(4) BAILAR EN LA OSCURIDAD, de Lars Von Trier (2000)

La música como evasión

Tanto en su trama, imágenes, factura técnica como en sus números musicales, Dancer in the Dark, es una bellísima historia de amor abnegado a través de la personalidad de Selma, inmigrante checoeslovaca y madre soltera que trabaja en la fábrica de un pueblo de los Estados Unidos. Con ello intenta reunir el dinero suficiente para pagar la operación de su hijo quien, en un futuro, alcanzará la ceguera, tal y como les ocurre a todos los miembros de su familia. 

Lars von Trier lanza una mirada entre poética; los sueños con la música de Selma, metafórica; las conversaciones post-asesinato con Bill, el policía vecino, y de realidad social; la inmigración y el trabajo en fábrica. Pues bien, todo ese conglomerado es fusionado y armonizado muy inteligentemente para plasmar un guion que, aparte de enganchar al espectador, da buena cuenta de diferentes actitudes del ser humano. Así, contamos con la traición de Bill —víctima de su desesperación y de su cobardía— quien en un primer momento detrás de su galantería y de su rostro bondadoso hace pensar que estamos delante del paradigma del altruismo. Por su parte, Jeff, compañero de fábrica, muestra un tenaz amor incondicional hacia ella. También de la misma empresa, su amiga Kathy, actúa como una especie de ángel de la guarda demostrando una amistad absoluta con su compañera. 

La película realiza un profundo estudio de sus personajes (mostrados subterráneamente en las secuencias musicales), cosa que hace que como espectadores nos sintamos identificados y nos introduzcamos en el interior de cada uno de ellos. También es muy meritoria la innovación fílmica en cuanto al manejo de la cámara, muy propio del realizador danés: sus movimientos, sus encuadres y sus diferentes planos. El film cuenta también con una estupenda banda sonora compuesta por Björk, unos fantásticos números musicales (con la ironía del diálogo de Jeff con Selma acerca de ellos) y una espléndida utilización del color (su protagonista, con el ritmo de las máquinas, entraba en otra dimensión, es entonces cuando el color cambia —aparece, así, como tostado—muy acorde con la situación onírica.) 

Bailar en la oscuridad es una excelente obra que supone un homenaje a la fuerza intrínseca de todas aquellas madres que luchan por sus progenitores, donde, además, ennoblece conceptos valores como la solidaridad y la amistad y, contrariamente, lanza una feroz crítica a la perfidia y a la pena de muerte (que, lamentablemente, todavía se aplica en algunos estados de Norteamérica).

 

DANCER IN THE DARK. 2000. Dinamarca. Color. 140 Min

Dirección: Lars Von Trier

Intérpretes: Björk, Catherine Deneuve, David Morse, Peter Stormare, Joel Grey, Udo Kier, Stellan Skarsgård, Jean-Marc Barr, Cara Seymour, Vincent Paterson, Vladica Kostic, Siobhan Fallon Hogan, Zeljko Ivanek, Jens Albinus

Guion: Lars Von Trier

Música: Björk

Fotografía: Robby Müller

(3) AGUIRRE, LA CÓLERA DE DIOS, de Werner Herzog (1972)

Viaje hacia la locura colonial

Las primeras imágenes de Aguirre, la cólera de Dios, son impactantes. Colonos, exploradores y esclavos van desfilando vía abajo, con muchas dificultades, por las laderas de la cordillera andina transportando comida, materiales y armas de fuego. Todo ello se refuerza a través de la fantástica banda sonora del grupo de krautrock, Popol Vuh, a caballo entre clásica y la electrónica; una combinación de música que produce una extraña sensación en el oyente, quién no sabe muy bien si es de calma o de tensión. Este plano secuencia es una clara declaración de intenciones, un aviso al espectador de que está a punto de adentrarse en una historia angustiosa e inquietante. 

Efectivamente, los acompañantes de Lope de Aguirre, siguiendo las órdenes de Pizarro (desobedecidas después), sufren un auténtico infierno, víctima de sus delirios de grandeza y de su afán por conseguir —más que el oro de El Dorado— el poder y la gloria para pasar a la posteridad como un elemento fundamental en la historia. 

La película realiza una abierta crítica al colonialismo: los colonos cosifican a los indígenas. Los tratan como meros objetos para conseguir sus fines (dinero). Su empresa es saquear y expoliar unas tierras que no les pertenecen pero que creen como suyas porque tienen el poder y piensan que están en posesión de la verdad universal (como Lope de Aguirre, pero institucional) Por otra parte, también el film pone en entredicho a la Iglesia: La máxima autoridad eclesiástica, Gaspar de Carvajal, afirma que siempre estará al lado de los más fuertes (rehusando de esta manera ayudar a Doña Inés ante la inminente ejecución de su marido Pedro de Ursúa). Clarificador también el silencio del fraile cuando, ante su observación de que la misión más importante en el nuevo mundo de la Corona Española es trasladar la palabra de Dios, el Emperador le inquiere si prefiere el oro o evangelizar a los indígenas. 

Lope de Aguirre con su actitud propia de un orate (el súmmum es cuando quiere casarse su hija para crear una dinastía pura), infunde miedo y, una vez al mando de la expedición, se enfrenta a la Corona creando un universo paralelo, una especie de quimera quijotiana, que le guiará a la (auto)destrucción. Aguirre, la cólera de Dios, contiene bellas imágenes, unos diálogos escuetos pero contundentes y, además, podemos observar matices y detalles muy sutiles para ser analizados en relación al desarrollo de la trama. La película, además, cuenta con unas buenas interpretaciones, especialmente Klaus Kinski (aunque siendo sincero cuesta asimilar un Lope de Aguirre con tales rasgos germánicos).

 

AGUIRRE DER ZORN GOTTES. 1972. RFA. Color. 94 Min

Dirección: Werner Herzog

Intérpretes: Klaus Kinski, Helena Rojo, Del Negro, Ruy Guerra, Peter Berling, Cecilia Rivera, Daniel Ades, Edward Roland, Alejandro Repullés

Guion: Werner Herzog

Música: Popol Vuh

Fotografía: Thomas Mauch

(3) EL ÁRBOL DE LOS ZUECOS, de Ermanno Olmi (1978)

Explotación humana

A modo de falso documental Emmano Olmi realiza un retrato rural donde, de manera minuciosa, narra la cotidianeidad de una comunidad campesina de finales de siglo XIX. Según la costumbre lombarda de esa época, varias familias convivían a merced de un patrón, al cual se debían con su trabajo en el cultivo de las tierras y el cuidado de los animales. Sin libertad individual ni colectiva, pasaban —injustamente— de encargarse de la explotación de las tierras a ser explotados y estar a merced de los caprichos de unos amos despojados de cualquier atisbo de humanidad. 

El realizador italiano no da ninguna concesión a la comercialidad, todo lo contrario; su intención es contar cómo era la vida de los campesinos, sus relaciones, sus penurias y sus sueños (de hecho, los actores son no profesionales y utilizan el idioma lombardo). Los zuecos del árbol cortado son una declaración de amor eterna de un padre hacía sus hijos, un abrazo a la naturaleza humana que contrasta con la tosca, burda y repugnante cosificación patronal. Al final, la crudeza es de una magnitud ignominiosa. Así, una familia entera— con bebés incluidos —tienen que abandonar la casa para quedarse sin nada. Los demás miembros de la comunidad se quedan impotentes, atónitos y sin poder ayudarles ni solidarizarse por miedo a perderlo todo. 

En una entrevista, Olmi, comentó: “Yo quiero contar historias de gente que, para los que hacen la Historia, son “sin historia”: empleados, obreros, contratistas, todos aquellos que casi nunca son presentados como protagonistas”. Este interesante y valiente film es una buena muestra de ello.

 

L'ALBERO DEGLI ZOCCOLI. 1978. Italia. Color. 175 Min

Dirección: Ermanno Olmi

Intérpretes: Luigi Ornaghi, Francesca Moriggi, Omar Brignoli, Antonio Ferrari, Teresa Brescianini, Giuseppe Brignoli, Carlo Rota, Pasqualina Brolis, Massimo Fratus, Francesca Villa

Guion: Ermanno Olmi

Música: Johann Sebastian Bach

Fotografía: Ermanno Olmi

(2) CERDITA, de Carlota Pereda (2022)

Preguntas mejor que respuestas

Antes de hablar sobre esta película es imposible no hacer referencia al corto en el que se basa. La primera experiencia fue un metraje de quince minutos en el que se condensaba una enérgica y fulminante crítica al acoso escolar (conocido con la palabra inglesa bullying). Una historia cruel que evidenciaba la falta de humanidad por parte de aquellos que ejecutaban este tipo de acciones, con un maltrato psicológico sistemático y continuado que mermaba la personalidad de la víctima. Esta denuncia, por extensión, abrazaba a todos aquellos aspectos que facilitaban su propagación: el sistema educativo, la connivencia de las compañeras y compañeros de los acosadores y las políticas de las instituciones del estado. La cinta, realizada con un ritmo y planificación precisa, tenía la virtud de sugerir y, además, forzaba al espectador a hacerse preguntas. Por eso, ese cuarto de hora, hacía concienciar de un gran problema a la sociedad, un asunto que era (y es) como un elefante en la habitación: nadie quería, ni quiere, afrontarlo. 

Pues bien, en el largometraje, toda esa propuesta —junto con esa apetencia que como espectador nunca quieres saciar— se desvanece paulatinamente en cada secuencia. Aunque el espíritu y la esencia es la misma, creo que uno de sus mayores errores es dar respuesta a todo porque se añaden unos elementos —una mezcla entre el thriller y el slasher— que dan la impresión de no ser necesarios. Sí que es verdad que esconde una historia de amor (entre el psicópata y la protagonista), y refleja el acoso, la gordofobia y una relación parental que aviva más ese fuego que amenaza a los afectados. Y por esto último, hay que decir que a pesar de ser una obra que arrastra las virtudes del corto primigenio y que tiene aspectos interesantes, a algunos nos ha dejado con la pregunta interna de "¿para qué saber más?". Al final queda una sensación agridulce. Y es que lo que se sugiere siempre vence lo que se evidencia.

 

CERDITA. 2022. España. Color. 99 Min

Dirección: Carlota Pereda

Intérpretes: Laura Galán, Richard Holmes, Carmen Machi, José Pastor, Claudia Salas, Irene Ferreiro, Camille Aguilar, Pilar Castro, Chema del Barco, Fernando Delgado-Hierro, Fred Tatien, Amets Otxoa, Stéphanie Magnin

Guion: Carlota Pereda

Música: Olivier Arson

Fotografía: Rita Noriega

(2) LA NUEVA ESCUELA, de Ventura Durall (2020)

Transformación del sistema educativo

Interesante documental, una invitación a la reflexión a través de la propuesta de cambio del sistema educativo traducida en una transformación social y cultural. Hasta la actualida, ha habido una gran cantidad de generaciones perdidas debido a una cruel castración de sus potencialidades. Como bien expresa el documental, ya es hora de formar a los alumnos motivándoles a pensar, a ser críticos y a cuestionarse todo: aprender a aprender y aplicar las materias en la realidad social. 

A base de entrevistas y de situaciones del proyecto, este documental es una esperanza ilusionante en la conformación de un mundo mejor. Luchemos por ello y que pronto se consiga. 

 

LA NOVA ESCOLA. 2020. España. Color. 85 Min.

Dirección: Ventura Durall

Guion: Ventura Durall

(4) NOCHE Y NIEBLA, de Alain Resnais (1956)

La síntesis de la macabra barbarie nazi

El odio, el desprecio, la indiferencia, la explotación y la instrumentalización del ser humano. Personas como objetos. Los habitantes del planeta tierra somos capaces de cometer barbaries y atrocidades, pero también somos diestros a la hora de maquillar dichos actos con comportamientos normales cara a la galería. El nazismo fue una patología en sí, una forma de pensar enferma y malévola cuya terrorífica sombra la están avivando en la actualidad grupos ultraderechistas en diferentes países europeos. La especie humana nunca aprende y suele repetir sus errores. 

Alan Resnais a través de imágenes de archivo y de montajes de fotografías narra muy hábilmente la crueldad y el salvajismo perpetrado por la Alemania del tercer Reich en los campos de exterminio nazi. En apenas media hora el espectador tomará conciencia de la humillación y el sufrimiento que padecieron personas normales e inocentes que tenían que morir por el simple hecho de ser judíos, romaníes, discapacitados, polacos, disidentes políticos u homosexuales. La noche y la niebla —dos elementos característicos en el momento de llegar a los campos de concentración— se cernían indefectiblemente en su fuero interno para transformarse en angustia, pavor y desesperanza. 

Este magistral y didáctico documento del realizador francés —además de ser una obra desnuda, contundente y sin concesiones pues muestra todo el legado de tal paranoia ideológica—es un trabajo que invita a la reflexión. ¿Quién es el responsable? —pregunta la voz en off— después que un Capo y un alto mando de las SS afirman en el juicio que no tuvieron nada que ver y que obedecía órdenes—. Es evidente que hubo responsables directos, sin embargo, la connivencia de los presuntos demócratas actúa como soporte para alentar este tipo de ideología racista. Que la atemporalidad de este documental sirva para frenar errores lamentables venideros.   

 

NUIT ET BROUILLARD. 1956. Francia. Blanco y negro. 32 Min.

Dirección: Alan Resnais

Guion: Jean Cayrol

Música: Hanns Eisler

Fotografía: Ghislain Cloquet, Sacha Vierny

(3) LA BATALLA DE ARGEL, de Gillo Pontecorvo (1966)

Los peligros del imperialismo

La Batalla de Argel además de ser un trabajo muy didáctico, debido al hecho de mostrar la realidad convulsa de la guerra de la independencia de Argelia, es una interesante reflexión sobre el colonialismo. Indígenas que ven como su cultura e idiosincrasia es fagocitada y consumida por un imperialismo feroz agresivo y explotador. Por ello, el pueblo tiene que defenderse y es ahí cuando Pontecorvo —sin ningún atisbo de enjuiciamiento— refleja los diferentes ataques y contrataques del opresor y del oprimido. Como resultado, los daños colaterales son diversos entre los que sobresale la vida de víctimas inocentes. 

Realizada en blanco y negro, a veces a modo de documental, la película narra los hechos que originaron el FNL (Frente de Liberación Nacional) y como el ejército francés se las vio y deseó para desarmar a un grupo y a un pueblo dispuesto a todo para conseguir su independencia. No faltan tampoco la crítica y la denuncia a este sistema político y económico a través de los métodos expeditivos de tortura que utilizaba su ejército (con sus paramilitares, también), para interrogar y aniquilar (si era necesario) a todo aquel argelino que estuviera de parte de este movimiento revolucionario. 

El film se adentra en la personalidad de Ali la Pointe, el protagonista, quien pasa de ser un delincuente a tomar conciencia de la realidad de su país tras ser testigo de la ejecución de un preso vinculado con el nacionalismo argelino. Su evolución y su metamorfosis nos servirá para entender la compleja situación en la que se sumerge, y para aprender, analizar y reflexionar acerca de los peligros que conlleva el imperialismo colonial y las fuerzas de ocupación ajenas a un país. Debe verse.

 

LA BATTAGLIA DI ALGERI. 1966. Italia. Blanco y negro. 120 Min

Dirección: Gillo Pontecorvo

Intérpretes: Brahim Hadjadi, Jean Martin, Yacef Saadi, Samia Kerbash, Ugo Paletti, Fusia El Kader

Guion: Franco Salinas, Gillo Pontecorvo

Música: Ennio Morricone, Gillo Pontecorvo

Fotografía: Marcello Gatti