(3) FAUSTO, de F.W. Murnau (1926)

 Imaginería reflexiva

A través de una imaginería prodigiosa y abordando conceptos tanto mundanos cómo filosóficos, Murnau se adentra en el mito de Fausto. En ésta obra, última filmada en Alemania para dar paso a su periplo americano —que comenzó con la fantástica Sunrise: A Song of Two Humans— el director alemán continúa dando lecciones fílmicas con una escenografía rebosante de expresionismo. Basándose en el texto de Goethe, la cinta relanza en cada secuencia todas aquellas sempiternas reflexiones que el ser humano se plantea a lo largo de su existencia. 

De esta manera, temas como la finitud de la vida, la pérdida de la juventud o el hedonismo en contante pugna con el aburrimiento servicial a los condicionantes socioculturales, son mostrados con el objeto de entreverarse con diversos aspectos que completan el film. Así, comprobamos cómo de lo terrorífico (los constantes juegos de cámara, luces y sombras y vestuario), podemos pasar a lo cómico (el flirteo de tía Marta con el Diablo) hasta llegar a lo más trágico y cruel (la muerte de congelación del bebé y la condena a la hoguera de la madre). 

En definitiva, una película muy completa, técnicamente impecable e innovadora (hay que recordar que fue rodada en 1926).  

FAUST . 1926. Alemania. Blanco y Negro. Muda

Dirección: F.W. Murnau

Intérpretes: Emil Jannings, Gösta Ekman, Camilla Horn, William Dieterle, Yvette Guilbert, Frida Richard, Eric Barclay, Hanna Ralph, Werner Fuetterer, Hans Brausewetter

Guión: Hans Kyser (Novela: Johann Wolfgang Von Goehte)

Fotografia: Carl Hoffmann

Críticas de F.W. Murnau:
Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans (1927) 

(3) SIN RETORNO, de Miguel Cohan (2010)

La ética al servicio de la vida

El punto de partida de Sin retorno es una propuesta que contiene un espinoso planteamiento moral: ¿Qué haríamos nosotros, como padres, si nuestro hijo atropellara a otra persona y este hubiera ocultado tal suceso? Seguramente, en primera instancia, elegiríamos la opción más aparentemente sensata como es la de denunciar el hecho a la policía. Sin embargo, en la vida, los episodios que acaecen no suelen ser tan sencillos y a veces la dualidad corazón-mente puede entrar en un conflicto difícil de resolver.

Federico Samaniego y Víctor Marchetti son las dos víctimas de la trama (exceptuando al hijo de Víctor y su fatal desenlace). El primero será el falso culpable y el segundo se encontrará desamparado ante la falta de resultados por parte de la acción policial. Ambos serán los que moverán los hilos de la investigación de manera separada en el espacio y en el tiempo; Víctor para descubrir el autor del fallecimiento de su hijo y Federico —una vez liberado de la prisión y con el afán de encontrar una reparación ante su injusticia— para encontrar al verdadero responsable de la muerte.

El film cuenta con un inteligente guion cuyas historias paralelas que se van acercando y entremezclando hasta llegar a la confrontación final. Su final abierto es muy interesante al hacernos reflexionar acerca de los sentimientos de culpa y la responsabilidad unida al deber, a la obligación y a la ética. Y es que cada acto que realizamos en la vida tiene sus consecuencias, sin vuelta de hoja y sin retorno a su punto de inicio.

SIN RETORNO . 2010. Arg. Color.
Dirección: Miguel Cohan
Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Federico Luppi, Martín Slipak, Luis Machín, Bárbara Goenaga, Ana Celentano
Guión: Miguel Cohan, Ana Cohan
Música: Lucio Godoy
Fotografia: Hugo Colace

(2) MOTÖRHEAD "ACE OF SPADES" (1980)

Un compendio de trallazos a espuertas conducidos por la grave voz de Lemmy conforma el cuarto disco de esta banda británica. He de confesar que los Motörhead no entran dentro de mis intocables, no obstante, es de justicia reconocer su determinación a la hora de proponer una pionera intensidad y contundencia en sus temas que van desfilando sin tregua con una gran vehemencia. 

A destacar su hit homónimo y la magnífica “The Chase is Better Than The Catch”.

Canciones destacadas en el disco (clicar para escuchar): 
Ace of Spades
The Chase is Better Than The Catch

Para escuchar el disco completo:

Motörhead "Ace of Spades" (1980)

(3) CLÈO DE 5 À 7, de Àgnes Varda (1962)

  Espera infinita

Imaginemos un momento determinado de nuestra vida donde la ansiedad y la angustia se apoderan de nosotros. Un espacio de tiempo en el que todo aquello que hemos confeccionado a lo largo de los años tal vez se desmorone a causa de una posible fatídica enfermedad. Este contratiempo psicofisiológico dará paso a una espera agónica, eterna e infinita hasta conocer el resultado de las pruebas. Pero, además, la dureza de esta amarga experiencia se duplicará porque se da la circunstancia que ha ocurrido en el momento más dulce de nuestra existencia: la juventud. A partir de ahí comenzarán a fluir preocupaciones, miedos, pensamientos especulativos y reflexiones metafísicas. 

Agnès Varda con ese lenguaje fílmico innovador de la nouvelle vague plasma de manera sugestiva tal maremágnum emocional a través de hora y media de filmación, con tiempo real y fragmentado en pequeños capítulos a modo de falso documental. 

La película medita y considera conceptos como la vulnerabilidad humana, la finitud de la vida, la solidaridad, el hedonismo y el aprovechamiento al máximo de cada momento vital. Su realizadora nos hace partícipes de todo el acontecer en un momento concreto de la historia de Cleo. A causa de ello seremos como sus ojos y su mente: por delante de nosotros desfilarán los pensamientos de los demás, el contexto social y las preocupaciones de la ciudadanía (la guerra de Argel) lo que supone una sugestiva relación bidireccional entre espectador y film.

CLÉO DE 5 À 7 . 1962. Fra. Blanco y negro.
Dirección: Àgnes Varda
Intérpretes: Corinne Marchand, Antoine Bourseiller, Dorothée Blanck, Michel Legrand, Dominique Davray, José Luis de Vilallonga, Loye Payen, Jean-Luc Godard, Anna Karina, Eddie Constantine, Jean-Claude Brialy, Sami Frey
Guión: Àgnes Varda
Música: Michelle Legrand
Fotografia: Jean Rabier

(3) COCO, de Lee Unrick y Adrián Molina (2017)

   

Aceptamos muerte (como animal de compañia)

Existen grandes diferencias interculturales en cuanto a la visión de la muerte. En nuestra sociedad supone un tabú que se intenta alejar de nuestra cotidianeidad. Algo así como si llevásemos una venda en los ojos para ignorar cualquier conocimiento acerca del fin de la vida. 

Frente al prisma peyorativo de aparición y representación de los muertos en nuestra pusilánime cultura, encontramos El Día de los Muertos que marca el calendario mexicano. En esa fecha se celebran las memorias que los difuntos han dejado entre los vivos. Los seres queridos regresan a la fiesta de la vida siendo posible brindar de nuevo con ellos y agasajarlos con sus bebidas preferidas. Porque realmente…, ¿quién se acordará de nosotros dentro de doscientos años? Fenecemos físicamente y luego nuestro recuerdo vaga por las mentes de las personas con las que tuvimos relación e hicimos mella en nuestro corto periplo vital. Sin embargo, esa memoria —tal como muestra la película— tendrá un límite y se extinguirá, de hecho, será la segunda vez que fallezcamos y, por ende, la definitiva. 

¿Por qué nos han inoculado a lo largo de nuestra existencia que todo aquello que pueda proceder del más allá tiene que ser maléfico? ¿Por qué ese interés desmesurado en desnaturalizar la muerte? ¿No sería mejor una continuación de la vida a través de la memoria de los seres queridos que nos han dejado? 

Coco muestra muy bien toda la energía positiva —que podemos canalizar y emanar— como muestra de homenaje hacia esas personas que nos dejaron pero que, sin embargo, continuarán perviviendo en nuestro interior.
Cabe destacar, por último, su perfecta animación que conjuga momentos cómicos, sumamente divertidos, con reflexiones profundas —muy inteligente ese mundo paralelo— acerca de la desmitificación de la muerte. 

COCO 2017. USA. Color. 
Dirección: Lee Unrick y Adrián Molina
Intérpretes: Personajes de animación
Guión: Adrián Molina, Matthew Aldrich (Historia original: Lee Unrich, Jason Katz, Adrián Molina, Matthew Aldrich
Fotografia: Matt Aspurby, Danielle Feinberg
Musica: Michael Giacchino

(2) CAMPEONES, de Javier Fesser (2018)

  

Gestionando nuestros miedos

Hay dos vertientes muy interesantes que destacaría en esta película. En primer lugar, el proceso de cambio intrínseco por el que atraviesa su protagonista, quien pasa de una situación de crisis personal a aprender de un colectivo de gente que en un principio le eran indiferentes. En segundo lugar, la lección de vida que nos ofrece su director a través de unos protagonistas que nos demuestran otra manera muy diferente de enfocar la vida. Es algo como una vuelta de tuerca; al final el aprendizaje es de Marco y no de los discapacitados. 

Álvaro Pastor y Antonio Naharo hicieron en Yo también (2009) un interesante tratamiento al respecto. Campeones, aunque alejada de la calidad de aquella, logra transmitir su mensaje por medio de situaciones cómicas y emotivas muy bien conseguidas. Si bien le podríamos reprochar algún momentos previsibles y tendentes a la sensiblería, aunque en conjunto no entorpece el resultado final de un film didáctico que se deja ver con agrado.

 
CAMPEONES 2018. Esp. Color. 
Dirección: Javier Fesser
Intérpretes: Javier Gutiérrez, Juan Margallo, Luisa Gavasa, Jesús Vidal, Daniel Freire, Athenea Mata, Roberto Chinchilla, Alberto Nieto Ferrández, Gloria Ramos, Itziar Castro
Guión: David Marqués, Javier Fesser
Fotografia: Chechu Graf 
Musica: Rafael Arnau

(3) LA VÍA LÁCTEA, de Luis Buñuel (1969)

  

El dogma en tela de juicio

La Vía Láctea es un fresco surreal, propio de la idiosincrasia del director aragonés, repleto de personajes extravagantes y de conductas alejadas de lo convencional. El film despoja y pone en evidencia el dogmatismo religioso a través de una historia de peregrinaje donde el fanatismo y la hipocresía —prostituta en sustitución de El Camino— acallan todos los valores, presuntamente bienintencionados, que desprenden este tipo de creencias.
Una obra subversiva, satírica, con absoluta libertad narrativa acompañada de su constante humor corrosivo ejemplificado en la frase de un personaje del film “El odio de la ciencia y el horror de la tecnología me llevarán a la absurda creencia en Dios”.

 
LA VOIE LACTÉE 1969. Fra. Color. 
Dirección: Luis Buñuel
Intérpretes: Paul Frankeur, Laurent Terzieff, Alain Cuny, Edith Scob, Bernard Verley, Michel Piccoli, PIerre Clémenti, Delphine Seyrig
Guión: Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière
Fotografia: Christian Matras

Críticas de Luis Buñuel (clicar en este mismo enlace para leer las críticas):
Los Olvidados (1950), Las Aventuras de Robinson Crusoe (1954), El Río y la Muerte (1955), Tristana (1970), El Fantasma de la Libertad (1974)