(3) DESCONOCIDOS (2024), de Andrew Haigh

El poder del amor

Tiene un mérito enorme la manera en que el director aglutina y entremezcla diferentes conceptos en este film. Los fantasmas que nos persiguen en nuestra existencia se reflejan en la figura del protagonista, quien, con doce años, perdió a sus padres en un accidente automovilístico. A partir de ahí, su abuela materna se hizo cargo de él, y tuvo que afrontar una nueva vida privada del calor parental. A eso se suma su condición de homosexual, de la que fue consciente desde muy temprano, y el bullying que sufrió en la escuela.

En la actualidad, Adam es una persona adulta que trabaja como escritor de guiones. De alguna manera, sigue atormentado por la desgracia de su infancia, lo que le conduce a una vida de cierta soledad. Cuando conoce a Harry, un misterioso vecino, su rutina diaria cambiará por completo.

Andrew Haigh realiza un introspectivo análisis de las emociones del personaje central, creando una especie de cine poético, con las bellas visitas que Adam realiza a sus padres. Los elementos fantásticos no chirrían en absoluto y encajan perfectamente en la historia. 

¿Cómo habría sido mi vida de haber estado mis padres presentes? Perder a los progenitores ya es doloroso, pero cuando ocurre a los doce años, la herida se multiplica. Es una tristeza instalada en el alma que perdura, y el director lo trata con un cuidado excelente a través de las conversaciones y los encuentros con ellos.

La película es también un drama queer. En Harry, Adam encuentra a una persona con la que conecta, y su relación se suma al bello desfile de sentimientos y emociones que recorre la historia.

Magnífica la puesta en escena y la música, y especialmente, ese poso de soledad y aislamiento voluntario que guardan los personajes. El “molesto silencio” y el poder del amor se combinan de manera sublime, con un cierre memorable acompañado de la canción de Frankie Goes to Hollywood.

ALL OF US STRANGERS. 2024. Reino Unido. Color. 105 Min.

Dirección: Andrew Haigh
Intérpretes: Andrew Scott, Paul Mescal, Jamie Bell, Claire Foy, Carter John Grout, Ami Tredrea

Guion: Andrew Haigh. Novela: Taichi Yamada
Música: Emilie Levienaise-Farrouch
Fotografía: Jamie Ramsay

(3) UNA QUINTA PORTUGUESA (2025), de Avelina Prat

No entiendo nada

"Yo tampoco entiendo nada". Esa es la respuesta de Fernando, el profesor de Geografía, cuando un alumno le pregunta por un aspecto de su explicación que no comprende. Evidentemente, el estudiante es totalmente ajeno a todo aquello que le pasa por dentro al docente. Este último está desconcertado, confuso y destrozado porque su esposa le ha abandonado. Es por ese motivo que Fernando decide dar un vuelco completo a su vida: ir a Portugal por un tiempo para desconectar. Allí, una cadena de casualidades le llevan a trabajar de jardinero y conocer a Amalia, persona con la que comparte muchos elementos en común.

No me acabó de convencer su ópera prima, Vasil; me pareció una planificación demasiado forzada y me sentí como desenchufado de la historia que contaba. Sin embargo, en esta —a pesar de alguna laguna narrativa (¿cómo arregla los papeles Fernando si ha suplantado a Manuel?)— traza un guion muy inteligente donde explora las emociones humanas a través de sus dos personajes. Dos personas que tratan de huir de su pasado para encontrarse a sí mismas. 

Me gusta su ritmo sosegado, su pátina reflexiva, pensativa y psicológica que está acompañada por los cálidos paisajes portugueses en contraste con la frialdad del país de origen del protagonista.

En ese sentido, el film guarda mucha humanidad. Es como si nos dijera que no es necesario comprenderlo todo. A veces basta con aceptar y asimilar, y en la medida de lo posible, encontrar nuestro espacio minúsculo de felicidad, como lo son esa quinta portuguesa y las personas que lo habitan.

UNA QUINTA PORTUGUESA. 2025. España. Color. 114 Min.

Dirección: Avelina Prat
Intérpretes: Manolo Solo, Maria de Medeiros, Branka Katic, Ivan Barnev, Rita Cabaço, Luísa Cruz, Bianca Kovacs, Xavi Mira, António Mortágua, Morgan Blasco, Rui Morisson, Pedro Almendra

Guion:  Avelina Prat
Música: Vincent Barrière
Fotografía: Santiago Racaj

(3) ADIÓS, SALVAJES, de Silje Evensmo Jacobsen

Camino propio

El concepto de libertad individual es complejo y está sujeto a muchos condicionantes. Existe una norma cultural que conocemos bien, el estándar que hemos vivido siempre: los primeros pasos y después la escolarización regida por unas reglas que, si bien nos enseñan disciplina, también limitan nuestro desarrollo natural.

Los padres de esta cinta explican: "Asumimos que durante la infancia debemos crecer cultos, civilizados y socializados. Todo esto está muy bien, pero es a costa de nuestra libertad y nuestra alegría. En parte, por eso no quiero que mis hijos crezcan en las instituciones. Puedes ser tú mismo, pero solo si encajas y sigues las normas".

Así, esta familia noruega busca una existencia libre y salvaje, educando a los hijos en casa y llevando una vida alejada de las costumbres habituales. Viven en una granja alquilada en los bosques noruegos, trabajando la tierra, cortando árboles y realizando labores rurales —algunas no muy recomendables para criaturas tan pequeñas—. Se alimentan de lo que la tierra les ofrece y pagan el alquiler gracias al trabajo de fotógrafa de la madre. Su fallecimiento lo cambia todo, y la familia deberá adaptarse a las exigencias de la sociedad contemporánea.

Estamos ante un documental que, además de mostrar los pros y los contras de vivir en un universo propio o bajo las normas de los demás, habla también —a través del duelo de la madre— del vacío y del dolor que deja una figura tan esencial en la infancia y la adolescencia. Hay imágenes de una belleza serena y profundamente poética en torno a la pérdida maternal. A la vez, el filme es didáctico y reflexivo, y anima a debatir la doble tesitura que plantea.

Yo mismo, al verlo, me reconozco: me atraen y me repelen aspectos de ambos lados. Por un lado, considero fundamental el crecimiento libre; por otro, la socialización también es crucial —y divertida— para el desarrollo. Tal vez una combinación, como la que hacía la niña al principio, yendo tres días al colegio, sería el camino. No lo sé…, pero esta obra invita a pensar y a mirar dentro de uno mismo.

Un documental lleno de sensibilidad y con dulzura poética.

A NEW KIND OF WILDERNESS. 2024. Noruega. Color. 84 Min.

Dirección: Silje Evensmo Jacobsen

Intérpretes: Maria Gros Vatne, Nik Payne, Ronja Bede Vatne, Freja Vatne, PayneFalk, Vatne Payne, Ulv Vatne Payne

Guion: Silje Evensmo Jacobsen

Música: Olav Øyehaug & Daniel Norgren

(3) LA SEMILLA DE LA HIGUERA SAGRADA, de Mohammad Rasoulof

Mujer, libertad, vida

Ver esta película es como adentrarse en las puertas de la inseguridad. Nada permite a los protagonistas estar tranquilos ni satisfechos. Esto es lo que le ocurre a la familia del juez de instrucción que nos presenta esta historia: ni el ascenso profesional, ni la mejora económica, ni las buenas perspectivas de futuro laboral logran mejorar la vida de la mujer ni de sus dos hijas adolescentes.

A primera vista, puede parecer inexplicable que, a pesar de seguir un camino hacia el bienestar, este esté lleno de obstáculos constantes. Es precisamente en esta cuestión donde toma forma la denuncia que el director quiere plasmar: una crítica demoledora a un sistema político que priva al pueblo de libertad, especialmente a las mujeres. “Mujer, vida, libertad” es un grito valiente, desesperado y, a la vez, optimista que cuestiona la manera de gobernar del régimen teocrático y patriarcal iraní.

La película indaga de manera punzante en la rebelión contra el sistema, que a su vez se convierte en revuelta familiar. Es absolutamente curioso el paralelismo: la paranoia del régimen se refleja en la locura del padre, mostrando hasta qué punto la sociedad y la cultura pueden condicionar la personalidad y los actos individuales. 

La tensión se percibe en cada fotograma gracias a un guion hábil que entrelaza imágenes reales de las protestas juveniles con la ficción familiar. Es una película que no deja a nadie indiferente.

DANEH ANJEER MOGHADAS. 2024. Alemania. Color. 168 Min.

Dirección: Mohammad Rasoulof

Intérpretes: Missagh Zareh, Setareh Maleki, Niousha Akhshi, Mahsa Rostami, Soheila Golestani, Shiva Ordooie

Guion: Mohammad Rasoulof

Música: Karzan Mahmood

Fotografía: Pouyan Aghababayi

(3) LA HABITACIÓN DE AL LADO, de Pedro Almodovar

La playa de los muertos

Sin dejar de lado la estructura formal, el director manchego firma el trabajo más maduro de su carrera al adentrarse en la reflexión existencial. Conceptos como la muerte que nuestra cultura se empeña en cubrirnos los ojos con una venda, se exponen abiertamente como una parte más de la vida. Es un retrato crudo y desnudo, sostenido por una textura que permanece suspendida en la frontera entre la vida y la muerte, una muerte que Ingrid ya ha aceptado y que es inminente.

Basada en la novela de Sigrid Nunez, What Are You Going Through, el realizador analiza desde una postura entre filosófica y poética el sentido de nuestra existencia.

La visión de las cosas cambia cuando sabemos que, más tarde o más temprano, cruzaremos al otro lado. Nuestra protagonista necesita estar acompañada en el momento de dejar este mundo por la presencia de algún ser querido. Quedan muchos asuntos atrás: la relación con su hija, su carrera profesional, los amores del pasado… Ahora es necesario cerrar todo para poder atravesar la línea.

Es en ese espacio de tiempo —tan duro como bello y humano a la vez— cuando fluye la sinergia entre las dos amigas de juventud. La solidaridad, la empatía y el enriquecimiento mutuo se convierten en pilares fundamentales del desarrollo de su relación.

La habitación de al lado es cine de calidad: profundo, contemplativo y sensato (hermosa la referencia a Joyce). Una lección de vida que sacude nuestro cómodo cerebro, conectada a un imaginario visual tan propio del director y a su diseño tan característico. Cabe destacar también la formidable aportación musical de Alberto Iglesias, que añade tensión a las imágenes, y sobre todo las magistrales interpretaciones del tándem protagonista: Tilda Swinton y Julianne Moore, que dotan al relato de un aire dramático y cotidiano que deja al espectador boquiabierto.

Al ver esta película, me vino a la mente la letra de la canción de Lluís Llach:

“Quan l’onada em durà / a la platja dels morts / serà l’hora potser / de fer l’últim repàs / al grapat de records / que els sentits han robat / a cada un dels instants / que ha durat el camí…”

"Cuando la ola me lleve / a la playa de los muertos / será la hora, quizás, / de hacer el último repaso / al puñado de recuerdos / que los sentidos robaron / a cada uno de los instantes / que ha durado el camino…"

Solo queda disfrutar de la película. Os sorprenderá. Muy recomendable.

LA HABITACIÓN DE AL LADO. 2024. España. Color. 106 Min.

Dirección: Pedro Almodóvar

Intérpretes: Tilda Swinton, Julianne Moore, Alessandro Nivola, John Turturro, Juan Diego Botto, Raúl Arévalo, Melina Matthews, Vicky Luengo, Esther McGregor, Alvise Rigo, Sarah Demeestere, Anh Duong

Guion: Pedro Almodóvar. Novel·la: Sigrid Nunez: What Are You Going Through

Música: Alberto Iglesias

Fotografia: Eduard Grau

(2) GIRLS WILL BE GIRLS, de Shuchi Talati

Contradicciones

El despertar sexual es universal. El problema es que esta universalidad tiene condicionantes que vienen marcados por la sociedad y la época en que se vive. En España, por ejemplo, no sería lo mismo una persona en los años cincuenta que en los años ochenta del siglo pasado.

En este caso, en cambio, nos situamos en la India de los años noventa, un contexto social bastante paternalista y represivo respecto al deseo, especialmente el femenino. Las actitudes machistas se consideran naturales y no son reprobadas, como se ve en la escena en la que los chicos hacen fotos a las chicas mientras suben las escaleras.

Nuestra protagonista, Mira, se encuentra en medio de esta situación. Siente el despertar sexual a través de Sri, un compañero del instituto, y se topa con la oposición de la familia y del internado. Además, se enfrenta al comportamiento desconcertante de Anila, su madre, que limita los encuentros con Sri, pero, inesperadamente, parece mostrar cierta atracción hacia él cuando éste visita su casa.

La película pone sobre el tapete las contradicciones del comportamiento humano. Mira es víctima del entorno paternalista en el que está inmersa, pero, al mismo tiempo, actúa como delegada en el instituto con una actitud inhibidora. Por otro lado, Anila reprende la conducta de su hija con los chicos, pero, de alguna manera, coquetea con el potencial novio.

Y con todo esto se desarrolla un metraje que, si he de ser sincero, me ha dejado un poco insatisfecho en su final. No resto méritos a su análisis y denuncia mencionados, pero parece que la directora no acaba de cerrar del todo la historia. 

En definitiva, se trata de una cinta con aspectos muy interesantes y una buena mirada crítica, pero que queda a medio camino en su resolución.

GIRLS WILL BE GIRLS. 2024. India. Color. 118 Min.

Dirección: Shuchi Talati

Intérpretes: Preeti Panigrahi, Kani Kusruti, Kesav Binoy Kiron, Kajol Chugh, Nandini Verma, Devika Shahani, Akash Pramanik, Aman Desai, Sumit Sharma, Jitin Gulati

Guion: Shuchi Talati

Música: Sneha Khanwalkar, Pierre Oberkampf

Fotografía: Jih-E Peng

(3) MUY LEJOS, de Gerard Oms (2025)

Mirada interior

El comienzo tiene una apariencia sencilla. Se trata de un aficionado ultra del Espanyol que viaja a Utrecht para animar a su equipo. Al día siguiente, sin embargo, Sergio sufre un ataque de ansiedad y engaña a su hermano y a sus compañeros haciéndoles creer que ha perdido el carnet de identidad. Con esta excusa, decide no volver a Barcelona y rompe de raíz cualquier vínculo con su pasado. A partir de ese momento, empieza a malvivir, trabajando en lo que puede y buscando, con esfuerzo, encontrarse a sí mismo y definir su propia identidad.

Lo que más me gusta de su planteamiento es que, detrás de esta forma sencilla de presentar la película, se esconde una gran complejidad que se adentra en el existencialismo de este hooligan.

A través de pensamientos ocultos y reprimidos durante toda una vida, esta historia pone de manifiesto una sociedad hipermasculinizada y el tormento que sufren aquellos obligados a disimular sentimientos y emociones debido a la cultura adquirida.

El caso de Sergio es aún más punzante porque pertenece a una estirpe donde predomina la virilidad y, en contraposición, conceptos psicológicos como la sensibilidad o la reflexión  resultan ajenos e, incluso, prohibidos.

La película nos muestra este viaje personal a través de las diversas vicisitudes que afronta el protagonista: el reverso de la moneda de la inmigración, la amistad, el trabajo, el ocio, el sexo y el amor. Pero, sobre todo, nos invita a una mirada profunda del protagonista hacia sí mismo, una especie de introspección que sacude buena parte de los conceptos aprendidos. Sergio intenta aceptarse tal como es y huye hacia un lugar donde nadie lo conoce, en busca de una libertad íntima. Es fascinante observar la metamorfosis de una persona tan arisca frente a las propias emociones como frente a las ajenas.

En definitiva, una sugerente mirada interior acompañada de paisajes de los Países Bajos que, de forma metafórica, acentúan los contrastes que vive el protagonista.

MUY LEJOS. 2024. España. Color. 118 Min.

Dirección: Gerard Oms

Intérpretes: Mario Casas, David Verdaguer, Ilyass El Ouahdani, Jetty Mathurin, Raúl Prieto, Hanneke van der Paardt, Nausicaa Bonnín, Daniel Medrán, Marcus Klück

Guion: Gerard Oms

Música: Silvia Pérez Cruz

Fotografía: Edu Canet

(3) LA LUZ QUE IMAGINAMOS, de Payal Kapadia (2024)

Metáfora de la cotidianidad

La libertad individual es ese concepto que tanto anhelamos y que, en ocasiones, se ve restringido por factores externos. Como si fuera un espejismo, creemos tocarla, pero se desvanece al acercarnos. Algo tan sencillo y tan normal como elegir pasar la vida con alguien que nos ama se convierte en una tarea espinosa en determinadas sociedades.

En Mumbai, las dos enfermeras Prabha y Anu están marcadas por este estigma. La primera tiene un marido, fruto de un matrimonio pactado en Alemania que apenas da señales de vida. Aunque es consciente de su quimera, sueña con que él regrese y que la relación se transforme en un amor verdadero.

La segunda tiene como novio a un musulmán. Sabe perfectamente que no será aceptado por su familia y se ven de manera clandestina.

Ambas desean ser atrapadas por la luz que les anuncie su felicidad.

Por otra parte, Prabha intenta ayudar a Parvaty, la cocinera del hospital, a luchar contra un especulador que quiere derribar su casa. Ante la imposibilidad del caso, decide dejar el trabajo y volver a su pueblo. Ambas enfermeras viajan con ella para echarle una mano en la mudanza. En ese lugar surgirá la reflexión y la esperanza…

Con una puesta en escena muy poética, la película se apoya en la metáfora de la cotidianeidad: las calles, la oscuridad, los sentimientos internos y el hilo de confianza de que la luz cristalina que imaginan les ofrecerá un mundo mejor. Un interesant film que ilumina los sentidos.

ALL WE IMAGINE AS LIGHT. 2024. Índia. Color. 118 Min.

Dirección: Payal Kapadia

Intérpretes: Kani Kusruti, Divya Prabha, Chhaya Kadam, Hridhu Haroon, Azees Nedumangad, Anand Sami, Lovleen Mishra, Madhu Raja

Guion: Payal Kapadia

Música: Dhritiman Das, Topshe

Fotografía: Ranabir Das

(3) EL BAÑO DEL DIABLO, de Severin Fiala y Veronika Franz (2024)

Eso es cosa del demonio

Los comportamientos que han existido a lo largo de las distintas épocas de la historia resultan más comprensibles si los analizamos y los contextualizamos. En el siglo XVIII ni la ciencia estaba tan avanzada como ahora, ni la igualdad ni los derechos humanos estaban protegidos. Y qué decir de las enfermedades psíquicas. Si alguien actuaba de manera extraña, solo podía ser porque lo hacía a propósito o porque estaba poseído por algún espíritu maligno.

Nuestra protagonista, Agnes, era una víctima fácil de aquellas creencias injustas. Profundamente religiosa y muy sensible, se casa con Wolf, el hombre al que ama. Dispuesta a vivir una vida feliz de esposa, la decepción la atrapa como una mosca en una telaraña: su marido no la corresponde ni psicológica ni sexualmente; vive bajo el techo de una suegra que la menosprecia constantemente; desea ser madre, pero ve su futuro incierto. Tampoco se siente integrada en una comunidad cerrada y patriarcal. Todo aquello que había imaginado se deshace como un helado al sol del verano.

Es entonces cuando llegan la depresión y los pensamientos suicidas. ¿Cómo podía tratarse algo así en aquella época? Difícil solución... 

En aquellos años, había quienes, para conseguir morir, cometían un asesinato con el fin de ser ejecutados. De este modo, después de confesarse y morir “libres de pecado”, esperaban entrar en el cielo. Se creía que los suicidas estaban condenados eternamente. La mayoría de estos casos eran mujeres, y las víctimas, a menudo, niños. Se han documentado más de cuatrocientos solo en las regiones de habla alemana.

Las imágenes transmiten perfectamente la angustia y la oscuridad de la historia, con una escenografía repleta de paisajes boscosos, una fotografía excelente y una música que acompaña cada fotograma con intensidad. El metraje es lento, rudo, oscuro, pero te atrapa a medida que avanza.

Una película dura, pero profundamente interesante.

DES TEUFELS BAD. 2024. Austria. Color. 120 Min.

Dirección: Severin Fiala i Veronika Franz

Intérpretes: Anja Plaschg, David Scheid, Maria Hofstätter, Tim Valerian Alberti, Elias Schützenhofer, Natalija Baranova, Franziska Holzer, Elmar Kurz, Agnes Lampl, Claudia Martini, Camilla Schilia, Annemarie Schwarzenberger, Lukas Walcher

Guion: Severin Fiala i Veronika Franz

Música: Anja Plaschg

Fotografía: Martin Gschlacht

(2) BLACK BOX DIARIES, de Shiori Ito (2024)

Queda mucho trabajo por hacer

Todo el sufrimiento que vive una persona, objeto de una agresión sexual, no se puede describir ni con palabras ni con imágenes. El único consuelo es que este documental ayuda a comprender y a empatizar con las víctimas de esta atrocidad. Y lo consigue porque resulta imposible no conectar con la afectada después del pozo de indefensión e impotencia en el que cae cuando intenta encontrar ayuda y justicia.

Este filme es una denuncia clara que deja al descubierto la fragilidad y el atraso de los mecanismos judiciales y sociales del Japón actual.

El relato es sobrecogedor. Entre los testimonios de las víctimas se intercalan imágenes de archivo y, poco a poco, se va desplegando una verdad ignominiosa. Ante la angustia de la víctima y la indiferencia de las instituciones, el espectador queda conmocionado. Pero, afortunadamente, también hay lugar para la solidaridad, como la del portero del hotel, un auténtico buen samaritano que le dedica unas palabras imborrables: “Estoy dispuesto a hacer cualquier cosa para ayudarla. Puede revelar mi nombre. Nada es comparable al sufrimiento que ha soportado. No me preocupa nada. Adelante, utilice mi nombre.”

Queda todavía mucho trabajo por hacer. No solo en Japón, sino en todo el mundo

BLACK BOX DIARIES. 2024. Japón. Color. 99 Min.

Dirección: Shiori Ito

Intérpretes: Shiori Ito

Guion: Shiori Ito

Música: Mark De Gli Antoni

Fotografía:  Yuta Okamura

(2) NO HABLES CON EXTRAÑOS, de James Watkins (2024)

Excesivamente truculenta

No me gustaría que esta crítica diera la impresión haber visto una producción mala, porque realmente no lo es. Creo que tiene el mérito —nada fàcil, por cierto— de mantener al espectador anclado a la pantalla dentro de una historia perturbadora.

Ahora bien, dicho esto, la película se pierde en clichés ya vistos en el cine, lo que hace que muchas veces la narración resulte predecible. El thriller tiene momentos “Perros de paja” o “El resplandor”, pero, a diferencia de estos filmes, utiliza de manera desacertada el concepto de venganza.

A su favor está el juego de guion en los cambios de escenarios y situaciones, pero su maniqueísmo, con unos personajes algo acartonados, y la violencia gratuita que muestra hacen que se convierta, especialmente en su tramo final, en una sucesión de imágenes excesivamente truculentas.

Para finalizar, conviene puntualizar que Speak No Evil es un remake de la película danesa de 2022 Gæsterne. No he podido ver la original. Espero que, desde un punto de vista cinematográfico, sea más honesta.

SPEAK NO EVIL. 2024. Estados Unidos. Color. 109 Min.

Dirección: James Watkins

Intérpretes: James McAvoy, Aisling Franciosi, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Dan Hough, Alix West Lefler, Motaz Malhees

Guion: James Watkins, Christian Tafdrup, Mads Tafdrup

Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans

Fotografía: Tim Maurice-Jones

(2) BIKERIDERS, LA LEY DEL ASFALTO, de Jeff Nichols (2024)

Motos, chulería y testosterona

Entiendo que ser aficionado a las motos es una forma de vida que puede convertirse en una pasión, de esas sin las cuales no entenderíamos la existencia. Muchos fines de semana me encuentro en la carretera a grupos de motoristas disfrutando del día a su manera. La verdad es que nunca les había prestado mucha atención, ni me había parado a pensar cómo serían sus vidas.

Debo confesar que, en cambio, sí tenía conocimiento de que en los años sesenta y setenta existían bandas de motoristas que circulaban por carreteras, iban a conciertos y, algunas, incluso eran la versión sobre ruedas de bandas organizadas.

Harley Davidson, Hells Angels..., sabía que esto existía y, gracias a esta película, he podido adentrarme en las profundidades del corazón de esta realidad.

Entre 1965 y 1973, el fotógrafo Danny Lyon retrató y entrevistó a los miembros de un club de motoristas del Medio Oeste y escribió un libro con sus experiencias.  Años más tarde, Jeff Nichols coge el testigo y crea esta producción.

En realidad, no puedo decir nada en contra del film, porque tiene su interés, con un cierto poso de Scorsese en lo que respecta a la atmósfera enrarecida y violenta. La planificación, muy acertada, retrata una sociedad misógina en un contexto marginal y, además, está acompañada de una excelente música de la época. Puede que los personajes carezcan de profundidad, pero en conjunto destaca la corrección y el buen oficio.

THE BIKERIDERS. 2024. Estados Unidos. Color. 110 Min.

Dirección: Jeff Nichols

Intérpretes: Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Boyd Holbrook, Norman Reedus, Damon Herriman, Beau Knapp, Karl Glusman, Emory Cohen, Mike Faist, Toby Wallace, Mike Feist

Guion: Jeff Nichols, Novel·la: Danny Lyon

Música: David Wingo

Fotografía: Adam Stone