(3) REBELDES, de Francis Ford Coppola (1983)

Nada dura para siempre

Nature's first green is gold, El primer matiz de la naturaleza es dorado,

Her hardest hue to hold. Y para mantener su verde más intenso.

Her early leaf's a flower;         Su hoja temprana es una flor

But only so an hour. Que vive tan solo una hora.

Then leaf subsides to leaf. Y entonces la hoja muere para caer.

So Eden sank to grief, Así se hundió el Edén muy a su pesar,

So dawn goes down to day. Así el alba desciende día a día.

Nothing gold can stay. Pues nada dorado permanece.

Bajo una apariencia más bien hosca, también condicionada por la manera de comportarse de los protagonistas y por el ambiente que tienen que sufrir, Rebeldes esconde una metáfora poético-filosófica acerca de lo efímero de la belleza en la naturaleza (por extensión en la psicología de los seres humanos) y de la imposibilidad de un mantenimiento perenne de la felicidad absoluta. De hecho, el poema de Roberst Frost, expuesto al inicio, es la pieza que sustenta un guion que muestra las voliciones, modus vivendi y penumbras por las que tienen que pasar un grupo de adolescentes en la sociedad americana de mediados de los años 60. Estamos ante chicos con problemas emocionales y de identidad (orfandad, familias desestructuradas, etc.) que tienen la necesidad imperiosa de pertenecer a un grupo conformado por los típicos roles que desempeña cada miembro (en nuestro caso; desde el líder; Dallas Winston, hasta el tímido; Johnny Cade). Bien es cierto que dentro de esas personalidades existen matices que harán variar la conducta de cada uno.

De alguna manera el mundo adulto competitivo se refleja en las pandillas de los jóvenes: Las luchas entre bandas (los dandis contra los grasientos, clase alta y clase baja respectivamente), la sociedad patriarcal donde las chicas quedan en segundo plano y la pugna darwiniana (el macho alfa y el “a ver quién la tiene más larga”). Todo ello desemboca en una desconexión recíproca entre ellos y el mundo que les rodea

No obstante, Ponyboy y Johny son diferentes, aunque las circunstancias les han sumido en ese infierno,ambos tienen sentido de solidaridad y compañerismo. Así las cosas, después del asesinato en defensa propia se ven obligados a huir. Durante esa tortuosa travesía empiezan a considerar que tal vez haya otras maneras de afrontar las situaciones que se nos presentan en nuestra existencia. (“Habrá algún lugar sin Grasientos, Dandis… Habrá algún lugar con gente normal, gente sin más”. Comentaba Johnny desesperado)

Johny es la antítesis de Dallas. Ambos son engullidos por la atmósfera tan dura en la que se encontraban, sin embargo mientras el primero se redime a través de sus ulteriores actos y la transformación de su escala de valores, el segundo, desorientado y superado por la muerte de su amigo, enloquecerá sin saber gestionar ni su ira ni sus emociones.

El film contiene evidentes referencias y guiños al cine clásico tanto en la puesta en escena como en la fotografía (Rebelde sin causa de Nicholas Ray o Lo que el viento se llevó de Victor Fleming) y aun pecando de algunas situaciones poco creíbles, estamos ante una película digna de ver.

Destacar la gran cantidad de jóvenes promesas en el reparto de intérpretes y, especialmente, la excelente interpretación de Matt Dillon.

THE OUTSIDERS. 1983. Estados Unidos. Color. 91 Min.

Dirección: Francis Ford Coppola

Intérpretes: Matt Dillon, Ralph Macchio, C. Thomas Howell, Patrick Swayze, Rob Lowe, Tom Cruise, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Waits

Guion: Kathleen Knutsen Rowell. Novela: S.E. Hinton

Música: Carmina Coppola

Fotografía: Stephen H. Burum

(2) PASSAGES, de Ira Sachs (2023)

Un hombre confuso

Es bastante frecuente que en las relaciones donde predomine el entusiasmo afectivo y emocional se mezcle una especie de drama y sufrimiento que intoxique el romanticismo primigenio. Como es bien sabido, en el desarrollo de una aventura de ese tipo deben esquivarse una gran cantidad de obstáculos, porque, desgraciadamente, la realidad está bien alejada de las historias rosas de algunas películas.

Contrariamente a lo expuesto, esta obra realiza una interesante exploración de las relaciones humanas, especialmente las de pareja (la toxicidad de la relación amorosa), a través de su triángulo protagonista donde afloran elementos como los celos, la pasión y el egocentrismo. En este sentido, profundiza de manera continua en la psicología de los personajes, enfocando su guion en extraer lo que se esconde en sus pensamientos. La terrible y persistente confusión mental de Tomas, su protagonista principal, naufraga en un mar revuelto de amor y sexo, para llegar a unos no deseados efectos colaterales —el embarazo y la (comprensible) preocupación paternal— que harán tambalear todo lo que había construido.

Passages, es una historia aparentemente sencilla, pero compleja a la vez, tirando a minimalista (sin casi exteriores), y diría que, incluso, cercana a lo teatral. No es un film redondo, pero hay que decir que es realista y terrenal y, por tanto, cosa que le honra; honesto.

PASSAGES. 2023. Francia. Color. 91 Min.

Dirección: Ira Sachs

Intérpretes: Franz Rogowski, Ben Whishaw, Adèle Exarchopoulos, Erwan Kepoa Falé, Arcadi Radeff, Léa Boublil, Théo Cholbi, William Nadylam, Tony Daoud, Sarah Lisbonis, Anton Salachas, Thibaut Carterot

Guion: Ira Sachs, Mauricio Zacharias

Fotografía: Josée Deshaies

(1) DECISION TO LEAVE, de Park Chan-Wook (2023)

El detective enamorado

Creo que, en el fondo, esta película es más romance que intriga y más drama emocional thriller psicológico. Efectivamente, parece que la utilización del suspense sea el motor que impulsa los sentimientos implícitos en la difícil y enigmática relación de la pareja protagonista.

Cabe decir que, desde un punto de vista formal, esta obra resulta sumamente atractiva debido a su impecable factura técnica y sus ideas visuales. Ahora bien, en mi opinión, su guion se ahoga en su complejidad. Demasiados conceptos (tanto realistas como poéticos) para dar forma a una relación que, si bien es profunda y heterogénea, no deja de ser diáfana. Todo esto hace que, al final, el metraje se venga abajo. Una lástima porque tenía elementos (como las fantásticas interpretaciones) para haber alcanzado cuotas de mejor calidad.

HEOJIL KYOLSHIM. 2023. Corea del Sur. Color. 138 Min.

Dirección: Park Chan-wook

Intérpretes: Wei Tang, Park Hae-il, Go Kyung-Pyo, Lee Jung-hyun , Park Yong-woo, Kim Shin-Young, Sook Jung-Young, Yoo Seung-mok, Teo Yoo, Park Jeong-min, Seo Hyun-woo, Jeong Ha-dam

Guion:  Park Chan-wook, Chung Seo-Kyung

Música: Cho Young Wuk

Fotografía: Kim Ji-yong

(4) UNA HISTORIA VERDADERA, de David Lynch (1999)

Liberación y redención personal

Esta obra es la historia real de Alvin Straight quien, pese a gozar de una salud deficiente, decide emprender un viaje para reencontrarse con su hermano Henry que acaba de sufrir un infarto y con quien no se habla desde hace más de diez años. Dada su carencia de visión y la escasez de dinero, opta por hacer él mismo el recorrido de cientos de kilómetros —entre Laurens (Lowa) y Blue River (Wisconsin)— con su máquina cortacésped que circula a 8 km/h.

Parece que está a punto de caer, pero no cae. De acuerdo con la estructura del guion se esperaría que esta crónica declinara en una insoportable mezcolanza de sensiblería. Más bien al contrario, Lynch modela el guion y lo refleja en las imágenes de una manera sencilla, desnuda y sin adornos impregnándola de una belleza poética absolutamente cautivadora.

The Straight Story es una historia de redención en la que se presentan una gran cantidad de conceptos y valores que permanecen ocultos en nuestro consciente colectivo contemporáneo. ¿Quién se para a pensar actualmente en elementos tan incómodos como la senectud, el perdón, la paz individual o el milagro de la vida? Si alguien alcanza ese estado, probablemente lo hará porque se encuentra en la coyuntura de su propia decadencia.

En cada uno de los personajes afloran sentimientos y emociones previamente escondidos: sufrimientos latentes que conllevan un gran dolor emocional. La película es magistralmente metafórica en ese aspecto, tanto explícitamente (la conversación de los dos hombres mayores en el bar) como implícitamente (la mirada silenciosa de su hija Rose o el matorral de ramitas con el atadillo).

La vejez y el ocaso de la existencia se manifiesta constantemente en la cinta, lo que supone una muy interesante reflexión en torno a una etapa de la vida a la que, indefectiblemente, llegaremos todos: tan lejos pero tan cerca.

En su trayecto, Alvin, se topa con diferentes personajes diferentes en cultura, edad e idiosincrasia, así como con otros coetáneos que comparten sufrimientos pasados (la Segunda Guerra Mundial). El film está lleno de escenas emotivas y de dramas interiores que el director combina a la perfección con otros elementos mundanos y cotidianos como el humor y la ironía.

La película es, en definitiva —sin evadir su crueldad—una oda en la vid con una última escena absolutamente memorable.

THE STRAIGHT STORY. 1999. Estados Unidos. Color. 111 Min.

Dirección: David Lynch

Intérpretes: Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Jane Galloway Heitz, Joseph A. Carpenter, Donald Wiegert, Jennifer Edwards-Hughes, Everett McGill

Guion: John Roach, Mary Sweeney

Música: Angelo Badalamenti

Fotografía: Freddie Francis

(3) EL SOL DEL FUTURO, de Nanni Moretti (2023)

Esperanza del porvenir

En esta película los mensajes de Moretti son muchos —lo que es absolutamente meritorio— pero hay uno claro y directo: el homenaje al comunismo italiano. Durante todo el metraje subyace ese apoyo incondicional del director. Ahora bien, la historia va mucho más allá y aborda distintos aspectos relativos a la vida, profundizando en la psicología, la filosofía existencial, el arte, la ética y, por supuesto; la política.

El sol del futuro es cine dentro del cine. De esta forma, se adentra dentro del personaje de Giovanni, un director que está rodando su última película y que tiene problemas de financiación porque su productor se ha declarado en quiebra. Además, ha entrado en crisis con su mujer, la cual acude al psicoanalista porque quiere separarse de él. Por otra parte, su hija, música de profesión —que está confeccionando su banda sonora— le presenta a una pareja que tiene su edad y esto le afecta enormemente. A Giovanni se le acumulan los problemas. La actriz protagonista siempre se le rebela y quiere improvisar su guion.

La película que está rodando cuenta la historia de la contrarrevolución húngara hacia el comunismo soviético, por lo que miembros del comunismo italiano no aprueban la contundencia soviética y quieren distanciarse de ellos.

Con todas esas herramientas, el cineasta italiano extrae situaciones que se traducen en agitaciones internas de los protagonistas, regidas por sus sentimientos y emociones. La cinta es muy profunda y reflexiva y puede comprobarse en sus diálogos. Sin embargo, Moretti le da un punto de divertimento muy sugestivo con elementos como la música, los bailes que no vienen a cuento (memorable y divertidísima la escena con la música de Battiato), las ensoñaciones y las ficciones. Tampoco falta la crítica (la reunión con los directivos de Netflix) a las imposiciones de la industria y las pocas posibilidades del cine de autor en ese espectro.

En definitiva, un filme muy recomendable que está lleno de referencias cinéfilas y musicales, y que deja un mensaje muy positivo: dejar las condiciones suficientes para que el sol ilumine nuestro porvenir.

 

IL SOL DELL'AVVENIRE. 2023. Italia. Color. 95 Min.

Dirección: Nanni Moretti

Intérpretes: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Barry Keoghan, Kerry Condon, Gary Lydon, Pat Shortt, Aaron Monaghan, David Pearse, Sheila Flitton, Bríd Ní Neachtain, Jon Kenny

Guion: Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella

Música: Franco Piersanti

Fotografía: Michele D'Attanasio

(3) THE OLD OAK (EL VIEJO ROBLE), de Ken Loach (2023)

  Si comemos juntos, permaneceremos juntos

Ken Loach tiene la virtud de tocar temas sociales que, después de todo, son necesarios para despertar conciencias y que llevan al espectador a reflexionar y cuestionar qué está pasando en el mundo. Son sucesos que se escuchan en los medios de comunicación y a los que no se le dan importancia. Se suele decir: "ah, bueno... ha pasado allí", "la guerra de Siria, tan lejana, nos sabe mal, pero ¿qué podemos hacer?" Ahora bien, todo cambia cuando esta gente busca refugio en nuestro territorio, entonces es cuando espetan: "es que nos van a robar el trabajo".

El contexto de la película está escenificado en un antiguo pueblo minero en el condado de Durham, su población sufrió conflictos laborales en los años ochenta junto a los posteriores cierres de minas. Debido a esto la gente en la actualidad sigue yéndose, hay una alta incidencia de paro y las casas están vacías y baratas (es por eso porque los refugiados sirios se alojan). En el pub del barrio "The Old Oak" la gente habla y toma cerveza mientras se quejan de la falta de trabajo, la precariedad de la vivienda y del poco futuro que le espera a la juventud. Al llegar los inmigrantes sirios, el propietario del pub, será el único que los recibirá con bondad.

Por las razones antes mencionadas son lugares donde el racismo se agiganta. Puede comprobarse en la escena cuando le regalan la bicicleta a una niña refugiada. Algunos niños del pueblo preguntan por qué a él no les regalan nada. Este punto de vista disyuntivo lo muestra muy inteligentemente el director británico, resolviéndolo con la apertura de un espacio de comida para los necesitados del pueblo.

La película habla de la solidaridad, de la desconfianza hacia los recién llegados (especialmente si son pobres; el conocido clasismo recalcitrante) y del racismo. No estoy de acuerdo con que el cine de Loach sea panfletario y maniqueísta. Es evidente que la guerra de Siria está ahí y la venida de inmigrantes es algo palmario. La película no puede obviar las reticencias de los nativos. Loach lo muestra y con esto es objetivo. Obviamente, que no evitará su ideología con la denuncia de las injusticias, pero su cámara muestra la realidad social. Por otra parte, aquí no hay buenos y malos. El protagonista mismo que es quien humaniza la historia, pero éste héroe samaritano tiene un punto oscuro cuando confiesa que en el pasado había hecho daño a sus seres queridos. La cinta también intenta comprender las quejas de los habitantes, pero Loach nos explica que esta actitud es fruto de la estulticia, que cuando conocemos realmente bien a los demás es cuando conectamos y empatizamos. Y esto es muy bonito, tan bonito como la cámara fotográfica regalada por su padre a la chica siria, tan bonito como la llamada a la solidaridad y tan bonito como el lema: "si comemos juntos, permaneceremos juntos" que simboliza la unión de las personas para fortalecerse mutuamente.

Esta obra tiene mucha intensidad dramática y emocional en su primera hora, sí que es verdad que después esa fuerza se diluye un poco, pero hay que verla. Pienso que, además de didáctica, es necesaria.

THE OLD OAK. 2023. Reino Unido Unit. Color. 110 Min. 

Dirección: Kean Loach

Intérpretes: Dave Turner, Ebla Mari , Claire Rodgerson, Trevor Fox, Chris McGlade, Col Tait, Debbie Honeywood, Chris Gotts, Andy Dawson, Reuben Bainbridge, Lloyd Mullings, Rob Kirtley, Andrea Johnson, Laura Lee Daly, Amna Al Ali, Neil Leiper, Jordan Louis, Chrissie Robinson

Guion: Paul Laverty

Música: George Fenton
Fotografía: Robbie Ryan

Críticas de Ken Loach (clicar en este mismo enlace para leerlas) 

(2) ALMAS EN PENA DE INISHERIN, de Martin McDonagh (2023)

El fin de una amistad

La extraña relación de una pareja de amigos en una isla frente a la costa oeste de Irlanda en 1923 se desarrolla paralela a la guerra civil del país (de hecho, se pueden oír los disparos desde la lejanía). Pádraic no sabe por qué, pero de repente su amigo, Colm, que lleva compartiendo cervezas y conversaciones durante los últimos treinta años, ha dejado de hablarle. Parece que Colm tiene dudas existenciales. Él es músico —toca el violín— y le gusta componer. Piensa que las conversaciones con Pádraic son muy aburridas y ha llegado a la conclusión de que si desperdicia el tiempo, no podrá hacer arte, y el arte, según él, perdura en el tiempo, no así las charlas interminables y vacías de su amigo. La hermana de Pádraic trata de ayudarle y ordenar su vida, pero éste no comprende y quiere saber qué podría hacer para que su amigo cambie de opinión.

Esa sería la base del guion de este filme, ahora bien, éste recoge una enorme carga de profundidad porque a partir de ahí el relato se tiñe de tintes absolutamente perturbadores e, incluso, macabros. El director le da así un toque hiperbólico, parejo a la absurdidad de la guerra que tienen al lado. De esta forma muestra una isla asfixiante y sombría repleta de rencores y rencillas, un microcosmos donde la intimidad queda relegada al ostracismo.

El relato va ganando fuerza e interés a medida que avanza, especialmente en la parte cuando Colm cumple su cruenta promesa. Tengo que confesar que al principio me dio la impresión de estar viendo simple historia, una pelea vana entre un hombre que ya chochea y su amigo, pero en realidad no era así, porque estamos ante un film que habla de la complejidad de las relaciones humanas, del ego masculino, de cómo elegimos caminos alejados de la sociabilidad y nos obcecamos, cegados de orgullo, para aislarnos en nosotros mismos. También habla de la desesperación y de la depresión, y del desbarajuste inexplicable que lleva a la (auto)destrucción: los disparos desde el otro lado lo explican muy bien, no hacen falta las palabras.

THE BANSHEES OF INISHERIN. 2023. Reino Unido. Color. 114 Min.

Dirección: Martin McDonagh

Intérpretes: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Barry Keoghan, Kerry Condon, Gary Lydon, Pat Shortt, Aaron Monaghan, David Pearse, Sheila Flitton, Bríd Ní Neachtain, Jon Kenny

Guion: Martin McDonagh

Música: Carter Burwell

Fotografía: Ben Davis