(3) EDIPO REY, de Pier Paolo Pasolini (1967)

  El abismo interior

Interesante recreación sobre el mito clásico de Edipo donde el director italiano impregna su huella personal en cada una de sus atrayentes secuencias. La concepciones filosóficas y psicoanalíticas —que surgieron después de esta historia de la mitología griega de Sófocles— nos conducen a cautivadoras reflexiones acerca de la influencia de nuestros progenitores en nuestra existencia. Así, cuestiones que se plantean los seres humanos como el sentimiento de culpabilidad (Edipo no hizo, en un principio, más que nacer), la querencia hacia lo maternal, el tabú del incesto y la connotación de la frase “matar al padre” son entrelazadas muy inteligentemente por Pasolini a través de épocas distintas para plantear de manera sutil las teorías de Freud. 

La película presenta las significaciones de nuestros comportamientos influenciados por nuestra relación paterno-filial, aspectos que son traducidos por el realizador muy acertadamente a través de la tormentosa vida del protagonista (en mi opinión, muy bien interpretado por Franco Citti, a pesar de las críticas que recibió). 

Hay que destacar el magnetismo que destila Silvana Mangano: absolutamente apabullante, siendo capaz de transmitir multitud de emociones con sus expresiones faciales y su sugestiva mirada (asombrosa la escena después de amamantar a su bebé, en un primer plano donde ve pasar su aciago futuro). 

En definitiva, un film directo y descarnado, propio de su estilo, dotado de un inquietante halo tenso que, junto a la banda sonora de Mozart, Bach y melodías populares de diferentes países (Marruecos, Japón…), conforman una excelente revisión del mito.

EDIPO RE. 1967. Italia. Color. 104 Min.

Dirección: Pier Paolo Pasollini

Intérpretes: Franco Citti, Silvana Mangano, Alida Valli, Carmelo Bene, Julian Beck, Luciano Bartoli

Guion: Pier Paolo Pasollini. Obra: Sofocles

Música: Mozart, Beethoven, Masaru Sato

Fotografía: Giuseppe Ruzzolini

 

Críticas de Pier Paolo Pasolini (clicar en este enlace)

(3) APARAJITO (EL INVENCIBLE) (1956), de Satyajit Ray

Apu y el conocimiento

La familia debe marchar desde el pueblo a la ciudad de Benarés con el fin de encontrar nuevas oportunidades. A través de los ojos de Apu, aparecen estímulos que le harán comprender la posibilidad de otras maneras de vivir y de nuevos objetivos a alcanzar. Si en Pather Panchali era el tren, ahora es la escuela: sinónimo de libertad y de conocimiento. Sin embargo, la vida continúa; su padre de sacerdote y su madre luchando por sacar adelante la familia junto con la educación de sus hijos. Y como la vida, las cosas suceden: las sombras, las luces, las alegrías, las penas, la esperanza, la decepción … Apu, de esta manera, deberá asimilar las vicisitudes vitales y los caprichos del azar en un contexto concreto donde la muerte y la vida se superponen. 

Satiajyt Ray utilizta los mismos registros técnicos con una bella fotografía y unos sugestivos planos generales con el fin de enfatizar la recurrente contraposición entre la urbanidad y la ruralidad de la que intenta escapar. El tránsito del microcosmos de su infancia a la socialización y el conocimiento serán su meta y su acicate. Espléndido film.

APARAJITO. 1956. India. Blanco y Negro. 105 Min.

Dirección: Satyajit Ray

Intérpretes: Kanu Bannerjee, Karuna Bannerjee, Pinaki Sengupta, Ramani Sengupta, Smaran Ghosal, Santi Gupta, Ranibala, Sudipta Roy, Charuprakash Ghosh

Guion: Satyajit Ray. Novel·la: Bibhutibhushan Bandyopadhyay

Música: Ravi Shankar

Fotografía: Subatra Mitra

(3) CUANDO HALLY ENCONTRÓ A SALLY, de Rob Reiner (1989)

Amistad, sexo y amor

La  amistad entre dos personas de sexo opuesto como es el caso de la película (o también, con independencia del género, como puede ser en otras circunstancias) que sienten una atracción mutua o unilateral no es imposible, pero a veces sí que es complicada. Es algo que se piensa, pero no suele hablarse. Sin embargo, dentro del peligro que puede implicar, nunca debería renunciarse a la enriquecedora experiencia de contar con amistades con diversidad de género y de pensamiento. Sin embargo, el riesgo —bendito y bonito riesgo— siempre estarà presente. 

La cuestión que plantea esta obra es muy interesante. Seguro que todo aquel espectador que la haya visionado le habrá hecho reflexionar. Pues bien, jugando con esa premisa el director crea una comedia trufada de romanticismo, pero que al mismo tiempo contiene consideraciones profundas sobre las interrelaciones humanas. Este filme tiene la virtud de no ser una comedia romántica al uso. Más bien al contrario, su guion y su puesta en escena no caen en sentimentalismos fáciles, sino que —pese a su final, inexorablemente, feliz— mantiene unas situaciones y unos diálogos muy inteligentes y bien trabajados. 

Con un tono predominantemente americano —espacios, ambientes, música de swing y de jazz— When Harry Met Sally es una película con un cariz peculiar por todos los elementos que la componen, especialmente por su guion y por la química de la pareja actoral.

 

WHEN HARRY MET SALLY. 1989. Estados Unidos. Color. 96 Min

Dirección: Rob Reiner

Intérpretes: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby, Steven Ford, Lisa Jane Persky, Michelle Nicastro, Connie Sawyer

Guion: Nora Ephron

Música: Marc Shaiman

Fotografía: Barry Sonnenfeld

(2) TRAIDOR EN EL INFIERNO (STALAG 17), de Billy Wilder (1953)

Resultados parciales

Esta película es una adaptación de una obra de teatro sobre la historia de un grupo de aviadores americanos que se encuentran en el barracón (Stalag) 17 de un campo de prisioneros alemán. En los Stalags podían estar internados —de acuerdo con la Convención de Ginebra de 1929— solo los prisioneros de guerra, nunca civiles. 

En el film, cada vez que los prisioneros intentaban una fuga o alguna práctica clandestina eran inmediatamente descubiertos, llegando a la conclusión que uno de ellos era un traidor. A partir de ello, empieza un juego psicológico muy interesante por averiguar quien era el delator. No les fue difícil llegar a la conclusión que era Sefton, un hombre impasible y cínico que trapicheaba con los soldados alemanes. 

Como decía, esta es la parte más sugestiva de la película porque de alguna manera nos transmite la tensión y el dolor emocional que estaban sufriendo los prisioneros. Sin embargo, la obra también opta por introducir elementos de comicidad que si bien, tienen su punto diversión (con diálogos agudos y desenfadados) le quitan un poco de credibilidad a la historia. Hay veces que es complicado conjugar ambos géneros y más en este tipo de cuestiones tan delicadas y duras. Esta vez, no acabó de funcionar .

 

STALAG 17. 1953. Estados Unidos. Blanco y negro. 120 Min

Dirección: Billy Wilder

Intérpretes: William Holden, Don Taylor, Otto Preminger, Robert Strauss, Harvey Lembeck, Richard Erdman, Peter Graves, Neville Brand, Sig Ruman, Gil Stratton, William Pierson, Peter Baldwin

Guion: Billy Wilder, Edwin Blum. Teatro: Donald Bevan, Edmund Trzcinski

Música: Franz Waxman

Fotografía: Ernest Laszlo