(3) LA VIDA DE CALABACÍN (2016), de Claude Barras

Sencilla y emotiva

A través de la animación y la técnica stop-motion, Claude Barras compone un estupendo relato acerca de las carencias afectivas en la infancia. Cabría preguntarse qué se siente cuando en la niñez se desvanece la fantasía y los espacios multicolores se tornan sombríos, o cuando el sufrimiento suple a la diversión. En esta obra tendríamos la respuesta.

La película cuenta la historia de Calabacín quien, después de perder a su madre, ingresa en un hogar de acogida junto a otros niños huérfanos de su edad. La relación con ellos, al principio problemática, se torna catártica porque comparten sus mismos problemas. Será un proceso de conocimiento y desarrollo, donde nuestro protagonista encontrará el amor y la amistad. 

El film, corto (sesenta y seis minutos) pero intenso, aparte de ser un fantástico trabajo formal y técnico, consigue hacer reír y emocionar al espectador. Su sencillez, lejos de alimentar un discurso adocenado, es su mejor arma y nos induce a sumergirnos en unas aguas repletas de vida.

MA VIE DE COURGETTE. 2016. Suiza. Color. Animación. 66 Min.

Dirección: Claude Barras

Intérpretes: Animación

Guion: Céline Sciamma, Germano Zullo, Claude Barras, Morgan Navarro. Novela: Gilles Paris

Música: Sophie Hunger

Fotografía: Animación, David Toutevoix

(0) RICKY (2009), de François Ozon

Red Bull te da alas

Perdonadme el título de la crítica, pero es que no encontraba otro más acorde para esta chorrada de film. Lo que en un principio parecía —con su prometedor arranque— un retrato social sobre la convivencia en pareja, el trabajo, las dificultades económicas y el núcleo familiar, termina convirtiéndose en un horroroso intento de cine fantástico que en ningún momento acaba de funcionar (¿plagio de Tobi, de Antonio Mercero?). Al final, ante tanto lloriqueo del niño y tanto despegue aéreo, lo único que deseas es que el angelito se disipe en las profundidades del abismo nebular. Irritante.

RICKY. 2009. Francia. Color. 85 Min.

Dirección: François Ozon
Intérpretes: Alexandra Lamy, Sergi López, Mélusine Mayance, Arthur Peyret, André Wilms, Jean-Claude Bolle-Reddat, Marilyne Even, Véronique Joly

Guion: François Ozon, Rose Tremain. Obra: Rose Tremain

Música: Philippe Rombi

Fotografía: Jeanne Lapoirie

(5) EL ÁNGEL EXTERMINADOR, de Luis Buñuel (1962)

  La imposibilidad de culminar

Englobar, diseccionar y analizar en noventa minutos de metraje todos los comportamientos psicosociológicos del ser humano solo puede estar al alcance de un realizador de la calidad de Luis Buñuel. El ángel exterminador es un film analizable —repleto de infinidad de lecturas— que gana en matices en cada visionado. Es un sugestivo cóctel de comedia, esperpento, drama y absurdidad surreal que da como resultado una ácida y mordaz crítica social enfocada en la alta burguesía. 

¿Cómo son nuestros comportamientos cuando entramos en una situación angustiosa tal como pasar de una vida de lujo a una de estrecheces? En la película, nuestras miserias quedan al descubierto y, desde lo más profundo de nuestro ser, aparecen nuestros demonios más escondidos.

El mecanismo psicoanalítico de no poder salir actúa como representación de la incapacidad por culminar aquello que tenemos entre manos, una especie de procrastinación que nos impide abrazar lo importante para arrinconarnos en lo superficial de nuestra existencia. 

Los protagonistas, dada la clase social a la que pertenecen, necesitan un orden y una racionalidad que den un sentido a sus cómodas vidas. Sin embargo, es entonces cuando aparece la abulia que —junto al caos que supone para ellos romper las rutinas categorizadas en sus esquemas mentales— les llevará hacia la más oscura irracionalidad (peleas, conjeturas, matar al anfitrión…). Al final, la posición exacta de cada uno de ellos (el orden antes mencionado) será una liberación momentánea (tal y como nos pasa en nuestro periplo vital).

La intuición (de los cocineros que salen antes de la cena), la repetición (diálogos y frases), los símbolos (animales, las imágenes oníricas y las patas de pollo) son constantes que Buñuel maneja de manera magistral en cada escena, simbolismo que ayuda a analizar los contrastes y complejidades que el ser humano encierra.

Obra maestra del realizador aragonés, atrayente e hipnótica, sujeta a multitud de interpretaciones.

LOS OLVIDADOS. 1962. México. Blanco y Negro. 90 Min.

Dirección: Luis Buñuel

Intérpretes: Silvia Pinal, Enrique Rambal, Lucy Gallardo, José Baviera, Augusto Benedico, Antonio Bravo, Jacqueline Andere, Luis Beristáin, Claudio Brook, César del Campo, Rosa Elena Durgel, Enrique García Álvarez, Ofelia Guilmáin, Nadia Haro Oliva, Tito Junco, Xavier Loyá, Ofelia Montesco, Xavier Massé

Guión:  Luis Buñuel, Luis Alcoriza

Música: Raúl Lavista

Fotografía: Gabriel Figueroa

Críticas de Luis Buñuel (clicar en este mismo enlace para leer las críticas)

(3) TRÁGICA INFORMACIÓN (1952), de Phil Karlson

Crítica a la prensa amarilla

Sensacionalismo y amarillismo acompañan a la manera de trabajar de Mark Chapman —editor del New York Express— y sus reporteros. La atemporalidad de este film es incontestable cuando retrata a un tipo de periodismo falto de escrúpulos que no tiene reparos en utilizar las artimañas más despreciables para sonsacar información a las víctimas de cualquier accidente (recurriendo incluso al engaño, presentándose como policías). Con todo, el citado periódico tiene enormes tiradas y una gran cantidad de lectores. Como siempre, la gente quiere carnaza y este diario, a pesar de la oposición de algunos accionistas, sabe cómo lanzar el cebo. Sin embargo, un suceso inesperado le complicará la vida al editor. 

La película realiza una contundente crítica a esta tendencia de algunos medios informativos por resaltar los aspectos mórbidos, centrándose en las miserias y males anímicos de las víctimas. Pero, por otra parte, ofrece una historia muy bien narrada que mantiene el interés del espectador en todo momento, con una mirada cáustica y devastadora hacia el editor que utiliza esos métodos perversos pues, como un boomerang, todo se vuelve fatalmente en su contra. Buen cine negro.

SCANDAL SHEET. 1952. Estados Unidos. Blanco y Negro. 82 Min.

Dirección: Phil Karlson
Intérpretes: John Derek, Broderick Crawford, Donna Reed, Rosemary DeCamp, Henry O'Neill, Harry Morgan, Don Beddoe, Mel Blanc

Guion: Ted Sherdeman, Eugene Ling, James Poe. Novela: Samuel Fuller

Música: George Duning

Fotografia: Burnet Guffey

(3) ARMONÍAS DE WERCKMEISTER (2000), de Bela Tarr

Oscura y bella a la vez

Con una narrativa fílmica parsimoniosa, alejada de los estándares que el espectador medio está acostumbrado, Béla Tarr ofrece una obra extraña, críptica y bella sobre la degradación humana. El realizador húngaro suscita confusión deliberadamente para que el espectador extraiga sus propias conclusiones. De esta manera, el cineasta propone una deshabituación (in)voluntaria que fuerza al espectador a reflexionar acerca de los planteamientos ofrecidos en la pantalla. 

Armonías de Werckmeister es una degustación de imágenes que se intensifica a medida en que se profundiza en la comprehensión del contenido. Esta reveladora experimentación sucede ya a partir de su tan clarificadora como desconcertante primera secuencia. János Valuska explica en un bar el funcionamiento del sistema solar y, de fondo, una fantástica pieza de Mihály Víg (la música es esta obra es un elemento tan crucial como las imágenes) que otorga a la escenificación de una aureola esplendorosa.

Su estilo visual tan peculiar esta trufado de planos de una única toma que nutren de significado a la voluntad de los personajes (como el recorrido de la horda hasta el hospital). Jugando con el simbolismo (el cadáver de la ballena, el príncipe, el hospital…) el director nos muestra de una manera desnuda la irracionalidad, la injusticia, el desamparo y una crítica al sistema estructural totalitario (a pesar que no se especifique el contexto).

Difícil de definir. Oscura y bella a la vez. Creo que es de esas películas que muestran diferentes matices en cada visionado. Recomendable.

WERCKMEISTER HARMÓNIÁK. 2000. Hungría. Blanco y Negro. 139 Min.

Dirección: Béla Tarr
Intérpretes: Lars Rudolph, Peter Fitz, Hanna Schygulla, János Derzsi, Djoko Rosic, Tamás Wichmann, Ferenc Kállai

Guion: Béla Tarr. Novela: László Krasznahorkai

Música: Mihály Víg

Fotografia: Gábor Medvigy

(3) EL CIRCO, de Charles Chaplin (1928)

  La lejanía más próxima

Pasar hambre, carecer de trabajo, robar para sobrevivir, la explotación laboral, la violencia intrafamiliar, la codicia, la amistad y el amor. Esos ocho conceptos, tan connaturales a la existencia, pasan a través del filtro de Charles Chaplin, quien tiene la habilidad de cruzar elementos tan contrapuestos con unos resultados más que satisfactorios. Podríamos decir que su tipo de cine representa la lejanía más cercana entre la tragedia y la comedia. 

En esta obra que nos ocupa, el director británico ofrece un divertimento continuo que intenta esconder el inevitable sufrimiento que experimentan los seres humanos. De este modo, el comportamiento precipitado del actor y los recurrentes gags del filme ayudan a amortiguarlo. Pero lo más importante es que, después de ver la película, seremos conscientes de a qué cosas debemos prestar atención en esta vida..

THE CIRCUS. 1928. Estados Unidos. Blanco y Negro. Muda. 72 Min.

Dirección: Charles Chaplin

Intérpretes: Charles Chaplin, Al Ernest Garcia, Merna Kennedy, Harry Crocker, George Davis, Henry Bergman

Guion: Charles Chaplin

Música: Charles Chaplin

Fotografia: Roland Totheroh

(3) UN ASUNTO DE MUJERES (1988), de Claude Chabrol

La injusta e histórica división social

Una Francia ocupada, despersonalizada y desorientada es el marco de este relato crudo sobre la indefensión y la supervivencia. Ambos estados se producen como consecuencia de un ambiente paternalista e injusto hacia el género femenino. De ahí surge ese espíritu mordaz y crítico del film ejemplificado a través de la lucha de Marie, junto con la hipocresía y la connivencia ante la muerte de los niños judíos y la criminalización del aborto. 

Pero Marie tiene una intrahistoria: sus hijos a los que cuidar, su anhelo de libertad y un marido al que aborrece. Su claroscuro evidencia la objetividad de la cámara y la contradicción humana: la ética y la moral entran en tela de juicio, dejando la interpretación subjetiva al espectador.

La mirada crítica de Chabrol se condensa en una bruma secuencial repleta de imágenes sugestivas que se enfrascan en la realidad de un contexto histórico y social donde la inhumanidad se erige como la máxima representante. La división entre ricos y pobres —“es fácil no hacer nada malo si eres rico”, dice la protagonista— es la vertebración del argumento y, por ende, de la vida. El aborto, la pena de muerte, el adulterio…, conceptos que esta cinta muestra sin tapujos para conducirnos a la reflexión moral. 

Debe verse.

UN AFFAIRE DE FEMMES. 1988. França. Color. 103 Min.

Direcció: Claude Chabrol
Intèrprets: Isabelle Huppert, François Cluzet, Nils Tavernier, Marie Trintignant, Lolita Chammah

Guió: Claude Chabrol, Colo Tavernier O'Hagan. Novel·la: Francis Szpiner

Música: Matthieu Chabrol

Fotografía: Jean Rabier