injusticias que sufren los países con suficientes recursos de los cuáles se aprovechan las grandes potencias para echar sus garras a costa de la población.

Pd.-Un tribunal del régimen iraní ha condenado al cineasta Jafar Panahi a seis años de cárcel y a veinte años de inhabilitación para rodar películas, escribir guiones, hablar con medios de comunicación extranjeros o viajar fuera de su país. El director además de sus películas, apoyó al opositor Mir Hosein Musavi.

(2) The Divine Comedy "Bang Goes the Knighthood" [2010]

2010-12-27T18:05:00.004+01:00

Estimable disco del grupo de Neil Hannon con su sello particular indie mezclado con aires añejos sinfónicos. Canciones nostálgicas como “Down in the street belo”, el vals homónimo “Bang Goes the Knighthood”, “Have You Ever Been in Love” o “When a Man Cries” se conjugan con canciones divertidas, cabareteras o de sonido sinfónico setentero como “The Complete Bank”, “Assume the Perpendicular” y “Can You Stand Upon a Leg” (magnífico el agudo final). En definitiva un trabajo entretenido y lleno de matices que no hace más que consolidar a esta más que digna banda.

(3) GREEN ZONE, de Paul Greengrass [2010]

2010-12-15T00:02:00.007+01:00

Ejercicio de autocrítica

Valiente –por su mirada hacia adentro al tratarse de un film americano- e interesante cinta en la que a través de las crecientes sospechas de su protagonista (un inmenso Matt Dammon), podemos observar las mentiras que impulsaron una ocupación junto a todos sus turbios intereses creados.
Los motivos de una guerra con el falso argumento de las Armas de Destrucción Masiva, lleva consigo un paisaje de muerte y destrucción para vergüenza (¿?) de la terna de las Azores y el funesto resultado de las 191 víctimas de la masacre de Madrid.
¿Cuánta gente inocente tuvo que pagar las consecuencias?

GREEN ZONE. 2010. USA-Bri-Fra. Color
Dirección: Paul Greengrass
Intérpretes: Matt Damon, Greg Kinnear, Amy Ryan, Brendan Gleeson, Jason Isaacs, Khalid Abdalla
Guión: Reginal Harkemer
Fotografía: Brian Helgeland
Música: John Powell

(2) LESLIE, MY NAME IS EVIL, de Reginald Harkema [2010]

2010-12-05T23:56:00.005+01:00

Inocencia sangrienta

Al hilo de lo comentado en el anterior post, esta película que vamos a comentar contiene suficientes mimbres como para hilvanar una perfecta historia.
Realmente el tema es muy interesante y, de hecho, se pueden constatar con la propuesta del director con diversos episodios entremezclados que invitan a la reflexión: Vietnam, el fanatismo religioso, el conservadurismo, la revolución hippy, las dudas morales del joven que formaba parte del jurado popular…
Y, a pesar, de algunas lagunas -como el psicópata de diseño que interpreta Ryan Robbins, la falta de profundización en la psicología de la Cheerleader o la realización a modo de telefilm, la cinta logra mantener su atractivo.

LESLIE, MY NAME IS EVIL. 2010. Canada. Color
Dirección: Reginal Harkemer
Intérpretes: Gregory Smith, Kristen Hager, Ryan Robbins, Kristin Adams, Kaniehtiio Horn, Angelica Scannura, Sarah Gadon, Tracy Wright, Don Mckellar, Travis Milne
Guión: Reginal Harkemer
Fotografía: Jonathon Cliff
Música: Paul Kehayas

(3) CHARLES MANSON: UN VIAJE AL MAL [1995]

2010-11-30T22:06:00.005+01:00

Perturbación en cadena

La primera vez que conocí la historia de Charles Manson a través de este documental, me quedé sorprendido por la sobrecogedora radiografía de uno de los criminales más turbadores de la historia. Horroriza percatarse de la existencia de este tipo de mentes patológicas y de su gran poder de manipulación.
También resulta impactante el futuro que este misterioso psicópata les procuró a sus jovencísimas acólitas. Uno se pregunta: ¿Cómo es posible dejar el control de uno mismo a merced de otra persona? ¿Qué es lo que pasaría por sus mentes enajenadas?
Todo esto nos conduce al impresionante contraste final entre los integrantes de la otrora “Familia”: la ratificación de uno y el arrepentimiento -como si hubieran despertado de un mal sueño- de otras.

CHARLES MANSON: UN VIAJE AL MAL. 1995. USA
Dirección: Peter Tarshis

(5) The Doors "The Doors" [1967]

2010-11-14T12:14:00.005+01:00

Primer disco de ésta banda californiana que supone una auténtico ejemplo de dominio, destreza y compenetración. Músicos técnicamente impecables como Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger a la guitarra y la extraordinaria voz de Jim Morrison, junto a sus inquietantes textos, dan forma a éste disco fundamental en la historia del Rock.

En sus surcos podemos encontrar soberbios clásicos como “Break on Trough ( to the other side)”, “Light my fire” y los diez minutos que cierran el disco con la épica de “The End”. Hipnóticas y psicodélicas melodías como la fantástica “Soul Kitchen”, la balada “The Crystal Ship” y la impresionante “End of the night”. Cortes rock combinados su peculiar estilo abanderado por el virtuoso, jugoso y psicodélico teclado de Manzarek como “I looked at you” , “Twentieht Century Fox” o “Take it as it comes”.
Así como también dos versiones: Una adaptación de la melodía del tándem Weill-Bretch , la festiva “Alabama Song (Whiskey Bar) y el magistral cover de blues de Willie Dixon “Back Door Man” con un Manzarek y un Morrison absolutamente portentosos.
En definitiva una auténtica obra maestra que tendrá una especie de continuación en su siguiente disco, el estupendo Strange Days (67).

The Doors:
L.A Woman (71)

CANCIONES OCULTAS: Manager's Blues, de Revólver (Si no hubiera que correr, 1992)

2010-11-01T21:00:00.006+01:00

Si hay una cosa por la que destaca Carlos Goñi es por su habilidad en las seis cuerdas. Fundador, aparte de Revólver, de grupos como Garaje o Comité Cisne, éste cantante y guitarrista ha estado desde el año 82 dejando su sello particular en cada una de sus proyectos.
Aunque en su discografía impera la irregularidad, es justo reconocer sus golpes certeros en algunos de sus temas. Goñi nunca ha escondido su devoción por los clásicos (es evidente sus continuos guiños a Springsteen). En esta ocasión su homenaje al blues es francamente admirable con la canción que cierra el disco de su segundo L.P Si no Hubiera que Correr (92). Me estoy refiriendo a “Manager’s Blues”: Un sensacional blues que no puede dejar indiferente tanto por su magnífica atmósfera creada como por sus demoledores punteos de guitarra.

CANCIONES OCULTAS: Viva Corrales, de Las Ruedas (Viva Corrales, 1988)

2010-10-25T18:03:00.002+02:00

Una de las mejores canciones del rock español y no sé hasta qué punto desconocida. Las Ruedas fueron un grupo de rock madrileño que a mediados de los 80 realizaron su primer EP, para después realizar tres discos más hasta su disolución en 1993. Discos discretos pero dignos, con un toque de independencia y con algunas canciones que sobresalieron y tuvieron cierta resonancia como “Ok Nastassia Kinsky” o “Rosa’s Motel”, pero no de la calidad suprema de ésta magnífica “Viva Corrales”.

CANCIONES DIDÁCTICAS: 2.- "La Depresión": Canción para una Depresión, de J.B. Humet (Hay que vivir, 1981)

2010-10-11T17:50:00.005+02:00

Aunque no haya sido seguidor de su trayectoria y no se encuentre dentro de mis predilecciones, hay que reconocer que Joan Bautista Humet siempre ha sido bastante diestro a la hora de describir realidades sociales.

"Canción para una depresión" detalla inteligentemente las sensaciones y percepciones de este trastorno del estado del ánimo. El cantautor actúa como un perfecto analista, detallando la sintomatología de esta dolencia contemporánea que se refuerza por ese aire melancólico que imprime a su melodía.
Identificable para muchos, didáctica para todos.

Uno no sabe lo que pasa,
qué luna cambió,
que se introdujo en casa
y te atrapó.

Uno se apaga de repente,
sin saber porqué,
enfermo de algo inexistente
que va oprimiéndote.

La tarde pasa tan despacio,
y hay tanto espacio en un rincón,
que uno quisiera correr de un tirón,
huir hasta el portal,
y ya no hay solución.

Es algo más que pesadumbre,
es más soledad,
que arrastra la costumbre
por dónde va.

Ese silencio impertinente
que insiste en hablar,
y no hay amor y no hay ausente
que lo pueda calmar.

Es esa vida sin sentido,
o aquel amor que embarrancó.
O simplemente que has vuelto a saber
del hombre que partió
y no pudiste ser.

Uno se agarra a cualquier cosa,
por no reventar,
y acaba por hallar
la mas airosa.

Buscando amores más cercanos
por la habitación,
abandonándose a sus manos
y a la imaginación.

La soledad da tanto miedo
y hay tantos miedos que aliviar,
pero no cede, de nada sirvió,
se irá como llegó,
se irá sin avisar.

CANCIONES DIDÁCTICAS: 1.- "La Educación": Esos locos bajitos, de J.M. Serrat (En tránsito, 1981)

2010-09-28T21:37:00.009+02:00

De entre las muchas virtudes que le podemos atribuir, Joan Manuel Serrat siempre ha destacado por su ingenio a la hora de escribir textos y poemas (amén de musicar versos de famosos poetas).

La siguiente canción -que pertenece a su disco En Tránsito (81)- es un auténtico tratado de pedagogía. De una manera inteligente el cantautor describe como es la evolución de nuestros pequeños, como nos influyen y como les transmitimos. Todo ello condensado en 4 minutos y acompañado de una perfecta melodía.
Carlos Varela realizó una magnífica versión del tema en el homenaje al cantautor en Serrat… eres único (95).

A menudo los hijos se nos parecen,
así nos dan la primera satisfacción;
esos que se menean con nuestros gestos,
echando mano a cuanto hay a su alrededor.

Esos locos bajitos que se incorporan
con los ojos abiertos de par en par,
sin respeto al horario ni a las costumbres
y a los que, por su bien, hay que domesticar.

Niño,
deja ya de joder con la pelota.
que eso no se dice,
que eso no se hace,
que eso no se toca.

Cargan con nuestros dioses y nuestro idioma,
nuestros rencores y nuestro porvenir.
Por eso nos parece que son de goma
y que les bastan nuestros cuentos
para dormir.

Nos empeñamos en dirigir sus vidas
sin saber el oficio y sin vocación.
Les vamos trasmitiendo nuestras frustraciones
con la leche templada
y en cada canción.

Niño,
deja ya de joder con la pelota.
que eso no se dice,
que eso no se hace,
que eso no se toca.

Nada ni nadie puede impedir que sufran,
que las agujas avancen en el reloj,
que decidan por ellos, que se equivoquen,
que crezcan y que un día
nos digan adiós.

CANCIONES OCULTAS: El Blues del Colgao, de Acero (Acero, 1983)

2010-09-18T15:38:00.002+02:00

He aquí una de esas canciones que ilustra perfectamente los sueños de libertad de una generación. Blues, chupas de cuero y diversión. Acero, grupo alicantino que tuvo cierta repercusión en los 80, lanzó un E.P. homónimo de heavy-rock en la que incluía esta especie de himno (me consta que se cantó bastante en noches de juerga) .
Buen blues de calidad, ingeniosa letra y una inteligente descripción de una realidad social.
Para disfrutar.

RESUMEN MUSICAL 2009

2010-09-05T23:22:00.006+02:00

"The Boss" en plena forma. Mejor Disco 2009 para Rockmatografo.

Éste blog tiene una cita obligada anual con lo que nos ha deparado el panorama musical. Como siempre nos encontramos con una gran variedad de trabajos destacables, otros que no han estado a la altura de lo esperado y alguna que otra decepción.
He aquí un rápido paseo por el año 2009:
Las creaciones de Bruce Springsteen suelen ser apuestas firmes y seguras. El de New Jersei no deja de sorprender últimamente con notables entregas. Su Working on a Dream es para Rockmatografo el mejor disco del año. No es para menos. Su folk-rock nos ha dejado doce estimables melodías más la estupenda y oscarizada “The Wrestler”.
El demoledor From Hell to Texas de los Nashville Pussy ha supuesto un trabajo impactante con una gran frescura repleto de potentes temas. Los Sunday Drivers con su The End of Maiden Trip certifica que los toledanos continúan gozando de buena salud con canciones con sabor beatleliano y su preciosista indie-rock. El “Black Key” Dan Auerbach ha realizado un muy interesante trabajo de raíces blues con la fantástica “Keep it hid” como estandarte.
Ha sorprendido también el estimable debut de Telekinesis. Melodías indie-pop con un tono jovial. Guitarras y coros pegadizos en forma de canciones como “Tokio” o “Coast of carolina” ejemplifica una banda a tener en cuenta.
Después de su fantástica recuperación en el sensacional One day it will please us to remember even this (06), los New York Dolls continúan con su energético rock con grandes temas como “Lonely so long”.
Aunque lejos de la maestría de sus dos últimos trabajos, el disco homónimo de Wilco mantiene su emotivo country-rock en cada uno de sus cortes. El conceptual The Harzards of Love de The Decemberists es una interesante y arriesgada propuesta sinfónica con línea narrativa incluida. Antony and the Jonsons sigue emocionándonos con su sensibilidad abrumadora con The Crying light. Yo La Tengo, aunque por debajo de sus posibilidades, nos ha dejado un par de grandes piezas ampliadas como “Fireside” y “And the gliter is gone”.
Cada vez más veo la cercanía del gran cantautor Conor Oberst al Bob Dylan de Blonde on blonde (66). Puede parece una exageración pero la instrumentalización mostrada en su Outer South, es claramente esperanzador para sus próximos trabajos.
Los neyorkinos Pains of Being Pure at Heart han mostrado su frescura pop con un debut prometedor.
Aunque algo irregular el Journal for a Plague Lovers de Maniac Street Preachers contiene dos piezas maestras como la que inicia el trabajo “Peeled Aples” o la que lo finaliza la magnífica balada “William last words”. Ha estado por debajo del anterior Avería y Redención nº 7 (07) el cantautor Quique Gonzalez. Daiquirie Blues mantiene un tono aceptable con canciones y letras bien trabajadas pero con cierta sensación de monotonía al escucharlo.
Aunque discretos también hay que destacar el folk-indie de Elvis Perkins, el rock-blues de Joe Bonamassa, el eclecticismo de Devendra Banhart, la eleganciade Necko Case, la mixtura jazz-folk-rock de la incombustible Rickie Lee Jones, el rock duro de Wolfmother, el tranquilo folk de King of Convenience y el intento –a veces acertado, a veces fallido, de los U2 por acercarse a sus raíces.
Tanto Green Day como Fito & Fitipaldis han realizado una especie de continuación de sus últimos trabajos pero sin los resultados esperados. Es cierto que hay algunos temas rescatables pero sin producirnos el entusiasmo de antaño.
Por último The XX emanan en su debut una delicada atmósfera pop repleto de ritmos relajantes. Pero analizado globalmente, encontramos un ambiente demasiado repetitivo y cansino para el oyente.
Éste ha sido todo lo que he podido escuchar durante este año. Dada la imposibilidad de abarcarlo todo me hubiera gustado atender otros trabajos como por ejemple lo último de los Flaming Lips o John Frusciante. En fin, espero poder hacerlo en otra ocasión.
¡Hasta el próximo resumen!

MEJORES DISCOS 2009

2010-08-25T21:18:00.003+02:00

1.- Bruce Springsteen "Working on a Dream"

2.- Nashville Pussy "From Hell to Texas"

3.- The Sunday Drivers "The End of Maiden Trip"

4.- Dan Auerbach "Keep it Hid"

5.- Telekinesis "Telekinesis!"

MEJORES FILMS 2009

2010-08-09T12:31:00.002+02:00

1.- El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella

2.- Sicko, de Michael Moore

3.- Retorno a Hansala, de Chus Gutiérrez

4.- Vals con Bashir, de Ari Folman

5.- Agora, de Alejandro Amenabar

(3) NI CONTIGO NI SIN TI, de Gerardo Herrero [1992]

2010-07-24T18:45:00.005+02:00

Relaciones Humanas

Este cortometraje es un perfecto retrato sobre las interrelaciones humanas. Situada en el microcosmos de un vecindario, ésta pareja de ancianos muestra todas nuestras inseguridades y contradicciones. Un relato social que se ajusta perfectamente a la psicología humana con una interpretación magistral de Paco Rabal y María Luisa Ponte.

NI CONTIGO NI SIN TI. 1992. Esp.
Dirección: Gerardo Herrero
Intérpretes: Paco Rabal, María Luisa Ponte
Guión: Gerardo Herrero, según el cuento de Julio Ramón Ribeyro "Tristes querellas en la vieja quinta"
Fotografía: José Luis Lopez Linares

(4) CAMPEONES, de Antonio Conesa [1997]

2010-07-17T17:43:00.002+02:00

El deporte como unión

Me gustaría recalcar que este post está totalmente alejado de cuanto hemos vivido este último mes. El hecho es que el deterioro de una sociedad se ha visto maquillada por aquello que en tiempo del General Franco se le llamaba –evocando a la citación de Marx- “el opio del pueblo”.
La historia se repite: El ciudadano de a pie es el que está pagando las consecuencias de una crisis económica causada por la avaricia capitalista.
El mundial de fútbol era una buena excusa para enmudecer el rumor de un pueblo harto de tantos recortes económicos, laborales y sociales. De esta manera la cosa ha salido redonda. Ha ganado la selección y la gente se ha quedado totalmente narcotizada mientras rinden homenaje a 23 personas que se embolsarán la no despreciable cantidad de 600.000 euros cada uno.
Además acecha una peligrosa exaltación de la paranoia ultranacionalista que se asoma ya sea con descaro; programas televisivos rancios y caducos donde se intenta imponer (la historia se repite otra vez) “la indisoluble unidad de España” (cuyos representantes con ufanía, sacan pecho cuando muestran imágenes desde Barcelona donde aparecen banderas españolas), o con la sutileza de las declaraciones de ciertos personajes mediáticos, tanto políticos como de la opinión publica.
Siento haberme extendido en el preámbulo de este comentario, pero no he podido evitar precisar el título del corto y sus consecuencias clorofórmicas en la sociedad.
Campeones es una historia de sentimientos. El corto utiliza como hilo conductor la última jornada de la temporada 70-71 en la que se jugaban el título liguero tres equipos: el Barça, el Atlético de Madrid y el Valencia. Los protagonistas, padre e hijo, los dos seguidores del Ath. Madrid, viven aparentemente un día ilusionante debido al alto de porcentaje de posibilidades que tenía su equipo de alcanzar el campeonato. No obstante, dentro de esa nube de jovialidad se ocultan emociones y conflictos familiares que Conesa los muestra de una manera muy hábil.
El cortometraje es un homenaje a la pasión por un deporte en cuyo entorno -y en calidad de fieles aficionados a unos colores- podemos hallar conceptos tan universales como el amor y la amistad.
Y es que todo no está en ganar o perder, en ser más o menos competitivo, en la excelencia o la mediocridad, sino en ser seres humanos libres y emocionalmente inteligentes.
De visión imprescindible y con un final muy emotivo. ¡No os lo perdáis!

CAMPEONES. 1997. Esp. B/N
Dirección: Antonio Conesa
Intérpretes: Manuel Morón, Consuelo Trujillo, Paco Catalá, Javier Pereira, Lorena Rosado, Yohana Cobo
Guión: Pablo Olivares, Antonio Conesa
Fotografía: Teo Delgado
Música: Angel Illarramendi

(2) NASHVILLE PUSSY "From Hell to Texas" [2009]

2010-07-05T22:46:00.003+02:00

Contundente sexto disco de esta banda norteamericana deudora del rock and roll y del hard-rock con cortes auténticamente cañeros. De esta manera los bombazos guitarreros van desfilando por el álbum como la estupenda “I’m so high”, la potente “Speed Machine” (con sonido clásico de western que incluye galopadas de caballos) o la enérgica “Drink driving man” –todas ellas con trazos que recuerdan a grupos como AC/DC o al heavy metal de grupos como Motörhead si tenemos en cuenta la desgarrada voz de Blaine Cartwright -.
La sureña y rocanrollera “Lazy Jesus” o la más pegadiza “Why, why , why”- junto con otros temas que mantienen el brioso espíritu del disco- no hacen más que evidenciar que, por su potencia y peculiaridad, estamos ante uno de los trabajos más interesantes de este pasado año.

(2) EL RETRATO DE DORIAN GRAY, de Oliver Parker [2010]

2010-06-24T21:54:00.005+02:00

El Retrato de Oliver Parker

Muchas veces desde la crítica artística -tanto formal como informal-, siempre ha existido una especial controversia entre la dicotomía libro-película. Gran cantidad de espectadores se sienten decepcionados si la historia reflejada en la pantalla no se adecúa fielmente a la obra original o, también, si los personajes y situaciones divergen con la “película” que se habían formado en su cerebro.
No estoy de acuerdo con esa corriente de opinión. Creo que cuando nos enfrentamos ante un film cuyo argumento es una adaptación de una novela, deberíamos discernir claramente entre el lenguaje escrito y el fílmico. Tendríamos que valorar la calidad del trabajo, dejando constante ese tipo de variables externas que no hacen más que intoxicar nuestra objetividad.
Esta visión del Retrato de Dorian Gray que nos muestra Oliver Parker es un claro ejemplo de lo comentado ya que se aleja bastante del relato de Oscar Wilde -especialmente en la descripción de la época representada y en la psicología de los personajes-. No obstante y aunque el espíritu de la narración se mantiene a ratos, el director se decanta por un enfoque estético en el que se enfatiza los elementos eróticos (con unas escenas muy bien conseguidas) y que da como resultado un film entretenido en el que me gustaría destacar la magnífica interpretación de Colin Firth en el papel Lord Henry Wotton.

(2) Dan Auerbach "Keep It Hid" [2009]

2010-06-15T00:01:00.005+02:00

El primer disco en solitario del componente de Black Keys, Dan Auerbach, es un estimable compendio de raíces blues con pinceladas folk como la acústica “Trouble weight a ton”, las electrizantes “I want so more” –cover de Wayne Carson Thompson- y “Heartbroken in disrepair” o la emotiva balada “Whispered Word (Pretty lies)”
El soul también aparece en la sensibilidad de “Real desire” , “When the nigths comes” nos evoca a la grandeza musicalidad de Van Morrison. Nos introducimos después por los caminos del blues-rock con la peculiar “Mean monsoon”, la desgarradora “The Prowl” o la majestuosa guitarra –con una impecable percusión- de la homónima “Keep it hid”. El buen tono se mantiene en temas como la rockera “My last mistake” y en la tranquilidad de “When I left room”. En el penúltimo tema, "Street Walkin'", Auerbach pone de manifiesto su habilidad en las seis cuerdas con unos solos muy cercanos a Hendrix.
Por finalizar, la fabulosa “Goin’ Home” –perteneciente a la banda sonora del interesante film de Ivan Reitman Up in the air-, es un excelente canto melódico con una entrañable atmósfera de nostalgia.

PASO ATRÁS

2010-06-01T22:11:00.004+02:00

A veces un buen trabajo supone un obstáculo para el futuro. Más todavía si, consecutivamente, se han realizado un buen puñado de estimables discos y sus fieles seguidores se han acostumbrado a recibir este tipo de entregas. Es el caso de los siguientes álbumes que vamos a comentar, algunos de los cuales dignos, pero que no llegan, ni mucho menos, a la calidad de sus antecesores.
Bastante repetitivo resulta el último largo de Fito & Fitipaldis, que, aunque contiene canciones meritorias, da la sensación de ya haberlas escuchado anteriormente -especialmente en los notables Lo más lejos a tu lado (03) y Por la boca vive el pez (06).
Algo de frescura ha perdido Devendra Banhart respecto al ecléctico Smokey rolls down thunder canyon (07). No obstante, hay que apreciar su buen arranque con sus primeras cuatro canciones (magnífica “Angelica”) todas ellas, llevan consigo su suyo sello característico; ese misterioso y fascinante indie-hippie-psicodelico (a escuchar el psico-hard “Hot rats”).
No acaba de cuajar Popular Songs, el último larga duración de los incombustibles Yo La Tengo , más si lo comparamos con su precedente I am not afraid of You and I will beat your ass (06). Eso sí, los de Nueva Jersey no dejan de facturar grandes temas ensanchados como los once minutos de “Fireside” o los quince de “And the gliter is gone”.
Tras los soberbios A ghost borne (04) y Sky blue sky (07) los norteamericanos Wilco habían dejado el listón muy alto. Sin embargo éste Wilco (The Album) es un apreciable disco que mantiene su magnífico country-rock y su sensibilidad aplastante. “You and I” y la eternamente admirable "Everlasting everything" son una buena prueba.

(1) Fito & Fitipaldis "Antes de que Cuente Diez" [2009] Valoración: 1,35
(2) Devendra Banhart "What Will Be" [2009] Valoración: 1,66
(2) Yo La Tengo "Popular Songs" [2009] Valoración: 1,81
(2) Wilco "Wilco (The Album)" [2009] Valoración:1,95

CANCIONES OCULTAS: Criatura dolcíssima, de Lluís Llach (Somniem, 1979)

2010-05-18T10:49:00.004+02:00

Somniem es, en mi opinión, uno de los discos más flojos del cantautor ampurdanés. Sin embargo podemos encontrar esta auténtica maravilla en la que Llach musica un precioso poema de amor de Joan Fuster. Su instrumentación -que aún enfatiza más la emotividad original del texto-nos conduce a una suerte de estado hipnótico en el que la ternura es el factor predominante.

Criatura dulcísima, que fuiste
la única ribera, un dejo de idea,
la mano que entre las mías perduraba

No sé si me amabas, yo te amaba
y eso era todo, y era bastante,
y nuestros cuerpos obraban en su gloria.

Éramos huéspedes del beso y la insistencia
y te sabía mi carne maravillada
y argumento negador de la nostalgia.

Tenías diecinueve años y la alegría a punto
y esperanza de mí en tus mejillas,
yo te intentaba nombres y otras caricias.

Llegará la hora de ver dentro de los versos
y alguien dirá de mí: he aquí un hombre
que moría como en un hogar en claros abismos.

¿Pero no encontrarán la paz, tus hombros,
tu olor entera penetrándome?
¿No leerán tu nombre con un hermoso pánico?

(5) Pink Floyd "The Piper at the Gates of Dawn" [1967]

2010-04-25T21:22:00.006+02:00

Sorprendente e innovadora obra cumbre de la psicodelia y del denominado space-rock conducida por la abrumadora personalidad de Syd Barret.
Por sus surcos nos introducimos en un mundo lisérgico, onírico, surreal acompañado de sonidos circundantes e hipnóticas melodías como “Astronomy Dominé”, los diez minutos de la cósmica “Insterestelar Overdrive” repletos de matices sonoros y con un magistral inicio garajero que comprende una constante línea de bajo absolutamente fascinante o la ácidas “The Scarecrow”, “Bike”, “Flaming” y “Chapter 24”.
Mención especial merece la magistral “Take up thy stethoscope and walk”, único tema compuesto por el bajista Roger Waters que es un magnífico juego de teclados, bajo y percusión con salvajes rasgueos de guitarra y alucinantes armonía vocales.
“Lucifer Sam” y “Matilda mother” son intrigantes delicias que conjugan psicodelia y melodía a partes iguales.
“The Gnome” nos transporta una sugerente fantasía onírica infantil a través de la voz de Syd. “Pow R. Toc H.”, tema instrumental compuesto por los cuatro componentes de la banda, es una experimentación jazzística en la que el genial Waters nos deleita con unos asombrosos efectos vocales que continuará realizando en la dilatada carrera del grupo.
Obra maestra.

CANCIONES OCULTAS: No Blues, de La Blues Band de Granada (La vida no es fácil, 1995)

2010-04-11T12:39:00.004+02:00

Esta sensacional canción pertenece a La vida no es fácil, tercer disco de esta formación granadina que, junto a los geniales Caledonia Blues Band abanderan, el blues en Andalucía.
"No Blues" está acompañada por la portentosa voz -con agudos cercanos a Joplin y Plant- de Connie Resch. Un elegante blues entorno al cual podemos hallar la verdadera razón de la composición y su feeling en su interpretación. Música en estado puro. Música original y auténtica alejada de las melodías edulcoradas con las que cada día los mass media nos quieren infectar.
Vale la pena dejarse llevar por su guitarra y por la hipnótica voz de Connie. Un deleite para los oídos y un placer para el alma.

CANCIONES OCULTAS: What game Should we play today, de Chick Corea (Return to forever, 1972)

2010-04-02T00:54:00.005+02:00

Return to Forever es la banda que creó el pianista Chik Corea durante la década de los 70 junto a otros grandes músicos del género. Su disco homónimo es el paradigma del Jazz-Fusion.

“What game Shall we play today” es la única canción cantada (no instrumental) del álbum. Una mágica estructura de ritmos brasileños acompañada por la fantástica voz de la percusionista Flora Purim. Para disfrutar.

CADENCIA FOLK

2010-03-22T21:32:00.008+01:00

Los siguientes cuatro discos -producidos en el pasado año- que vamos a comentar, poseen la característica de compartir matices pertenecientes a la música folk que están acompañados de las peculiaridades propias de cada compositor, por ello los resultados son de calidad desigual aunque globalmente estimables.
La cantautora estadounidense Necko Case con su rock-pop de tintes country-folk ha realizado un disco irregular con algunas canciones apreciables y elegantes proveídas de su suavidad vocal en la que podemos destacar “This tornado loves you” y el single “People got a lotta nerve”

Folk con cálidas armonías instrumentales y vocales -al estilo de unos Simon & Garfunkel del siglo XXI- es la propuesta de Kings of Convenience que, con su cuarto disco de estudio Declaration of Dependence, han conseguido un aceptable disco compuesto por temas que invitan a la quietud y a la relajación como “24-25” y “Me in you”, entre otras.
El hijo del actor Anthony Perkins, el cantautor norteamericano Elvis Perkins, práctica una especie de folk-indie que bebe de las fuentes de Dylan o Morrison. Este estimable Elvis Perkins in Dearland tiene claros ejemplos -cabe descatar un cuarteto con una gran riqueza instrumental (contrabajo, saxo, trombón, clarinete, harmonium)- tales como la festiva “Doomsday”, el single “Chains, chains, chains” o la bella “Shampoo”.

The Hazards of Love es un interesante disco conceptual de la banda The Decemberists con trazos Rock y folk-sinfónico en el que el grupo nos traslada al medievo con una línea narrativa entrelazada entre los temas. Su tema más destacado en la homónima “The Hazards of Love”, así como su variante en el que interviene un acertado coro de niños.

(2) The Decemberists "The Hazards of Love" [2009] Valoración: 1,89
(2) Elvis Perkings "Elvis Perkins in Dearland" [2009] Valoración: 1,77
(2) Kings of Convenience "Declaration of Dependence" [2009] Valoración: 1,64
(2) Necko Case "Middle Cyclone" [2009] Valoración:1,57

CANCIONES OCULTAS: You Take my Breath Away, de Queen (A Day at the Races, 1976)

2010-03-14T22:29:00.005+01:00

De entre las muchas virtudes que le podemos atribuir a éste cuarteto británico en su dilatada carrera hay que destacar su faceta clásica cercana al romanticismo. “You take my breath away" es una canción alejada de los clichés de la banda que los mass media nos han repetido hasta la saciedad (me refiero a temas como “We are the champions” o “We will rock you”) y pertenece a su álbum A Day at the Races (76). El piano clásico y la voz de su compositor están al servicio de un bello poema de amor con una magnífica armonía vocal que le confiere una atmósfera melancólica, sensible y emocional.

LA DÉCADA MÁGICA DE "EL BOSS"

2010-03-07T21:30:00.002+01:00

En las postrimerías de esta década de los 2000, es justo reconocer la segunda juventud experimentada por uno de los genios vivientes del rock contemporáneo. Y es que durante la citada década Springsteen nos ha ofrecido, además de sus numerosas giras, cinco estupendos discos que no hacen más que confirmar su gran estado de forma y su intacto talento creativo. Fruto de ello es su gran capacidad para despachar al público álbumes casi con periodicidad anual.
Después de siete años sin realizar un disco de estudio, Bruce sorprendió a todos con The Rising (02), un soberbio L.P. con grandes temas que nos evocan a sus grandes creaciones. Tres años más tarde llegó Devil & Dust (05) un apreciable disco de folk deudor de sus anteriores Nebraska (82) y The Ghost of Tom Joad (95). La magnífica revisitación de la obra de Pete Seeger llegó al año siguiente con su trabajo We Shall Overcome (06). Fue su segundo disco consecutivo sin la E. Street Band, no obstante estuvo acompañado de una excepcional banda con sección de vientos incluida. Folk, gospel, swing y bluegrass se congregan en uno de los mejores discos de la década que fue premio Grammy al mejor disco de Folk Tradicional. Un año más tarde Bruce se reúne de nuevo con su banda de siempre en Magic (07) un aceptable disco de rock con buenos temas aunque menor si lo comparamos con The Rising. Springsteen cierra la década con Working on a Dream (09) un álbum de rock y folk de gran calidad que certifica el buen estado de forma de su creador.
Si a estos cinco discos que hemos mencionado le agregamos su total entrega en sus conciertos realizados en sus constantes giras internacionales, podemos afirmar que estamos delante de un músico infatigable y un auténtico ejemplo a seguir tanto para las actuales generaciones como para las venideras. Esperamos ahora otra década tan mágica como ésta.

(2) The Sunday Drivers "The End of Maiden Trip" [2009]

2010-02-28T21:56:00.003+01:00

Aunque inferior a sus predecesores -Little Heart Attack (04) y Tiny Telephone (07)- los toledanos The Sunday Drivers siguen manteniendo una buena línea en cada entrega. Se trata ahora de The End of Maiden Trip, un estimable trabajo con claras influencias de The Beatles y de los actuales Wilco.
Temas pegadizos -en el buen sentido del término- como el que ejerce de single “My Plan” que destaca por aplicar distintas variaciones: desde el más profundo indie-rock hasta la más refinada melodía, “Smile” o la fantástica “I” que recuerdan a sus primeros singles, melodías de corte Beatle como “Everityhing remind me of you”, baladas rock setenteras como “Hold on to love” (importante la aportación de Lyndon Parish) o “Row”, la experimentación de “So what” acompañada en sus compases finales de una guitarra de aires de rock-latino (la influencia de Santana es evidente) y el homenaje a Lou Reed y a la Velvet Underground en “Specially (Today)” certifican el buen estado de forma en el que se encuentra actualmente la banda.

Valoración: 2,09

(3) Bruce Springsteen "Working on a Dream" [2009]

2010-02-21T22:52:00.010+01:00

El genio no descansa. Continúa en forma y, además, creando buenos discos durante éste último decenio. Ésta vez se trata de Working on a Dream, un álbum compuesto por bellas melodías que entremezcla sonidos pop, rock y folk. “Outlaw Pete” evocación western, con una estructura similar a sus creaciones setenteras, es un correcto tema con anotaciones pop adheridas al inconfundible sello Springsteen. La vigorosa ”Lucky Day” manifiesta toda la elaboración instrumental de la E.Street Band. Dos baladas como la homónima “Working on a dream” y “Queen of the supermarket” simbolizan la ternura melancólica del álbum con unos apreciables arreglos que confieren una delicadeza muy relajante para su escucha. Incuestionable es la calidad de “What love can do” con una consistente cadencia de cuerdas. Mención aparte merece “This Life” que es un sorprendente ejercicio vocal -magníficos acordes- del Boss acompañado de una hermosa sinfonía con nostálgicos aires de esperanza. En estos momentos aparece una especie de interludio y somos transportados a la época del blues con la gran “Good Eye” en la que sobrevuela el espíritu armónico y vocal de Little Walter y Howlin’ Wolff, respectivamente. “Tomorrow never knows” es un canto optimista de corte country bastante apacible. Inmediatamente nos encontramos con los tranquilos y pausados “Life itself” y “Kingdom of days” los cuales cuentan con una atmósfera muy emotiva. Aunque no desdeñable, un tanto empalagosa resulta “Surprise, surprise”, en mi opinión la canción más floja del disco. El homenaje a Danny Federici “The Last carnaval” es un bella balada con unos preciosos coros. Y como Bonus track, la estupenda “The Wrestler” -ganadora del Globo de Oro a la mejor canción por la película homónima- en la que nos topamos con un Springsteen en estado puro, mostrándonos su vertiente más folk y que supone un magnífico colofón a un digno trabajo.

Valoración: 2,69

(4) SICKO, de Michael Moore [2009]

2010-02-14T00:38:00.006+01:00

Terrorismo de Estado

Imagínense a los Estados Unidos de América como una gran manzana, con una magnífica y apetecible apariencia exterior. No detengan su pensamiento y continúen con la ilusión. Aparece ahora un hombre rechoncho, de mediana edad que lleva gorra y gafas quien, con una navaja, empieza a pelar la manzana sosegadamente. Una vez cercenada en finas láminas empezamos a observar como su interior dista enormemente de su aspecto original ya que ésta fruta pomácea está totalmente podrida.
Esto es lo que ha hecho Michael Moore con su magnífico documental Sicko. Una demoledora crítica al sistema sanitario estadounidense: La sanidad en poder del sector privado con el único objetivo de obtener beneficios a costa de la salud de la sociedad americana. A través de sus sobrecogedoras imágenes podemos reparar en familias destrozadas -a causa de la muerte de algún familiar (hijos, maridos)- porque su aseguradora no les permitió la operación, enfermos abandonados debido a la falta de solvencia para pagar su estancia en el hospital o a personas obligadas a decidir, después de un accidente laboral, cual de los dos dedos restituir dependiendo del monto de la operación (permítanme la redundancia)
Sicko es, además, un documental de contrastes: 1.- La diferencia que muestra el director entre diversos lugares: Cruzar la frontera canadiense es, para un ciudadano americano, introducirse en un nuevo mundo dónde la sanidad es solidaria, pues es pública y se aplica a todo el mundo. Moore pasea su cámara por otros países dónde la sanidad está socializada (incluso en el demonizado país cubano). 2.- El ignominioso trato recibido por parte de la administración americana hacia los bomberos, policías y rescatistas del 11 de septiembre. “Respondieron con verdadero heroísmo”, “¡Les debemos todo!” -dijeron al principio-. Luego la cosa se complicó. Muchas sufrieron efectos secundarios (problemas de respiración, fibrosis pulmonar, insomnio, deficiencias psicológicas…) por su ayuda incondicional a sus conciudadanos. Cientos de rescatistas no eran empleados estatales pero fueron a la Zona Cero para echar una mano. Fue entonces cuando el gobierno dijo “¡No son nuestra responsabilidad! Porque no están en nuestra plantilla”. Fueron tratados como basura sin un subsidio para su enfermedad. Moore los llevo a Cuba y ahí recibieron una atención gratuita y de calidad.
Dice su director: ¿Por qué un país libre no puede tener seguro médico? A fin de cuentas todos estamos en el mismo barco y que, más allá de nuestras diferencias, nos hundimos o nadamos juntos. Así parece ser en todos los demás lugares. Se cuidan entre sí más allá de sus discrepancias. Cuando vemos una buena idea de otro país, la adoptamos. Si hacen un coche mejor lo conducimos. Si hacen un vino mejor, lo bebemos. Así que si tienen una forma mejor de atender a los enfermos, de enseñarles a sus hijos, de cuidar a sus bebés, de simplemente ser buenos con el prójimo, ¿cuál es nuestro problema? ¿Por qué nosotros no podemos hacerlo? Viven en un mundo del "nosotros" en lugar de "yo". Nunca arreglaremos nada hasta que no entendamos bien eso. Las fuerzas poderosas esperan que nunca lo hagamos para que sigamos siendo el único país del mundo occidental sin atención médica gratis y universal.
¿Es EE.UU. un país totalmente desarrollado?
Debe verse.

SICKO. 2007. USA. Color
Dirección: Michael Moore
Intérpretes: Personajes de documental
Fotografía: Andrew Black
Música: Erin O'Hara

(3) LA VENTANA, de Carlos Sorín [2009]

2010-01-30T00:28:00.004+01:00

Las últimas horas

Uno de los mayores logros de éste film es la gran cantidad de sensaciones que transmite como consecuencia de su sencillez narrativa. La naturalidad de sus planteamientos se traduce en un lenguaje fílmico minimalista que cuida al máximo todos los detalles. Sorín, deudor del cine de autor europeo, nos conduce a una aproximación de la muerte e intenta buscar respuestas a cuestiones como: ¿Qué es lo que nos puede pasar por la cabeza en nuestros últimos instantes? Preguntas que suponen una interesante reflexión y que están descritas muchas veces mediante metáforas: el piano en desuso, el tictac del reloj de pared, el vals de Chopin, los continuos silencios y la recurrente ventana como única vía de escape para aferrarse a la naturaleza de la vida.
La ventana agrupa todos los ingredientes que componen nuestro ciclo vital. De esta manera, la soledad es tratada con especial cuidado, como una mezcla de carencia y melancolía que atrapa a nuestro protagonista.
Un bello y poético film que vale la pena conocer.

LA VENTANA. 2008. Argentina-Esp. Color
Dirección: Carlos Sorín
Intérpretes: Antonio Larreta, María del Carmen Jimenez, Emilse Roldán, Roberto Rovira, Victoria Herrera, Arturo Goetz
Guión: Carlos Sorín y Pedro Maizal
Fotografía: Julián Apezteguia
Música: Nicolás Sorín

CANCIONES OCULTAS: Twilight, de U2 (Boy, 1980)

2010-01-20T15:39:00.005+01:00

La prolífica producción de temas que desde hace seis lustros nos han ofrecido los irlandeses U2 puede hacer olvidar cortes tan magníficos como éste.
“Twilight” es la segunda canción perteneciente a su disco de debut Boy (80). No es la más conocida de éste exitoso trabajo (desde 1984 no la tocan en los conciertos), pero en mi opinión esta pieza reúne todas las virtudes de la banda: desde la peculiar voz de Bono hasta la desgarradora guitarra de The Edge. En este tema, el inconfundible sello personal del grupo aparece impregnado de trazos psicodélicos y hard, con unos frenéticos punteos de guitarra absolutamente poderosos.

(4) Bob Dylan "Street Legal" [1978]

2010-01-13T14:40:00.005+01:00

Fantástico decimoctavo disco de estudio de éste cantautor estadounidense que, con nueva banda, reúne nueve canciones de una gran calidad. Mandolinas, saxos (tenor y soprano) y fastuosos coros femeninos (muy cercano al gospel) juegan un papel preponderante en este bellísimo trabajo.
“Changing of the guards” es un maravilloso canto acompañado por unos persistentes coros y órganos. El segundo corte, el magnífico blues-rock “New pony” destaca por su línea rítmica de guitarra muy próxima al hard. “No time no think”, “True love tends to forget”, “We better talk this over” y “Where are you tonight” son canciones que representan el espíritu del disco con unos textos y una instrumentación trabajada.
El single “Baby stop crying” es una maravillosa balada armoniosa con una letra inspirada en el “Stop breaking down” del bluesman Robert Johnson. “Is your love in vain?” muestra le vertiente más melancólica de la obra.
Por finalizar, “Señor (Tales of yankee power)” es, en mi opinión, la mejor canción del disco. Una especie de cántico celestial con una lírica en búsqueda de respuestas y ornamentada con una excelente composición en la que se conjugan a la perfección todos los instrumentos utilizados en el álbum. Una auténtica joya.

Valoración: 3,71

RESULTADOS DISCRETOS

2009-12-21T20:58:00.009+01:00

Después del extraordinario I am a bird now (mejor disco para Rockmatografo 2005), Antony Hegarty continúa con sus mágicos registros melancólicos y emocionales cargados, eso sí, de más experimentación progresiva. El resultado está lejos de su anterior trabajo pero contiene temas estimables como la canción que abre el disco “Her eyes are underneath the ground”, un nostálgico tema, tan bello como la voz y el piano que lo acompaña, la jovial “Kiss my name” o la hermosa melodía “Epilepsy is dancing”.
Los veteranos U2 han realizado un disco -algo proclive al experimento músico-cultural- con demasiados altibajos y sin consistencia. No obstante se pueden encontrar buenos momentos en canciones como la homónima “No line on the horizon”, la evocadora “Unknown caller”, la rockera “Stand up comedy” o la introspectiva “White as snow”.

(2) Antony & The Johnsons "The Crying Light" [2009] Valoración:1,82
(2) U2 "No Line On The Horizon" [2009] Valoración: 1,64

(3) CADILLAC RECORDS, de Darnell Martin [2009]

2009-12-13T23:25:00.006+01:00

I Got The Blues

Interesante aproximación a los orígenes de la música contemporánea a través de la historia de Leonard Chess, un emigrante polaco que creó el conocido sello discográfico -abanderado del blues- “Chess Records”. Leonard consiguió su sueño, además de un elenco de artistas de una gran calidad musical (debido a su buen ojo a la hora buscar talentos). Y es que por la casa Chess desfilaron figuras del calibre de Muddy Waters, Little Walter, Howlin’ Wolf, Chuck Berry, Etta James…
Dada la dificultad de profundizar en cada uno de los artistas, la película realiza una somera pincelada acerca de las bases- que tuvieron su arranque en los campos sureños de algodón- de éste tipo de música y su posterior comercialización. Desde un punto de vista sociocultural el director contempla el negocio de la industria discográfica, la rivalidad y la amistad entre músicos, su agitada vida, los problemas con el alcohol y la heroína, la segregación racial…
Y como narrador de la historia actúa el Dios (I am the blues) del blues, Willie Dixon. Creador éste de gran parte de los éxitos de los artista mencionados y figura influyente entre los emblemáticos del rock (Led Zeppelin, Steve Ray Vaughan, Jeff Beck, Eric Clapton…). Gran acierto por parte de la directora utilizar su voz en off como hilo conductor del argumento.
Cabe destacar también anécdotas y curiosidades en torno a plagios musicales (cuando Chuck Berry se da cuenta por la radio de que los Beach Boys les ha copiado las notas de una canción suya) o de la admiración profesada hacía estos músicos por iconos del rock posteriores a ellos (cuando aparecen unos jóvenes Rolling Stones demostrando su total admiración por un Muddy Waters en declive). En relación a esto último, fue en Europa dónde existía una total devoción por éstos músicos, siendo desde allí donde se relanzó la carrera -de manera póstuma o no- de cada uno.
Beyoncé aparece recreando la figura de una autodestructiva Etta James realizando una tan sorprendente como magnífica interpretación. Su portentosa voz en las grabaciones es combinada con su dominio absoluto de todos los registros dramáticos.
La dirección de actores está muy conseguida en la que destaca Adrien Brody en el papel de Leonard Chess.
Una didáctica historia del blues para que todo el mundo, sobre todo la juventud actual, sea consciente de dónde vienen todos esos maravillosos ritmos y sentimientos que encontramos en cada acorde y nota de las canciones actuales en la música popular. Y es que como dijo Willie Dixon: “Creamos el tipo de música que puede convertirse en lo que sea: Rhythm and Blues, Rock and Roll, Hip Hop. Para lo que sea que toques, chaval, estaremos allí contigo.”

CADILLAC RECORDS. 2009. USA. Color
Dirección: Darnell Martin
Intérpretes: Adrien Brody, Jeffrey Wright, Beyoncé Knowles, Columbus Short, Cedric The Entertainer, Emmanuelle Chriqui, Eamonn Walker, Mos Def, Gabrielle Union
Guión: Darnell Martin
Fotografía: Anastas Michos
Música: Terence Blanchard

CANCIONES OCULTAS: Terry's song, de Bruce Springsteen (Magic, 2007)

2009-12-05T01:04:00.003+01:00

Terry’s Song es la canción oculta por antonomasia. Springsteen decidió incluirla en el álbum de una manera subrepticia (por ello no aparece en sus títulos de crédito).
Éste fue su homenaje a su gran amigo Terry Magovern (Bruce ya la interpretó en su funeral).
El tema es una bellísima elegía folk con una letra que evoca todo lo que el autor siente por la figura de una persona que le ha acompañado durante una gran parte de su vida, y que, al mismo tiempo, representa un hermoso canto nostálgico a la profundidad del amor y a la amistad. Una auténtica obra maestra.

PARACUELLOS, de Carlos Giménez [1976-2003]

2009-11-26T17:54:00.002+01:00

Todo Paracuellos engloba los seis volúmenes que el autor Carlos Giménez realizó entre 1977 y 2003. Estamos ante una estupenda visión de una parte de la posguerra española encuadrada en los hogares de la Obra Nacional de Auxilio Social. Esta serie de historietas tiene como hilo conductor a los huérfanos que dejó la guerra civil y supone un ajuste de cuentas a la paranoia falangista -con el malvado instructor Antonio como máximo exponente- y a la represión que ejerció el franquismo sobre la sociedad española.
La inculcación del espíritu nacional era su objetivo. Y sus víctimas, como siempre, los más débiles: los niños. Un blanco perfecto para su diabólico plan: Instrumentalizar la inocencia de unos seres vulnerables y fácilmente manipulables para insuflar su veneno dogmático (que tanto daño ha hecho a tantas generaciones del estado español y del que, desgraciadamente todavía quedan resquicios). Estas criaturas significaban una fácil presa para ese hatajo de cobardes que eran todos los dirigentes, componentes y adláteres del régimen franquista.
El sufrimiento, la soledad, el hambre de los niños están plasmadas de una manera sobrecogedora. Pero, por el contrario, también se asoman sus sueños (dibujar cómics), sus juegos, sus códigos y su sentido del humor (genial el episodio de “A Dios rogando…” dónde se pone de manifiesto la hipocresía y la doble moral de la calaña fascista). Pero si he de elegir alguna viñeta me quedo cuando Cagapoco impregna de mierda a la esperpéntica enfermera, sobre todo si uno se imagina a ese grotesco personaje como símbolo de la España franquista
Según palabras del propio Carlos Giménez: “Me gustaría que estos relatos que se cuentan en los seis álbumes de la serie Paracuellos fueran considerados no solamente como la historia de unos colegios raros y perversos, sino además, también, como una pequeña parte de la historia de la posguerra española. Quizá una parte no muy importante en términos generales, pero en términos particulares, para los que nos tocó vivirla y para nuestros familiares, suficientemente importante como para querer dejar constancia de ella”.
Un cómic de lectura imprescindible para entender nuestro pasado. ¿Qué como sé todo eso? Porque me lo ha dicho Zampabollos que oyó como se lo contaban a la directora.

(4) THE VISITOR, de Tom McCarthy [2009]

2009-11-17T20:10:00.010+01:00

Mestizaje cultural

Magnífico alegato a favor de la convivencia entre culturas representado a través de la solitaria mirada de un gris profesor de economía de universidad. Su protagonista -un magistral Richard Jenkins- superara sus obstáculos personales gracias al encuentro accidental con una pareja de inmigrantes “ilegales”, provenientes de países tan desconocidos para el ciudadano medio norteamericano como Siria y Senegal.
Su desencanto se torna en una nueva manera de ver y disfrutar la vida -expresado metafóricamente mediante el instrumento tradicional africano yembé-, debido, entre otras cosas, a la bonita amistad que surge con el joven y alegre Tarek, la cual supone una reflexión acerca de la absurdidad de las barreras establecidas por la sociedad entre la diferencia de edad. Entre las muchas lecturas del film cabe destacar la solidaridad del profesor que colisiona frontalmente con la incomprensión del drama de la inmigración en la sociedad estadounidense.
Una deliciosa cinta independiente altamente recomendable.

THE VISITOR. 2009. USA. Color
Dirección: Tom McCarthy
Intérpretes: Richard Jenkins, Hiam Abbass, Haaz Sleiman, Danai Gurira, Maggie Moore
Guión: Tom McCarthy
Fotografía: Oliver Bokelberg
Música: Jan A.P. Kaczmarek

THE SUNDAY DRIVERS. Sala Mirror - València

2009-11-09T21:32:00.003+01:00

Consolidados como una las bandas más importantes del estado español los toledanos The Sunday Drivers presentaron su ultimo trabajo The End of Maiden Trip en la Sala Mirror de València. “(Hola) to see the animals” fue la canción que abrió un repertorio nutrido de buenas canciones, muchas de ellas concentradas en sus estupendos “Little Heart Attacks” y “Tiny Telephone”
La banda ofreció en su hora y media de concierto gran parte de sus melodías elaboradas con un sonido cristalino y una marcada instrumentación. Su último disco es un largo estimable que, por lo que se observó en la sala, ha dejado huella entre sus fans. Así lo agradeció su cantante cuando comentó: “Estoy escuchando cómo estáis cantando nuestras nuevas canciones. Estamos flipados”. Sin embargo la locura colectiva llegó cuando interpretaron sus bombazos: “Do it”, “On my mind”, “Love our love”, “She”, “Paranoid” o su último single “My plans”.
“Cuando empezamos siempre nos preguntaban acerca de los Beatles. Nosotros contestábamos que preferíamos escuchar otras cosas. Bueno, pues ha llegado el momento de quitarnos las máscaras”, sentenció su cantante. Y fue entonces cuando se produjo su particular homenaje a los fab four con la interpretación por parte del dúo formado por Jero Romero y Lyndon Parish de una hermosa versión acústica de “In my life”. Destacó también la experimentación de “So what” con un gran de trabajo de Fausto Pérez a la guitarra y el acercamiento beat de “Everything reminds me of you” dándo buena cuenta al público de la gran versatilidad del grupo.
A la hora de los típicos bis impresionó sobremanera cuando interpretaron “Little heart Attacks” -en mi opinión su mejor canción- y “Rainbows of colours” con una sensacional parte instrumental que supuso el colofón de un gran concierto caracterizado por su suavidad, su emoción y su dinamismo.

CANCIONES OCULTAS: Kama-sutra, de Brincos (Mundo, Demonio y Carne, 1970)

2009-11-02T21:40:00.007+01:00

Insólita obra maestra del rock español protagonizada por unos musicalmente maduros Brincos que trataban a través del progrock experimentar en nuevos sonidos que les introdujera en el mercado anglosajón. La formación era bastante diferente a la de sus inicios. El alma máter Fernando Arbex y el bajista Manolo Gonzalez iban acompañados ahora de los hermanos Morales en las guitarras y del excelente teclista Oscar Lazprilla.
Su rock psicoprogresivo se tradujo en el disco conceptual Mundo, Demonio y Carne el cual tuvo su versión inglesa World, Devil & Body para ese mercado.
Después de bastantes esfuerzos al final pude conseguir ambos discos. En mi opinión, técnicamente, no se les puede tratar como versiones debido a que cada obra contiene canciones que no están en la otra. De tal manera que, por ejemplo, éste "Kama-sutra" no se encuentra en la “versión inglesa”.
Pero la canción en sí es una esplendida incursión en el rock psicodélico trufada de sonidos hindúes y deudora de canciones como “Within you without you” del Harrison más oriental del Sgt. Peppers. Siete minutos conforman ésta pieza instrumental realmente sorprendente tanto por su calidad como por el contexto social en el que se produjo. Una canción oculta que es una auténtica delicia tanto para aquellos que la descubren como para quienes la vuelven a visitar.

CANCIONES OCULTAS: Reaction!, de Los Canarios (Single, 1971)

2009-10-20T21:29:00.003+02:00

A finales de los 60 y principios de los 70 existían grupos en el estado español alejados de toda la mugre represora y “anticultural” que imperaba en el territorio. Uno de ellos eran Los Canarios que destacaban por fagocitar los ritmos provenientes de Inglaterra y de los Estados Unidos para plasmarlos mediante su nutrida instrumentación en temas valientes y arriesgados deudores del soul y la psicodélia reinante en la época. Mucho debe la música actual española a este tipo de grupos pioneros. El actualmente controvertido Teddy Bautista capitaneaba esta insólita banda de la que más adelante comentaremos su discografía. Me gustaría destacar un single que lanzaron en 1971. La canción Reaction! es un contundente soul con tintes de rock duro y unos magníficos coros que le dan un sugestivo sonido motown. Un tema no lo suficientemente valorado dada su calidad. Nadie es profeta en su tierra.

(4) David Bowie "Ziggy Stardust" [1972]

2009-09-30T21:32:00.006+02:00

Romper esquemas, innovar, establecer vanguardia, crear tendencias... Esto (y mucho más) es lo que se podría comentar sobre éste sensacional quinto disco del prolífico David Bowie (cuyo verdadero título original es The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars). Se trata de un álbum conceptual sobre una historia galáctica, rockera y sexualmente dicotómica repleta de canciones extraordinarias y mágicas como “Five Years”, “Soul Love”, “Starman” que reflejan un inquietante compendio de folk, rock y glam-spacial. Entre estos tres temas se encuentra “Moonage Daydream” que es una bella melodía con una magistral guitarra de Mick Ronson. Cabe destacar también el folk-psicodélico de “It Ain’t Easy”, la sensualidad de la balada “Lady Stardust”, el rock clásico de “Star” y “Suffragette City”, el garage de “Hang on to yourself” y el epílogo melancólico folk-soul de “Rock 'n' Roll Suicide”. Mención aparte merece la potencia eléctrica ofrecida en “Ziggy Stardust” con un mítico riff de guitarra acompañado por la fantástica voz de Bowie.
En mi opinión lo más meritorio de éste trabajo -a parte de mantener su vigencia inspiradora- es la adicción que crea en el oyente desde su primera escucha (característica peculiar de la primera etapa del cantante británico).
Adquirí el disco con motivo del 25 aniversario del álbum. A parte de las once canciones, el trabajo recogía otras grabaciones como rematerizaciones, remezclas y demos originales. Me fascinó la maqueta de Lady Stardust, sobre todo por su sonido desnudo; el piano solo que acompaña a la sugerente voz de Bowie le da un cariz más enigmático que cautiva inevitablemente al oyente.

Valoración: 3,78

BLUES, HARD-ROCK Y CANTAUTORES

2009-09-22T20:05:00.005+02:00

Con el objetivo de reseñar todos los discos escuchados el año pasado inserto en este post los tres últimos que quedaban por comentar. Empiezo por la pleitesía que le tributa al blues el genial guitarrista Gary Moore con su estimable Bad for your baby. Desde que dio su giro del hard-rock al blues, allá por el inicio de la década de los 90, el irlandés ha venido creando grandes trabajos (Still got the blues (90) y After Hours (92), especialmente). Bad for you baby -que no alcanza la calidad de los dos mencionados- está compuesto por creaciones propias y por las siguientes cuatro versiones: Muddy Waters (“Walking´ thru de park” y “Someday baby”), J.B Lenoir (“Mojo Boogie”) y Al Kooper ("I Love You More Than You'll Ever Know"). Ésta última es, en mi opinión, lo más flojo del disco. Se trata de un cover poco atractivo que está ensanchado innecesariamente y de una manera muy edulcorada (el guitarrista siempre nos suele ofrecer, desafortunadamente, en cada álbum alguna canción pasada de azúcar y de minutos). Sin embargo el trabajo posee fantásticos cortes de cosecha propia: “Down the line”, “Umbrella man” o el magnífico blues “Did you ever feel lonely” son una buena prueba de ello.
Los australianos AC/DC, aunque no decepcionan, siguen despachando discos con una propuesta (ritmo, riffs, voz) calcada a sus trabajos de siempre, aunque es justo reconocer que estas melodías recurrentes las ejecutan a la perfección.
El cantautor Nacho Vegas nos ha ofrecido este año dos álbums: Lucas 15 y El manifiesto desastre, ambos fieles a su idiosincrasia como cantautor alejado de radiofórmulas. Lucas 15 lo grabó junto a Xel Pereda y es un largo que recoge una muestra del cancionero tradicional asturiano adaptado a su realidad folk-rock con un resultado bastante digno. Por otra parte El manifiesto desastre no acaba de cuajar en su conjunto. A pesar de contener alguna buen tema como “Dry Martini, S.A”, “Detener el tiempo” o la que da el nombre al disco “El manifiesto desastre”, la monotonía impera a lo largo de la mayoría de sus surcos.

(2) Gary Moore "Bad for your Baby" Valoración: 2,08

(2) AC/DC "Black Ice" Valoracion: 1,52
(1) Nacho Vegas "El Manifiesto Desastre" Valoración: 1,33

(3) Cuchillo "Cuchillo" [2008]

2009-09-10T21:37:00.008+02:00

Magnífico debut de este dúo barcelonés con un primer disco homónimo que trae consigo una propuesta valiente y arriesgada. Rock psicodélico, folk, progresivo y krautrock se convienen en un álbum repleto de elementos lisérgicos donde la magia caleidoscópica emana a raudales a través de todos sus cortes.
Escuchando “Come with me”, la canción que abre el disco, se adivina la influencia de Syd Barret -tanto en Pink Floyd, como en sus largos en solitario- en el trabajo de la banda. Evocaciones hipnóticas beatlelianas aparecen en “It will be Ok”, un magnífico tema con la acertada voz de Israel Marco. “Mi estricta libertad” recuerda por momentos a Los Planetas por su ritmo pausado y sus recursos vocales, pero es ante todo una bella canción con una constante guitarra de estilo oriental. “Summertime in Sweden” y “Breathing again” son un claro ejemplo de la habilidad de ambos para combinar a la perfección guitarra y percusión. Como dijo Israel Marco en una entrevista: “La clave está en sacar provecho de la limitación de ser dos. A veces llegas más a la esencia de la canción, juegas más con el vacío, el silencio, y es mucho más directo, más crudo”.
“The house” muestra la vertiente más experimental, así como también la inquietante “Grauen”, una especie de interludio surrealista que da paso a “Cuando te canto”, composición conductora al inicio de un sonido dulce, suave e instrumental para, en sus compases finales, transitar hacia un ejercicio vocal -junto al juego sempiterno entre guitarra y percusión- que recuerda a los pioneros Brincos en la óptica más progresiva de su estimable World, Devil & Body.
Sus tres temas finales “To come back”, “Behind” y “Black and White numbers” están tratados por el dúo desde una perspectiva más melódica. Son tres elegantes y bellas armonías que cierran un trabajo sensacional, considerado por este blog como uno de los mejores del año y que atribuye a sus creadores -Israel Marco (guitarra, voz) y Daniel Domínguez (batería, percusión)- la condición de exploradores musicales.

Valoración: 2,78

RESUMEN MUSICAL 2008

2009-09-03T23:21:00.007+02:00

JayMay ha realitzado, para ROCKMATOGRAFO, el mejor disco del año

Este año pasado nos ha deparado en conjunto una aceptable colección de trabajos con diferentes estilos y propuestas. He aquí un somero repaso a aquellas obras que he tenido la oportunidad de escuchar, siendo consciente de la existencia de otros trabajos que, debido a la imposibilidad de abarcar toda la producción anual, me veré obligado a omitir.
Fantástico el cálido pop-folk de la cantautora neyorquina Jaymay con su Autumn Fallin’ que es un admirable disco con diez bellos cortes cargados de emociones musicales y que ha sido elegido por ROCKMATOGRAFO como mejor disco del año. No le va a la zaga la propuesta psicodélica de los barceloneses Cuchillo, una estupenda opera prima repleta de elementos lisérgicos. También es admirable la regresión de Tom Petty con su grupo Mudcrutch, largo homónimo repleto de country, folk y rock; una auténtica delicia para la actual década. Siguiendo por similares lugares el cantante Eli "Paperboy" Reed ha construido una estupenda revisitación del soul con Roll with you, gracias sobre todo a una voz portentosa, acomodada en unos acordes propios del soul de antaño. Y si continuamos por la senda marcada nos encontramos con el garaje-rock de The Fleshtones y su Take a good look, con un estilo que nos retrotrae inevitablemente a los míticos The Sonics.
Diez canciones directas poseedoras de un ritmo frenético son lo que nos ofrecen los veteranos Rem en Accelerate. Un auténtico acierto. Como también lo ha sido la sempiterna propuesta instrumental de los escoceses Mogwai. Josele Santiago, por su parte, ha conseguido transmitir las buenas sensaciones de su primer disco en solitario.
The Black Crowes siguen realizando buenos discos con su apuesta por el rock clásico. El Bad for your baby de Gary Moore ha sido una muy apreciable revisitación del blues. 22 Songs es el nombre del último disco de Paul Weller. Un trabajo valiente y arriesgado con una paleta cromática francamente admirable.
El segundo álbum de Fiction Plane, Left side of the brain, es un trabajo prometedor. Este trío londinense capitaneado por Joe Sumer (hijo se Sting y con una voz muy parecida a la de su progenitor) ejercitan un rock vigoroso mezclado con bellas melodías (“Two Sisters”).
En cuanto a temática folk-rock cabe destacar a John Mellencamp i Conor Oberst, éste último alejado de su anterior banda Bright Eyes. El rock sombrío de Nick Cave & The Seeds ha dejado huella con su Dig, Lazarus Dig un trabajo que aunque algo irregular no deja indiferente.
Angel of destruccion de Marah es un disco de rock-pop con algunos buenos momentos. A pesar de los altibajos, se pueden catalogar como aceptables los trabajos de Okkerville River, Fleet Floxes y Nada Surf en los tres rock, folk e indie es la temática dominante.
Aunque faltos de consistencia, han sido una grata sorpresa los trabajos del madrileño Remate con su Safe & Sound, una obra con reminiscencias del glam setentero y el debut de Russian Red en I love your glasses en el que se ha podido comprobar su habilidad para la composición. También es apreciable La ley innata, el último disco conceptual de Extremoduro.
Si nos adentramos en una línea más melódica sería importante destacar tres trabajos irregulares pero con algunas buenas canciones: el post-rock de los islandeses Sigur Ros, el rock-folk sosegado de los Lambchop y las melodías con sección de vientos del baladista Ron Sexsmith.
Drive-By Truckers siguen en su linea country y rock sureño con un último disco que aunque estimable ha sido inferior a su anterior A blessing and a curse. Beck, por su parte, se ha recuperado de su anterior tropiezo en The Information y con éste Modern Guilt (con un arranque espectacular en las cuatro primeras canciones) se acerca más al espíritu de Odelay.
Los veteranos AC/DC no aportan nada nuevo con un sonido muy similar a sus anteriores trabajos, sin embargo siempre se puede rescatar alguna que otra canción que destaque de la mayoría como es el caso de “Anything goes”. Primal Scream han realizado un paso atrás con Beatiful future, aunque es justo comentar que el listón que dejaron en su anterior trabajo Riot citiy blues era muy alto. También The Raconteurs han estado por debajo de su anterior obra Broken boy soldiers. Consolers of the lonely contiene alguna canción apreciable pero últimamente -ya lo dije en el resumen del año pasado- Jack Withe no acaba de convencer si nos atenemos al talento que atesora.
Y por finalizar, absolutamente decepcionantes han sido los trabajos de Kings of Leon, Supergrass, Coldplay, Nacho Vegas y The Magnetic Fields. Sobre todo si tenemos en cuenta que Kings of Leon fueron elegidos como creadores del mejor disco 2008 con Because of times en este blog y Coldplay realizaron en sus inicios dos soberbios primeros discos.
Siento no haber podido escuchar el ultimo de Guns N' Roses, así como también a los Queen con su nueva formación con Paul Rodgers al frente. ¿Han sido buenos discos? ¡Hasta el próximo resumen!

MEJORES DISCOS 2008

2009-08-23T21:01:00.004+02:00

1.- JayMay "Autumn fallin' "

2.- Cuchillo "Cuchillo"

3.- Mudcrutch "Mudcrutch"

4.- Eli Paperboy & The True Loves "Roll with you"

5.- REM "Accelerate"

MEJORES DISCOS 2007

2009-08-03T20:41:00.003+02:00

1.- Kings of Leon "Because of the times"

2.- Jet Lag "Forever"

3.- Wilco "Sky blue sky"

4.- The Sunday Drivers "Tiny telephone"

5.- Marc Ford "Weary and wired"

MEJORES DISCOS 2006

2009-07-30T22:07:00.002+02:00

1.- Bruce Springsteen "We shall overcome. The Seeger sessions"

2.- New York Dolls "One day it will please us to remember even this"

3.- Primal Scream "Riot city blues"

4.- The Flaming Lips "At war with the mystics"

5.- The Raconteurs "Broken brown soldier"

MEJORES DISCOS 2005

2009-07-23T19:08:00.008+02:00

1.- Antony and The Johnsons "I'm a bird now"

2.- Paul Mccartney "Chaos and creation in the backyard"

3.- Paul Weller "As is now"

4.- Jet Lag "Jet lag"

5.- Bruce Springsteen "Devil & Dust"

ROCK , FOLK Y SINFONÍA URBANA

2009-07-16T19:12:00.011+02:00

Haciendo referencia a la música creada por compositores pertenecientes al estado español, comentamos cuatro trabajos realizados en 2008. De ellos dos en habla inglesa (Russian Red y Remate) y los dos restantes en lengua castellana (Extremoduro y Josele Santiago)
El debut discográfico de Russian Red se caracteriza por una apreciable suavidad acústica acompañada por una estupenda, potente y vibrante voz. Buena atmósfera melancólica en canciones como “Cigarretes” ,“Gone, play on” o “Take me home”. Resaltar tanbién el acertado cover de Cindy Lauper “Girls just want to have fun”, adaptado perfectamente al terreno de la cantante. Un largo prometedor.
Valiente, arriesgado y digno es La ley innata, el noveno trabajo de estudio de Extremoduro. Se trata de un álbum conceptual fragmentado en seis partes (una introducción, cuatro movimientos y una coda). Melodías y líricas recurrentes actúan como elemento unificador en un trabajo que utiliza la música sinfónica (cuarteto de cuerda, oboe, flauta…) en “Dulce introducción al caos” y “Primer movimiento: El sueño”, su rock urbano más característico en “Tercer movimiento: Lo de dentro” e incluso el flamenco progresivo en “Coda flamenca: (Otra Realidad)”. Cuidados arreglos en la instrumentación y agudas letras son los factores más destacables de éste honesto disco.
Reminiscencias de Lou Reed, folk, pop y rock componen el último disco de Remate. Éste músico madrileño ha creado un trabajo repleto de buenas canciones, melodías hipnóticas y glam setentero. Aunque falto de consistencia es un álbum a tener en cuenta.
El debut de Josele Santiago en Las golondrinas etcétera (04) fue sensacional. El disco con un ambiente más sosegado con respecto a su grupo Los Enemigos tenía, además de unos textos muy inteligentes, unos exquisitos arreglos de piano y guitarra.Canciones como “Ole papa”, “Tragón”, “Rompes mi canción” o la obra maestra “Mi prima y sus pinceles” (¡qué pedazo de canción!) configuraban un L.P. que supuso un éxito de ventas y de crítica (mejor disco nacional para las revistas Rolling Stones y Rock de Luxe). Posteriormente con Garabatos (06) el compositor perdió toda la frescura de su trabajo anterior. Sin embargo, ahora con éste Loco encontrao, aunque sin llegar a las cotas de su debut, ha conseguido asemejarse bastante. Junto a su grupo "Sus Menudencias”, por sus temas pasean ritmos rock, swing y jazz. Canciones portentosas como “Mar de fondo” y la apoteósica instrumentación final de “De repente nada” dan cuenta de unos resultados satisfactorios.

(2) Russian Red "I Love Your Glasses" Valoración:1,66
(2) Extremoduro "La Ley Innata" Valoración: 1,66
(2) Remate "Safe & Sound" Valoración: 1,79
(2) Josele Santiago "Loco Encontrao" Valoración: 2,15

ARRUGAS, de Paco Roca [2008]

2009-07-09T21:35:00.004+02:00

En principio este blog estaba concebido para hacer comentarios sobre música y cine. Sin embargo, me gustaría ampliarlo a diferentes artes como en este caso el cómic.
Empiezo con una obra de Paco Roca llamada “Arrugas”. Este trabajo que ha sido galardonado con el “Premio Nacional de Cómic 2008”, es un magnífico análisis sobre la senectud.
Nuestros mayores, esa gente que amontona sabiduría y experiencia, son mostrados como víctimas de la más profunda soledad sin el valor que les deberían ofrecer sus descendientes. Su vida la realizan alejados de sus allegados en una residencia dividida en dos plantas: La de abajo; en la que están los que se pueden valer por ellos mismos y la de arriba; en la que aparecen los ancianos que necesitan asistencia. No obstante, por encima de todo esto sobrevuela lo peor (¿es posible que exista alguna otra cosa mas dañina?), que es esa enfermedad tan terrible, y sobre todo cruel, como el Mal de Alzheimer, encargado de aniquilar la historia individual de cada uno.
Otros factores como la amistad (de Miguel con Emilio), la picaresca (del mismo Miguel), los anhelos de libertad y emancipación (la magnífica escena de la huida con el coche de los tres ancianos) conforman un relato entretenido y riguroso, pero principalmente, nos ayuda a reflexionar sobre cuál es el papel que jugamos con relación a nuestros mayores: ¿son suficientemente valorados y respetados?, así como también en la toma de conciencia sobre la mencionada enfermedad neurodegenerativa y sus efectos devastadores.
Altamente recomendable.

CORTES MELANCÓLICOS

2009-07-02T22:08:00.009+02:00

La música tranquila y relajante con cierta tendencia a la melancolía -legado de grupos de principios de los setenta- continúa actualmente vigente y convive en perfecta armonía junto a otras vertientes musicales bastante más alejadas. Estos cuatro trabajos -producidos en el 2008- que a continuación vamos a comentar ejemplifican esa sucesión y todos ellos, dentro de sus comprensibles lagunas, tienen aspectos a destacar.
El clasicismo de Ron Sexsmith en Exit strategy of the soul se traduce en bellas melodías con apreciables secciones de viento en “This is how I now”, “One last Round” y “Music to my ears”, así como guiños al maestro Mccartney en “Impossible song”. Un trabajo digno aunque en su conjunto se resiente por su excesiva dulcificación.
Máxima quietud en el último trabajo de Lambchop. Sensualidad soul, mezcolanza de folk sinfonico y retazos jazz conforman un aceptable trabajo repleto de altibajos pero con grandes canciones como “Slipped, dissolved and loosed” y “A hold of you”.
Multitud de armonías vocales, gospel y sentimientos de raíces americanas arropadas por un folk clasicista no exento de elementos psicodélicos nos conducen al primer L.P. homónimo de Fleet Foxes. Esta banda de Seattle ha conseguido crear un buen trabajo que tiene la habilidad de fagocitar las primigenias influencias folk adaptadas a su peculiar manera de entender la música en sus composiciones. Obviando algunos temas reiterativos que, en algunos aspectos, dan una sensación de leve monotonía, canciones como “Red squirrell, sun rises”, White winter hymnal” o “Tiger mountain peasant song” muestran el camino de un futuro prometedor.
Siguiendo por similares pasajes nos encontramos con Okkerville River y su estimable The stands in. Rock-folk impresas en bellas melodías evocadoras del primer indie de los 80 y la emotiva voz de Will Sheff se refleja en grandes temas como “Blue tulip”, “Loast coastlines” y “Starry stairs” con una precisa sección de vientos.

(2) Ron Sexsmith "Exit Strategy of the Soul" Valoración: 1,50

(2) Lambchop "Oh Ohio" Valoración: 1,65

(2) Fleet Foxes "Fleet Foxes" Valoracion: 1,78

(2) Okkerville River "The Stands in" Valoración: 1,82

(1) Kings of Leon "Only by the night" [2008]

2009-06-25T19:03:00.003+02:00

Siempre he pensado que uno de los ejercicios más difíciles en la composición musical es la realización de baladas. Una vez inmersos en tal ocupación pueden ocurrir cosas tan dispares como que la pieza sea una magistral partitura emotiva o que, por el contrario, caiga en las profundidades de la más vergonzante blandenguería.
Kings of Leon han destacado por su precisión en dicho proceso creativo, sin embargo en esta última entrega han demostrado tener la pólvora mojada. Si Because of the times (07) fue una perfecta combinación de baladas y su particular noise-rock con raices sureñas -mejor disco 2007 para rockmatografo-, éste Only by the night es su antagonista: baladas que no llegan ni de lejos a la profundidad de “True love way” o “Arizona” y con piezas rockeras que se quedan totalmente a medio camino si exceptuamos la magnífica “Closer”.
En definitiva, un salto atrás de esta banda de Tenesse que nos deja algo dubitativos ante sus futuros trabajos. Esperemos que se alejen de esta línea tan edulcorada y retomen la contundencia de su fantástico Because of the times.

Valoración: 1,28

CANCIONES OCULTAS: Turn it again, de Red Hot Chili Peppers (Stadium Arcadium, 2006)

2009-06-18T20:39:00.005+02:00

Stadium Arcadium es el noveno trabajo en estudio de esta banda californiana. Un ambicioso proyecto en forma de doble disco con 28 canciones que son un combinado de su genuino estilo funk-rock -éste en menor medida- y de su vertiente rock con trazos psico-hard que siempre han mostrado, más o menos abiertamente, en sus entregas. Un estimable disco que no agrada a los más puristas del grupo por su distanciamiento con respecto a sus primeros trabajos. Dicho esto me viene a la memoria una frase de un seguidor suyo que afirmaba que desde Californication (99) los Red Hot Chili Peppers són “mas que una gran banda, una banda grande”.
Polémicas aparte me gustaría rescatar “Turn it again”. Un tema que conjuga sus mejores virtudes, en la que destaca su excepcional guitarrista John Frusciante -un músico, heredero de los grandes guitarristas del rock (Hendrix Page, etc.) que le da un toque especial a la banda con sus majestuosos riffs- y su apoteósico solo de guitarra hacia el final de la canción.

CANCIONES OCULTAS: Sweet brother Malcom, de Richard Ashcroft (Keys to the world, 2006)

2009-06-10T22:20:00.004+02:00

Tercer disco en solitario del cantante de The Verve con un trabajo, en mi opinión, no lo suficientemente valorado. Se trata de una honesta colección de canciones acompañadas de una inquietante atmósfera melancólica pero también combinadas con otras piezas de corte Britpop (“Why not nothing”) o soul-funk (“Music is power”).
Me gustaría rescatar su sexto corte: “Sweet brother Malcom”, una canción que reúne -tanto en su música (excelentes cuerdas) como en su letra (oda poética a la ausencia terrenal)- una finura sentimental, reforzada y ornamentada por la tonalidad vocal de su intérprete con un resultado muy emotivo.

(3) Los Piratas "Manual para los fieles" [1997]

2009-06-03T23:57:00.008+02:00

Inmenso cuarto disco de esta banda gallega con el que alcanzan, tanto por su profundidad lírica como por su capacidad sonora, la plena madurez. Manual para los fieles está cerca de diferentes estilos pero mantiene simultáneamente su sello distintivo que mejora gracias a un Iván Ferreiro con una voz desgarradora, portentosa y, al mismo tiempo dúctil, pues se acomoda perfectamente a la atmósfera que desprende cada tema.
Su introducción es un corte tradicional que da paso a la magnífica “Fecha Caducada” con guitarras constantes y melódicas entrelazadas con un su rock potente -presente en la mayoría de la obra- otorgándole una tonalidad absolutamente atrayente. “Mi coco” es una bella balada con tintes melancólicos respaldados por la letra y la voz de su líder. En este momento del disco es cuando somos engullidos por la fuerza de “La canción de la tierra”, magistral manifiesto ecologista sazonado con una gran huella sonora rockera, amén de la excelente colaboración de Kepa Junquera que aporta un sonido espectacular con su Trikitixa (acordeón diatónico de botones vasco). Una auténtica delicia.
Continuando con el paseo por el disco nos encontramos con las fantásticas “M”, genial pieza y melodía con una relajante voz -que actúa como conciencia- de Cristina Perales y “Te echaré de menos” que es una gran tonada con la voz acompañante de Sole Jimenez.
“Mi matadero clandestino (big stations)” posee un gran ritmo de bajo, sugestivos rasgos líricos y armónicos, así como la colaboración en segunda voz de Miqui Puig. “Canción para pris”, “Tr” y “”Tan fàcil” siguen con la misma línea y, aunque dignos, son los temas más flojos del álbum. Destacar la acertada elección, en el ecuador del disco, del interludio de temática tradicional que alerta al oyente de los nuevos caminos que quedan por descubrir.
Ahora nos adentramos en el abismo con “Comarcal al infierno”, su "Simpathy for the devil" particular, que representa una estupenda aproximación del grupo al Hard-Rock.
En los últimos compases encontramos la aceptable “Mr. Wah Wah" y el efecto purificador que representa “El viaje sideral del pequeño saltamontes en modo D 2ª parte”, que opera como un artilugio de recuperar recuerdos. Una temática psicodélica y surrealista encargada de resumir todas las piezas escuchadas para recomponerlas en forma de canción y que, con la suave voz rap de Antón Reixa, nos deja sumidos en un feliz aturdimiento.
Por finalizar, “Tristura” una notable pieza, con letra de Rosalía de Castro, compuesta por Alfonso Román y Paco Serén que supone un cierre excepcional a un trabajo que por su calidad perdurará en el imaginario colectivo musical en el estado español. Un trabajo que gana en cada escucha. Para disfrutar.

Valoración: 3,17

CANCIONES OCULTAS: Walk On, de Deep Purple (Bananas, 2003)

2009-05-26T18:31:00.007+02:00

Según mi criterio existen canciones que por diversas causas pasan totalmente desapercibidas. ¿Qué hay de aquella canción que siempre nos cautivó pero que pertenecía a ese disco tan flojo? ¿Y de ese estimable tema del último trabajo de aquella vieja banda que ya casi nadie le presta atención? Tal vez, la incomprensible decisión de no lanzar como single nuestra pieza preferida de un álbum fue lo que fomentó su olvido aunque, seguramente, deberán existir otros motivos.
De todas maneras, independientemente de las razones, es evidente que esta situación comentada deriva en que una gran parte del público pueda llegar a desconocer temas que, quizás en otras circunstancias, hubieran sido más valorados.
Y es por eso que, desde esta nueva sección, me gustaría rescatar canciones de su confinamiento, para ejercer con ellas una especie de liberación con el objeto de impulsar su descubrimiento. Acepto propuestas al respecto.
Empiezo por una canción de Deep Purple, extraída de su disco Bananas (03). Decimoséptimo álbum de la banda sin ya sus emblemáticos Jon Lord en los teclados (sustituido por Don Airey) y Ritchie Blackmore a la guitarra (reemplazado por Steve Morse), pero sí con la excelente voz de Ian Gillan, el bajo de Roger Glover y la batería de Ian Paice. Como era de esperar estamos ante una obra menor -aunque digna- en la discografía del grupo, que cuenta con buenas canciones como “House of Pain”. Fieles a su estilo Hard-Rock y con apuntes sinfónicos, el disco pasó sin pena ni gloria para crítica y público. Sin embargo, entre sus cortes podemos hallar una extraordinaria canción llamada “Walk on” que, a mi entender, perfectamente podría entrar dentro de sus discos grandes. Balada con base blues y grandiosa melodía acompañada por la eficaz voz de Gillan
Asistí al concierto de presentación del disco en Murcia en 2003. Esperé con ansía la ejecución de "Walk on" en directo, pero también permaneció oculta para la banda porque, para mi desgracia, no entró en su repertorio.
En fin, deseo recobrar con este post la escucha de esta canción. Confío en que guste.

EL INTIMISTA ANTONIO VEGA (en memoria)

2009-05-18T20:12:00.006+02:00

Sentiría traicionados mis orígenes musicales si no hiciera una reseña al recientemente desaparecido Antonio Vega. Cofundador, junto a su primo Nacho García, de uno de los grupos más emblemáticos del rock en el estado español como fueron los Nacha Pop, siempre sobresalió por su capacidad para escribir interesantes textos sonoros dotados de un penetrante halo melancólico. Luego prosiguió su carrera en solitario con algunas creaciones bastante interesantes como “El sitio de mi recreo” o “Se dejaba llevar”
En mi primeriza juventud un buen amigo -que ya no lo he vuelto a ver desde entonces-, siempre me recomendaba dos piezas cortas de los Nacha Pop. Se llamaban “Sin conversación” (con voz de Nacho) y “Luz de cruce” ambas de su disco Más números, otras letras (83). Aquí os las dejo en recuerdo de mi antiguo compañero, un tal Roger, componente de un grupo que creo que se llamaba Dulces Tiranos (si por casualidad lees esto alguna vez, deja comentario) y, sobre todo, en homenaje al intimista e introspectivo Antonio Vega.

REINVENTAR E INNOVAR

2009-05-09T10:31:00.007+02:00

En mi opinión reinventarse a uno mismo se torna imprescindible para aquellos autores que llevan muchos años en el terreno musical. Estos artistas se arriesgan a quedarse estancados en aquellas composiciones que tanto impactaron en sus primeras entregas si no se exponen a aventurarse en nuevas experimentaciones enlazadas con su método intrínseco. De la misma manera considero fundamental la capacidad de innovación de músicos que se están afianzando con sus nuevas creaciones con el objeto de dejar una impronta distintiva de su calidad.

Todo esto se puede ejemplificar con la escucha de estos cuatro trabajos realizados en el 2008 y que comentamos a continuación.
Sigue en su buena línea el cantautor estadounidense Conor Oberst. Después de apartarse de su banda ha debutado con un disco en solitario guarnecido de su característico neofolk con la estupenda “Cape canaveral” como máximo exponente.
John Mellencamp con Live, Death, Love and Freedom ofrece un estimable trabajo de folk-rock cuasitradicional. Buenas muestras de ello son la melódica y tranquila “Longest Days”, el interesante rock-country “John Cockers” y la soberbia “A ride back home”.
Después del estimable As is now (05), Paul Weller -otrora líder de grupos como The Jam y Style Council- ha ofrecido un trabajo arriesgado y ambicioso con una interesante propuesta repleta de diferentes tintes cromáticos (rock, psicodelia, ambient, freejazz, soul, funk, folk... ) El disco abre con la fantástica “Light Nights” con guitarra acústica y folk de aires psicodélicos. Luego podemos apreciar canciones de corte pop-rock como “All I wanna do (is be with you)” y el single “Have you maid up your mind”, las experimentales e instrumentales “111” y “Night lights”, la surreal e inquietante “God”, el estupendo interludio de cariz sesentero “The Dark Pages Of September Lead To The New Leaves Of Spring” y el maravilloso optimismo que desprende en “Sea spray”. Destacable también las colaboraciones, entre otras, de Noal Gallagher (Oasis) en “Echoes round the sound” y Graham Coxon (Blur) en “Black Rive”.
El post-rock de los escoceses Mogwai en su sexto disco de estudio titulado The Hawk is Howling, es un buen trabajo con progresiones armónicas bien estructuradas que cautivan al oyente. “I’m Jim Morrison, I’m dead” es su carta de presentación en el arranque del disco con un ambiente psicoprogresivo crepuscular muy acertado. Cortes sensitivos de gran calado emocional como “The sun smell too loud”, melodías relajantes con matices hipnóticos como “I love you, I’m going to blow” o reminiscencias floydianas como “Scotland’s shame” no hacen más que certificar la sobriedad de una banda de esencia instrumental, diferente e innovadora.

(2) Conor Oberst "Conor Oberst" Valoración: 1,99
(2) John Mellencamp "Life, Death, Love and Freedom" Valoració: 2,00
(2) Paul Weller "22 Dreams" Valoració: 2,06
(2) Mogwai "The Hawk is Howling" Valoració: 2,15

(3) VALS CON BASHIR, de Ari Folman [2009]

2009-04-23T19:35:00.002+02:00

La máquina de matar fascistas

"This machine kills fascits" ("Esta máquina mata fascistas") era la inscripción que llevaba en su guitarra el cantautor de folk americano Woody Guthrie. Su inofensivo instrumento suplantaba a las agresivas armas que simbolizaban todo lo que él detestaba. Su guitarra era un mecanismo de defensa utilizado para luchar contra la opresión, la guerra y el fascismo.
El arte como medio para comprometerse con el mundo en el que vivimos. Esa fue la utopía de Woody y ésa es la influencia que el bluesmen y otros artistas de su tiempo han dejado hasta nuestros días.
Vals con Bashir, es eso. Aparte de un magnífico film docuanimado es una cinta comprometida. Una manera de recobrar la memoria y de denunciar unos hechos que nunca deberían quedar como impunes. La matanza en Sabra y Chatila a cargo de falangistas cristianos libaneses con la vergonzosa connivencia del estado israelí es desbloqueada de la mente del protagonista (director de la cinta quien por aquel entonces cumplía el servicio militar en el ejército hebreo).
A través de pasajes oníricos y de conversaciones con compañeros y participantes de la época, el realizador emprende un viaje de exploración que le servirá para revelar todo el horror que guardaba latente en su espíritu. Magnífica la narración a modo de documental con unas imágenes animadas muy conseguidas y que, al mismo tiempo, están reforzadas por una acertada elección musical. Un excelente modo de continuar con el legado de Woody Guthrie que supone una especie de terapia para el autor: Cine contra la impunidad. Cine como máquina de matar fascistas.

VALS CON BASHIR. 2009. Isr-Fra-Al. Color
Direcció: Ari Folman
Guió: Ari Folman
Música: Max Richter
Montaje: Nili Feller

(2) Eli "Paperboy" Reed & The True Loves "Roll With You" [2008]

2009-04-13T22:12:00.009+02:00

Eli “Paperboy” Reed se ha encargado de coger el testigo que dejó Amy Winehouse en 2007 con Back to Black. Una más que digna continuación repleta de referencias al soul sesentero con evocaciones de las grandes voces del género (Sam Cooke, Wilson Picket , Otis Redding...).
Dotado de una admirable capacidad vocal -amén de una excelente banda a sus espaldas- su ópera prima Roll With You representa una especie de resurreccion del soul en canciones como la magnifica sección de vientos de “Stake your claim”, “Am I wasting my time” que parece extraída del repertorio de Redding, la ostensible garra que ofrece en “I’m gonna getcha back”, baladas de soul genuino como “(Am I just) Fooling myself” y la estupenda ofrenda a James Brown en esa agitada mezcla de soul, gospel y funk que desprende “(Doin’ the) Boom Boom”.
En resumen, una extraordinaria y poderosa voz de un cantante que junto a la citada Amy, se vislumbra como el auténtico rey del renacido estilo en los años venideros.

Valoración: 2,42

(3) GRAN TORINO, de Clint Eastwood [2009]

2009-03-31T22:38:00.009+02:00

Clint Eastwood en plena forma

Fueron esos desconocidos. Sí, aquella gente que la prejuzgaba cómo bárbara. Una banda de indeseables cuyo único objetivo era usurpar esta tierra que nos pertenece y cambiarnos unas costumbres forjadas a lo largo de la historia.
Lo más esperado es que hubieran sido mi familia o mis allegados. Pero no. Fueron ellos, mis foráneos vecinos, los que consiguieron sacar lo mejor de mí. Ese potencial latente que siempre tuve. Una fuerza interior nunca demostrada que a causa de mis erráticas acciones y mis traumas de juventud quedó anclada en el fondo de mi espíritu.
Por eso os ofrecí la vida. Por eso te di mi bien más preciado.

GRAN TORINO. 2008. USA. Color
Dirección: Clint Eastwood
Intérpretes: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, Brian Haley, Geraldine Hughes, Dreama Walker, Brian Howe, John Carroll Lynch
Guión: Nick Schenk
Fotografía: Tom Stern
Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens

GENEROSIDAD ROCKERA

2009-03-25T22:07:00.005+01:00

Es grato contemplar como el rock clásico se introduce en el imaginario musical de bandas que, independientemente de su veteranía o bisoñez, dan clara muestra de su fuente de influencia en producciones que nos retrotraen al rock de diferentes épocas.
Fiction Plane, la banda de Joe Summer, hijo de Sting, ha realizado un trabajo bastante estimable. Pop melódico, agitación rockera, destellos reagges y ochenteros, así como elementos psicodélicos, rondan por cada corte junto a la sobria voz de Joe (en algunos momentos increíblemente similar a la de su progenitor).
“Death Machine” y “Drink” son dos claros ejemplos del contraste entre el rock desgarrado y la balada armoniosa presentes en el grupo. “Running the country” y “Cross the line” son dos piezas a destacar por su arriesgada instrumentación y por su propuesta psicodélica. Un grupo a seguir.
Los hermanos Rich y Chris Robinson al frente de The Black Crowes realizan un encomiable compendio de Rock, Hard, Folk, Blues y Country en Warpaint. Consolidados en el panorama musical desde que debutaran con Shake your money maker (90), el grupo -aunque con menos fuel que entonces- sigue ilusionando con esa mezcla de rock clásico y sureño. Como prueba, el magnífico blues-rock “God’s got it”.
Cuando escuchas a The Fleshtones te preguntas: ¿Están aquí los Sonics? Porque estos veteranos de Nueva York son deudores y herederos del garage-rock primigenio que despachaban los americanos The Sonics a mediados de los años 60.
Take a good look , repleto de temas cortos que están sustentados por guitarras garajeras y por la voz desgarrada de Peter Zaremba nos lleva a escuchar bombazos tan notables como la intensa “First day (are you coming on to me)”, la surfera “Ruby’s old time” o su guiño a los citados Sonics en “New York City”. En definitiva, un derroche de energía fabricada por estos incombustibles rockeros neyorquinos.

(2) Fiction Plane "Left Side Of The Brain" Valoración: 2,06
(2) The Black Crowes "Warpaint" Valoració: 2,14
(2) The Fleshtones "Take a Good Look" Valoració: 2,18

(4) EL TRUCO DEL MANCO, de Santiago A. Zannou [2008]

2009-03-17T22:12:00.002+01:00

Working on a dream

Contundente, arriesgada y estupenda ópera prima del realizador Santiago A. Zannou quien analiza a la perfección tanto la psicología de unos personajes como las circunstancias de unos ambientes no habituales en el cine convencional. Si a eso le añadimos la honestidad del realizador a la hora de tratar la condición de discapacitado de su protagonista principal el resultado es un film que deja una huella indeleble en la mente del espectador.
La historia de Cuajo y su sueño (el proyecto de montar un estudio de música hip hop), es una bellísima metáfora sobre el afán de superación (“A mí no me digas que no se puede”). El obstáculo de las deficiencias físicas son suplidas con creces por una prodigiosa fuerza moral, todo lo contrario que su compañero Adolfo, hijo de inmigrante alcohólico y con problemas de adicción a las drogas. Ambos con familias desestructuradas luchan por huir de los trapicheos callejeros con la esperanza de encontrar un trabajo digno, para de esta manera auto-realizarse en lo mejor que saben hacer: cantar y mezclar.
La dirección atrae, especialmente, por su realismo y por mostrar la cara más cruda de la vida con todos sus sinsabores. La marginación que, a causa del azar del nacimiento en barrios periféricos marginales, deben sufrir los protagonistas se transforma en una autentica lección de fortaleza y de convicción.
Hay que destacar la interpretación de Juan M. Montilla “El Langui” y de Ovono Candela (magistral la ultima escena donde presenta su habitual posado impertérrito con el rostro ensangrentado).
Por todo eso, podemos afirmar que El truco del manco es un film que destila honestidad, frescura y sinceridad en todos sus aspectos. Valga el título del último disco del Boss para resumir el espíritu de esta obra. De visión imprescindible.

EL TRUCO DEL MANCO. 2008. Esp. Color
Dirección: Santiago A. Zannou
Intérpretes: Juan Manuel Montilla, Ovono Candela, Javier Iglesias, Elio Toffana, Fanny Gatibelza, Juan Navarro, Alicia Orozco, Mala Rodriguez
Guión: Santiago A. Zannou e Iván Morales
Fotografía: Albert Pascual
Música: Woulfrank Zannou

(2) Mudcrutch "Mudcrutch" [2008]

2009-03-09T22:35:00.009+01:00

Mudcrutch fue el primer grupo de Tom Petty antes de formar su banda de siempre, The Heartbreakers. En la actualidad se han vuelto a reunir para hacer esta obra homónima.
Estamos delante de un atractivo disco de raíces donde podemos apreciar todas las influencias country, folk y rock del autor. Piezas tradicionales tan magníficas como “Shady Groove” y “June Apple”, de cosecha propia como la sensacional “The wrong thing to do” con ascendencia del Dylan más eléctrico, la fantástica balada “Crystal River” o la movida “Bootleg Flyer”.
Por finalizar, hay que destacar el estimable cover de Dave Dudley “Six days on the road” que es una auténtica delicia rockera y la versión de The Byrds “Lover of the Bayou”, magistral revisitación representada por una perfecta conjunción de guitarra con el resto de instrumentos dotada de una gran capacidad emotiva.
Valoración: 2,35

(3) CENIZAS DEL CIELO, de J.A.Quirós [2008]

2009-03-03T23:56:00.010+01:00

¿Por qué tienes que joderme la vida?

La letra de una canción (La gent vol viure en pau / La gente quiere vivir en paz) del grupo de folk-fusión catalán Compañía Eléctrica Drama decía algo así: “...la gent vol viure en pau i a quatre desgraciats no els hi dóna la gana / "…la gente quiere vivir en paz y a cuatro miserables no les da la gana…”. Pues bien, esta frase encajaría perfectamente en el pensamiento de Federico, el protagonista del film.
Y es que dejando aparte la contraposición y las contradicciones que muestra el realizador entre el progreso y el respeto a la tierra, lo que es evidente en esta obra es la alteración (y manipulación) que sufre un paisaje originalmente tranquilo y rural.
La causa de Federico -quien durante toda su vida ha luchado por cerrar esa monstruosidad (la central térmica) adherida a su realidad concreta- se enriquece con la aparición de Ferguson, escritor escocés de guías turísticas que irrumpe por casualidad a causa de una avería de su roulotte en el lugar donde se desarrolla la historia. Éste se empapa involuntariamente de una realidad injusta y de los acontecimiento que rodean al grupo con el que se mueve Federico. A raíz de eso nace una complicidad entre ambos que se mezcla con la influencia que tiene con la gente del lugar.
Cenizas del cielo es una película optimista y libertaria con un buen puñado de dosis de humor (la metáfora de le esperanza en el nacimiento de Kyoto -nombre que le pone al ternero en homenaje al Protocolo-, el abrazo al cerezo, el golf…) que se combina con el dramatismo del atentado contra el medio ambiente y contra el modus vivendi de una estructura social acostumbrada al contacto directo con la naturaleza.
Pero el súmmum de la desvergüenza llega cuando acusan al protagonista de delito ecológico, y es que, a propósito de la canción del encabezamiento de este post, la película nos hace meditar sobre las acciones de nuestros mandatarios, así como el porqué a veces la gente humilde tiene que soportar cuestiones ajenas a su voluntad para cebar los bolsillos de los poderosos.
Amor, reivindicación, amistad, poesía y denuncia se coaligan en este magnífico film de J.A Quiros, un director comprometido que ya dio cuentas de su valía en su anterior trabajo Pídele cuentas al rey (que por cierto, la nombran en una secuencia en una especie de autohomenaje).
Resaltar, por finalizar, la inmensa interpretación de Celso Bugallo, un excelente actor (ya lo demostró en La Noche de los girasoles) donde podemos comprobar como la edad avanzada no está en absoluto reñida con el buen trabajo actoral.

CENIZAS DEL CIELO. 2008. Esp. Color
Dirección: José Antonio Quirós
Intérpretes: Celso Bugallo, Clara Segura, Gary Piquer, Fran Sariego, Beatriz Rico, Txema Blasco, Raquel Evia, Eduardo Antuña, Nicolas Fernandez, Carlos Kaniowski
Guión: Dionisio Pérez y José Antonio Quirós
Fotografía: Álvaro Gutiérrez
Música: Ramón Prada

ACIERTOS PARCIALES

2009-02-23T21:53:00.008+01:00

Nos adentramos en el comentario de seis discos realizados en el año que hemos dejado y que -al menos parcialmente- cumplen con las expectativas creadas;

Con una notable mejoría respecto a su anterior The Information (07), Beck nos ofrece en éste Modern Guilt un prometedor arranque con cuatro primeras canciones (“Orphans”, “Gamma Ray”, “Chemtrails” y “Modern Guilt”) que son una acertada combinación de Rock, Garaje y Psicodelia, lástima que algunas del resto de piezas se diluyan en una inoportuna experimentación. Destacar también el tema que cierra el disco, la apreciable balada “Volcano”.
Inferior a su último largo A blessing and a curse (06), los norteamericanos Drive-By Truckers continúan con el rock sureño para plasmarlo en un ambicioso trabajo de 19 canciones. Brighter than creation’s dark es una obra que combina influencias de grupos como Lynyrd Skynyrd con el neocountry tan peculiar de la banda y que resulta -a causa de su alternancia de grandes temas con otros más aburridos- tan estimable como excesivo.
Los islandeses Sigur Ros reflejan su post-rock de reminiscencias sinfónicas en su ultimo redondo Með suð í eyrum við spilum endalaust. Obra que nos envuelve dentro de su universo melódico y que, a pesar de que en algunos pasajes haya una excesiva grandilocuencia, supone un agradable ejercicio de relajación.
Power pop y Rock alternativo es la propuesta de Nada Surf en Lucky; repleto de melodías enérgicas con continuas guitarras aunque con la sensación de demasiada similitud entre ellas. Resaltar la magnífica dulzura a dos voces de su ultima canción “The film did not go round”.
La séptima entrega de Marah es un disco de rock-pop inspirado a ratos y algo inconsistente pero, no obstante, con buenas piezas como “Coughing up blood”, “Santos de madera”, “Angels of destrucción” y “Wilderness” que es un interesante collage final de diez minutos con una trepidante instrumentación (gaitas incluidas).
Por último, el australiano Nick Cave expande su característico rock con tintes sombríos en su ultima entrega. Pinceladas surreales, grandes textos y gemidoras guitarras conforman este Dig, Lazarus Dig que -aunque con algunas lagunas- contiene temas tan formidables como “Lie down here (and be my girl)”, “More news from nowhere” y la excepcional balada “Jesús of the moon”.

(2) Beck "Modern Guilt" Valoración: 1,68

(2) Drive- By Truckers "Brighter Than Creation's Dark" Valoración: 1,70

(2) Sigur Ros "Med Sum I Eyrum Vid Spilum Endalaust" Valoración: 1,71

(2) Nada Surf "Lucky" Valoración: 1,76

(2) Marah "Angels of Destruction" Valoración: 1,83

(2) Nick Cave & The Bad Seeds "Dig, Lazarus Dig" Valoración: 1,89

SIN PEGADA

2009-02-15T22:34:00.007+01:00

Analizamos ahora cuatro discos producidos durante el pasado año por grupos y músicos consolidados en el panorama actual y que, sin embargo, han supuesto un intento fallido por fortalecer su posición en el ambiente musical.
El amasijo de pop, rock y tecno -así como su evocación ochentera- que proponen Magnetic Fields en su Distortion no acaba de convencer, más bien deja al oyente en una sensación general de monotonía.
Los británicos Supergrass tuvieron su momento más álgido con la publicación de su fantástico homónimo Supergrass (99) y con su digna continuación Life on the other planets (02); ambos ofrecían un rock bastante peculiar, deudor del glam y el sinfónico. No obstante, sus siguientes trabajos -tanto su Road to rouen (05), como éste Diamond Hoo Ha- han perdido la frescura y el ingenio de sus antecesores, con unas canciones que se quedan siempre a medio camino
Me gustó el primer disco de la reunión de Jack White proveniente de White Stripes para formar The Raconteurs. Su Broken brown soldier (06) fue una aceptable y arriesgada obra con reminiscencias psicodelicas y beatlelianas. Sin embargo, no puedo decir lo mismo de su último Consolers of the Lonely porque, a excepción de algunos interesantes pasajes, resulta -debido a su aguda instrumentación- demasiado cargante.
Lejos del estupendo y stoniano Riot city blues (06), los escoceses Primal Scream se acercan en éste Beatiful Future demasiado al electro-rock y presentan un trabajo con muchos altibajos aunque con alguna que otra canción apreciable como “Beatiful Summer”.
En definitiva, cuatro trabajos que están desprovistos de la suficiente sustancia para entusiasmar.

(1) The Magnetic Fields "Distortion" Valoración: 1,07
(1) Supergrass "Diamond Hoo Ha" Valoración: 1,21
(1) The Raconteurs "Consolers of the Lonely" Valoración: 1,36
(1) Primal Scream "Beatiful Future" Valoración: 1,37

(3) LA VIDA DE LOS OTROS, de Florian Henckel von Donnersmarck [2007]

2009-02-02T22:31:00.006+01:00

Sonata para un buen hombre

Interesante producción alemana ganadora de un Oscar a la mejor película de habla no inglesa que supone un ajuste de cuentas al sistema gobernante de la extinta Republica Democrática Alemana (RDA).
Desde un punto de vista cinematográfico cabe destacar su puesta en escena con una atmósfera gris -muy bien conseguida- que simboliza el régimen dominante, así como la magnífica interpretación de Ulrich Mühe en el papel de espía como oficial de la Stasi (la policía secreta alemana del estado).
Si bien la obra no profundiza en los aspectos que conllevan a este sistema a realizar métodos tan contundentes -algunas voces han tildado a la película de parcial y de ofrecer una visión irreal sobre la RDA (según comentan está realizada por parte de ciudadanos occidentales (wessi) en contra de los del este (ossi) con el objeto de perpetuar el Muro que continua vigente en la mente colectiva de ambas Alemanias)- lo más relevante a mi entender -al margen de otros aspectos de interés como las relaciones del grupo de disidentes-, es tanto el retrato sobre la soledad que ofrece el director como el conjunto de procesos mentales que experimenta el oficial –una persona fría, calculadora y escrupulosa- para llegar a participar afectivamente, mediante las escuchas, con sus víctimas. Y es que durante el espionaje brotarán, de un lugar recóndito de su espíritu, sus voluntades más reprimidas.
Destacar la habilidad del director en la parte final del film, con una intriga muy inteligente que desemboca en la conversión de Gerd Wiesler al filantropismo.

LA VIDA DE LOS OTROS. 2007. Alemania. Color
Dirección: Florian Henckel von Donnersmarck.
Intérpretes: Martina Gedeck, Ulrich Mühe, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Herbert Knaup.
Guión: Florian Henckel von Donnersmarck
Música: Gabriel Yared y Stéphane Moucha.
Fotografía: Hagen Bogdanski.
Vestuario: Gabriele Binder.

(4) Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen [2008]

2009-01-23T20:14:00.010+01:00

Espinoso hedonismo

Woody Allen vuelve, una vez más, a demostrar que maneja como nadie la psicología de los personajes. Estamos ante una comedia impregnada por una atmósfera hedónica y sensual que se materializa en un triángulo amoroso donde se entremezclan diferentes personalidades.
El conservadurismo de la prometida Vicky (Rebecca Hall) –rígida en sus propias reglas y cautelosa en sus actos, lo cual le impide realizar lo que más desea- contrasta con la desinhibición de Cristina (Scarlett Johansson) y su afán por experimentar. Por otra parte, Juan Antonio (Javier Bardem) pintor bohemio y partidario de saborear el “aquí y ahora”, surge como motor de la relación. Su latente carga sexual hace tambalear las emociones y preceptos de Vicky al experimentar una especie de “rechazo-aceptación” hacia su persona. Al mismo tiempo, esta fuerza erótica impacta como un obús tanto en la mente como en el cuerpo de Cristina.
Dicho triángulo se complica con la aparición del personaje de María Elena (Penélope Cruz) que sigue manteniendo una tormentosa relación con Juan Antonio y que influirá en el nexo de unión de los personajes.
Como siempre el director, dejando al margen su meritoria capacidad para la comedia, nos obliga a reflexionar sobre las relaciones de los seres humanos, sus voliciones y sus comportamientos. ¿Existe el amor perfecto e impoluto? ¿Reprimimos nuestros actos por el mantenimiento de ese amor? ¿Promiscuidad? ¿Amor Libre? ¿Fidelidad con contención?
En definitiva, otra buena muestra del oficio del realizador con un sinfín de lecturas e interpretaciones.

VICKY CRISTINA BARCELONA. 2008. USA-Esp. Color
Dirección: Woody Allen
Intérpretes: Javier Bardem, Scarlett Johansson, Rebecca Hall, Penélope Cruz, Patricia Clarkson, Kevin Dunn, Chris Messina
Guión: Woody Allen
Fotografia: Javier Aguirresarobe

(3) EL GENOCIDIO FRANQUISTA EN VALÈNCIA [2008]

2009-01-21T00:14:00.006+01:00

Justícia, Reparación, Dignidad y Verdad

Importante documental con el que, a través de diversos testimonios, se expone la dimensión de las atrocidades de la represión franquista tanto en la ciudad de València como en otras poblaciones del territorio valenciano.
Este esmerado trabajo es fruto de la investigación llevada a cabo por el Foro por la Memoria a raíz del descubrimiento por su parte de las fosas comunes al cementerio de València, donde ya se han identificado 26.000 cadáveres de asesinatos por la dictadura franquista que constaban como desaparecidos.
Con los testimonios -sobre las torturas y fusilamientos- de los familiares de las víctimas se desprende una angustia que simboliza la injusticia traspasada y fagocitada entre generaciones.
También es un documento de denuncia al Ayuntamiento de Valencia a causa de su barbarie, cometido en el cementerio de la ciudad, al construir nichos sobre las tumbas de miles de víctimas.
Una obra que le saca los colores y deja en evidencia a la quimérica democracia del estado español. Con una manera de actuar –en lo concerniente a la reparación de la dignidad de las víctimas y a la revisión de su pasado más trágico- muy alejada de los ejemplos realizados en países como Chile, Alemania o Argentina, y que ha estado justificada en el vergonzoso “pacto de silencio” de la transición.

EL GENOCIDIO FRANQUISTA EN VALÈNCIA. Las fosas silenciadas del cementerio. 2008.
Dirección: Daniel Lopez Izquierdo
Intérpretes: Personajes implicados en la investigación i familiares de les víctimas
Guión: Anna Justo
Fotografia: Jonathan Blasco
Música: Pere Jou

(3) IRINA PALM, de Sam Garbarski [2007]

2009-01-12T00:26:00.015+01:00

El amor verdadero

Al hablar sobre esta obra lo primero que me asalta a la cabeza -aunque aparentemente no tenga relación- son las peripecias del protagonista de la magnífica película de Rob Reiner, La princesa prometida. Westley, su personaje, anhela en sus aventuras conseguir uno de los sentimientos más nobles y, a la vez, utópicos que puedan existir: El amor verdadero. ¿De qué estamos hablando? ¿De un proceso psicobioquímico? ¿De una invención de los poetas? ¿Tal vez, una perturbación transitoria? Al final del film, el caballero consigue a su princesa, aunque no sabemos si esa magia perdurará eternamente.
Sin embargo sí que existen, en mi opinión, actuaciones que definen muy bien el amor verdadero. Según mi criterio -y haciendo referencia a la perspectiva logoterapéutica de Victor Frankl en la lucha del ser humano por encontrarle sentido a la vida- existen algunos gestos por los que realmente vale la pena vivir, conductas que son universales y que subsistirán a lo largo del tiempo. Es aquí cuando me gustaría adentrarme en la obra que nos ocupa. La historia de Maggie en su afán por conseguir dinero para pagar el tratamiento médico que necesita para su nieto, es francamente conmovedora: Que -con el objeto de salvar a un ser querido- una mujer de mediana edad, viuda, sin apenas conocimiento de las prácticas sexuales no convencionales, llegue a ser capaz de realizar masturbaciones en un club erótico a desconocidos a través de un agujero (Glory Hole / Agujero Glorioso), es uno de los ejercicios de amor más bellos que se hayan podido suscribir en la historia de la humanidad.

De la trama cabe destacar el componente psicológico de los personajes en sus interrelaciones, así como la modificación de comportamiento que experimentan cuando descubren las andanzas de la protagonista. De esta manera su hijo queda terriblemente irritado al sorprender a su madre en el club. Por otra parte su nuera, a pesar de no haber tenido nunca una buena relación con ella, llega a agradecerle el sacrificio y abnegación por su hijo. En el terreno laboral, resalta la difícil conexión que mantiene con su compañera de trabajo (despido laboral motivado por la pérdida de clientela a causa de la gran habilidad de Maggie en los “trabajos manuales”) que -después de una gran amistad- deriva en la triste separación entre ambas. En su círculo de “amigas” -un grupo de arpías que se pasaban la mayor parte del tiempo desprestigiándola- queda retratada la artificialidad del grupo y, por último, la zigzagueante relación con el propietario del antro que, afortunadamente, se consuma como la nueva gran esperanza de su vida.
Al final, este giro radical se convierte en una liberación para Maggie, dónde se descubre a sí misma y a su Yo interior, dejando al mismo tiempo un vestigio perenne y absoluto: el amor verdadero hacia su nieto.

IRINA PALM. 2007. Gb. Color
Dirección: Sam Garbarski
Intérpretes: Marianne Faithfull, Miki Manojlovic, Kevin Bishop, Siobhan Hewlett, Dorka Gryllus, Jenny Agutter, Corey Burke, Meg Wynn Owen, Susan Hitch, Flip Webster
Guión: Sam Garbarski, Philippe Blasband, Martin Herron
Fotografia: Christophe Beaucarne
Música: Ghinzu

(4) Supertramp "Crisis? What crisis?" [1975]

2008-12-27T01:49:00.007+01:00

Crime of the century puso el listón muy alto en la carrera de éste estupendo grupo sinfónico que tuvo en los años 70 su década -sino la única- más reivindicable. Aún así la presión que les podía haber pasado factura a causa del éxito y la calidad de su anterior trabajo, no les afecto en lo más mínimo. La banda capitaneada por Davies & Hodgon realizó una especie de continuación con un puñado de soberbias canciones.
La obra emprende su recorrido con la tranquila introducción “Easy does it” la cual enlaza con la dinámica guitarra de “Sister Moonshine”, dos canciones con una sugestiva acústica. El rock-blues “Ain´t nobody but me” es un gran tema que roza la instrumentación hard, “A Soapbox opera”, bellísima sinfonía que despliega las cualidades compositivas de Roger Hodgson, deja al oyente en una especie de estado hipnótico. En el ecuador del disco hallamos la obra maestra “Another’s man woman” con un Rick totalmente inspirado en su ejecución pianística y con una magnífica parte instrumental como punto culminante del tema. “Lady” y “Poor boy” -a base de ritmos de teclado y coro- acreditan su característico sello. Una de mis preferidas es “Just a normal day”, sobre todo por la sensibilidad que desprende su melodía y por el juego vocal entre el tandem de compositores. “The meaning”, su canción mas arriesgada, tiene una gran calidad con incursiones jazzisticas (siempre persistente la fundamental aportación de Helliwell en los instrumentos de viento). La mítica “Two of us”, que cierra todos sus conciertos supone un admirable epílogo para este recomendable álbum.
Por finalizar, resaltar su ingeniosa y mordaz portada en la que podemos ver a su saxofonista descansando plácidamente en una tumbona -sombrilla y cóctel incluido- junto a un paisaje totalmente desolador (nunca una puesta en escena será tan sempiterna como ésta).
Valoración: 4,08

(1) Coldplay "Viva la vida" [2008]

2008-12-14T23:12:00.006+01:00

Si hay un grupo en la actualidad que detesto son los británicos Keane. Tanto sus canciones melifluas como sus melodías pegajosas de su horroroso Hopes and Fears (04) siempre me han producido una especie de aversión que me conduce hacia la desconexión de cualquier reproductor que empiece a emanar sus notas musicales.
Me irritaba cuando, por aquel entonces, la prensa especializada empezaba a compararlos con la banda de Chris Martin. No entendía como a un grupo que había sido capaz de gestar obras tan interesantes como Parachutes (00) o, en menor medida, A rush of blood to the head (02), ambas -sobre todo la primera- de una extraordinaria pureza y con ciertas reminiscencias del "sinfonismo setentero", se les podía comparar con semejante patochada.
Sin embargo, desgraciadamente, el cuarteto se ha esforzado en dar la razón a los que pregonaban dicha analogía. Si X&Y (05) ya supuso un verdadero salto atrás en su discografía con su afán de crear música de estadio a base de formulas archiconocidas, éste Viva la vida or death and all his friends es un autentico descenso a los infiernos. Canciones facilonas, singles hechos a medida para los 40 principales como la penosa “Viva la vida”, empalagosas monerías como “Lovers in Japan”, piezas de sabor prefabricado como “Violet hill” y tonadillas simplonas y asequibles para el gran público como “Death and all his friends” hacen que se cumpla el desencanto que se adivinaba en su anterior trabajo. Algunos aciertos como “Yes” con su aire oriental que recuerda a “Daylight” de A rush of blood to the head, sólo hacen que maquillar el resultado de esta obra. Espero que el talento de Chris Martín reflote en sus próximas entregas, porque otro fiasco como éste me obligará a dimitir como seguidor.

Valoración: 1,17

(3) Jaymay "Autumn Fallin' " [2008]

2008-12-06T19:03:00.013+01:00

La cantautora neoyorquina Jaime Seerman ha realizado un soberbio trabajo, en mi opinión uno de los discos del año. Su estilo folk -heredero del mejor Dylan o Young- es transportado a su terreno personal a través de su cálida guitarra, su sugerente voz y sus cadenciosas melodías.
Este disco introspectivo espolvorea lágrimas de optimismo con una colección de bellas canciones que tiene su máximo exponente en temas como el single “Gray or blue”, las deliciosas “Blue skies” y “Sycamore down”, la sorprendente pincelada swing-jazzy “Hard to say”, el encantador tarareo de “Green sea blue” y los diez minutos de “You’d rather run” que nos recuerdan a algunos pasajes del Blonde on Blonde de Dylan .
Para coronar el disco Jaymay nos brinda dos auténticos himnos guarnecidos de una prodigiosa melodía: "III willed person" y “You are the only one”, una y otra, para cerrar los ojos y soñar.
Valoración: 2,89