sábado, 8 de diciembre de 2018

(2) BOHEMIAN RHAPSODY, de Bryan Singer (2018)

 
La sinergia en la creación musical 
Es difícil ser objetivo en el análisis de un film cuando todo lo que ocurre en las imágenes forma, de alguna manera, parte de ti. Si has sido un seguidor de esta formación, si conoces al dedillo su discografía, si cada tema que escuchas pertenece a la banda sonora de tu vida o si revives tu adolescencia a través de su música; muy mala tiene que ser la película para que no vibres al verla. 
He de reconocer que cuando apareció el tráiler no me dio buenas sensaciones. Solo veía a meros imitadores y tenía el presentimiento de que iba a ser un insoportable melodrama plañidero. No obstante, la obra tiene sus aspectos de interés centrados, especialmente, en los problemas emocionales y miedos de su protagonista; su vulnerabilidad como ser humano a pesar de su simbólica deidad ("Ven a verme cuando sepas quien eres", frase crucial que le espeta el camarero al final de la fiesta). 
El film embute, sin embargo, demasiado contenido en la narración —radiografía la evolución del grupo desde sus inicios y lo combina con una especie de biopic del cantante— cosa que afecta negativamente el resultado final. Asimismo, se echa en falta una profundización en la formación musical de Mercury y una indagación más completa en la psicología de los personajes ya que algunas relaciones aparecen como muy esquemáticas. Por otra parte, es inevitable que después de las constantes elipsis, el espectador más avezado en el conocimiento de la banda, advierta algún que otro gazapo (¿la creación de "We Will Rock You" con Freddy con el pelo corto?). 
De cualquier modo, la película está realizada con una gran factura y muy bien interpretada. Contiene, igualmente, acertados apuntes en cuanto a la idiosincrasia de Queen, grupo que no podría existir sin la participación de cada integrante; los cuatro son magníficos compositores que han aportado innumerables hits a la banda (de ahí que el magnate de la discográfica —aunque también por motivos financieros—, plantee la excelente “You’re my best friend” de John Deacon en vez de “Bohemian Rhapsody”). Tenían un líder visible, pero todos eran conscientes que la participación de cada uno era crucial para el buen funcionamiento del conjunto. Además, el hundimiento personal de Freddy Mercury en su periplo en solitario —que también lo fue en lo musical (menudo truño Mr. Bad Guy)— se plasma perfectamente en la historia hasta llegar al emotivo Live Aid
Queen fue una gran banda, especialmente hasta 1980 (The Game), luego fueron decayendo. A través de su larga trayectoria han aportado un gran puñado de buenas canciones y discos. De vez en cuando aparece una fiebre enfermiza por la banda quemando parte de su repertorio (casos como “We are the Champions" o “We Will Rock you”). Me dolería que ahora, aprovechando el tirón de esta cinta o de sus anteriores musicales, se explotara hasta la saciedad la imagen icónica de Freddy Mercury (tal y como hicieron con la figura de Che Guevara) o que una pieza tan asombrosa y clasicista como Bohemians Rapsody deviniera en una suerte de “música de Mercadona”. 
Por último, una cuestión relacionada con el comportamiento de los espectadores en las salas de cine. Existe la mala costumbre de no esperarse hasta la finalización de los títulos de crédito. Esta vez, además de dichos títulos, teníamos imágenes impagables de un concierto de Queen en su época de esplendor. Si no lo quieres ver, lárgate, pero, por favor, no te quedes como una estatua poniéndote el abrigo y molestando a los demás.

BOHEMIAN RHAPSODY. 2018. USA. Color. 
Dirección: Bryan Singer
Intérpretes: Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton, Aidan Gillen, Tom Hollander, Mike Myers, Alien Leech, Aaron McCusker, Jess Radomska, Max Bennet, Michelle Duncan
Guión: Anthony McCarten (HIstoria: Anthony McCarten, Peter Morgan)
Fotografía: Newton Thomas Sigel

Música: John Ottman (Canciones Queen)

jueves, 6 de diciembre de 2018

(3) INCIERTA GLORIA, de Agustí Villaronga (2017)

 
Fantástica Núria Prims
Contextualizada en el Frente de Aragón, año 1937 en plena guerra civil, los dos bandos, nacionales y republicanos, están divididos por una fina línea de manera que los días descritos transcurren con relativa tranquilidad en un puesto temporalmente inactivo. Sin embargo, en Barcelona la vida es complicada ante tanto asedio y amenazas de ataques aéreos. 
La batalla de la película no es la que se produce en el frente sino la que establece entre la relación a cuatro bandas que existe entre los personajes de Carlana, Lluís, Soleràs y Trini
Los episodios de Incierta gloria se ciernen sobre la figura omnipotente de Carlana con dos hijos y viuda del cacique local. Mujer marcada, tanto física como psicológicamente, desde pequeña fue víctima de los abusos de su padre y posteriormente estigmatizada por la sociedad. Ante la muerte de su marido por parte de los republicanos, empieza su guerra particular; para ello utiliza los recursos psicológicos de que dispone para poder llegar a ser la mujer más influyente de la comarca. Su magnetismo e inteligencia para manejar todos los hilos que suceden a su alrededor serán la fuerza central del film. 
Por su parte, Lluís, joven oficial republicano, con su pareja e hijo en Barcelona, quedará prendado por la fuerza de atracción que desprende la enigmática viuda. Su obsesión por poseerla le llevará a cumplir lo que ella desea como es el fraude para realizar un certificado de matrimonio (con el objeto de conseguir la casa del cacique).  
Soleràs su amigo, oficial bajado de categorías por sus constantes huidas, vive enamorado de Trini, la mujer de Lluís y es él quien se juega el tipo viajando a Barcelona para llevarle comida a ella y a su hijo Ramonet. Su compañero lo alertará acerca del peligro que entraña la que él llamaba “la mujer araña”. A partir de ahí, empezarán a fluir y desencadenarse un maremágnum de pasiones, instintos, traiciones y pérfidos comportamientos retratados a través de la excelente atmósfera que crea Agustí Villaronga
A destacar la inteligente utilización de las metáforas fílmicas (la araña negra) y la interpretación portentosa de Nuria Prims, cuya presencia hace mejorar, más si cabe, este excelente film.

INCERTA GLÒRIA. 2017. España. Color. 
Dirección: Agustí Villaronga
Intérpretes: Marcel Borrás, Nuria Prims, Oriol Pla, Bruna Cusí, Luisa Cavasa, Terele Pavez, Juan Diego, Fernando Esteso, Bruno Bergonzini, Mario Alberto Diez, David Bages, Jorge Usón, Roger Casamajor, Rubén Jimenez Sanz
Guión: Agustín Villaronga, Coral Cruz (Novela: Joan Sales)
Fotografía: Josep M. Civit

Música: Marcús Jgr

miércoles, 28 de noviembre de 2018

(3) EL FANTASMA DE LA LIBERTAD, de Luis Buñuel (1974)

 La latencia de nuestros actos 
A través de la metáfora y las ensoñaciones, Buñuel le da un corte de mangas al orden establecido quedando todas las convenciones sociales patas arriba. "El fantasma de libertad" es especialmente un film valiente porque se atreve a cuestionar todos nuestros actos comportamentales. ¿Qué hay detrás de nuestras pulsiones? ¿Qué procesos cognitivos intervienen para reinterpretar la información que llega a nuestro cerebro y transformarla en una conducta envuelta en papel de celofán? ¿Qué esconde en su interior ese burgués que guarda las apariencias? ¿En qué lugar recóndito de nuestro ser yacen nuestras perversiones más ocultas? 
El film juega con todos esos elementos hasta el punto de escandalizar a las mentes más conservadoras. Nos podemos horrorizar ante ese francotirador desde el alto del edificio disparando, a diestro y siniestro, a transeúntes, pero no ante las noticias cotidianas de muertes injustas en el mundo. Vemos como algo extraño que la niña desaparecida esté realmente en el lugar, pero en cambio desatendemos a nuestros hijos. Quedamos indignados ante la adulación de un asesino después del juicio, pero le rendimos pleitesía a criminales gobernantes.
Todo ese mensaje, con el peculiar surrealismo del director aragonés, se plasma en la pantalla como una invitación a la reflexión. Estupenda película transgresora.

LE FANTOME DE LA LIBERTÉ. 1974. Francia. Color. 
Dirección: Luis Buñuel
Intérpretes: Michel Piccoli, Jean Rochefort, Michael Londsale, Monica Vitti, Adriana Asti, Julien Bertheau, Jean-Claude Brialy, Adolfo Celi, Paul Frankeur, Pierre Maguelon
Guión: Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière
Fotografía: Edmond Richard

jueves, 22 de noviembre de 2018

(3) LA LLAMADA, de Javier Ambrosi y Javier Calvo (2017)

Sé tú misma
Adaptación cinematográfica del musical homónimo con unos resultados notables tanto en la escenografía cómo con la propuesta de la historia. Este film es una reivindicación del aforismo “sé tú misma”: que nadie nos pare por conseguir nuestros sueños, que nadie nos diga qué sentir, que nadie decida cómo tenemos que ser y, sobre todo, que nadie nos prohíba enamorarnos; ya sea de una persona del mismo sexo, de una monja o de un estrambótico Dios. 
A pesar de su apariencia trivial y de utilizar como base la religión, estamos ante un film catártico cuya positividad nos lleva a sacar lo mejor de nosotros mismos.
Por todo ello, La llamada es una delirante e hilarante comedia; liberadora, despreocupada, alegre, vital y con unas situaciones muy divertidas. A destacar el elenco de actrices —especialmente la espléndida interpretación de Gracia Olayo— cuyo gancho es absolutamente fascinante.  

LA LLAMADA. 2017. España. Color.
Dirección: Javier Ambrosi y Javier Calvo
Intérpretes: Macarena García, Anna Castillo, Belen Cuesta, Gracia Olayo, Secun de la Rosa, Richard Collins-Moore, María Isabel Días, Victor Elías, Esty Quesada, Mar Corzo.
Guión: Javier Ambrosi y Javier Calvo
Música: Leiva
Fotografía: Miguel Ángel Amoedo  

martes, 13 de noviembre de 2018

(3) LA LA LAND, de Damien Chazelle (2016)

¡Viva el Jazz!
Me sorprendió muy gratamente Damien Chazelle con esa magnífica historia de competencias, superación y relaciones que supuso su anterior film Whiplash (2014). Siguiendo el mismo camino, como es el afán por alcanzar los sueños, se introduce ahora en Los Angeles con una obra impecable tanto desde un punto de vista técnico como desde una óptica narrativa. 
La La Land, es un musical que cuenta con una espléndida escenografía acompañada de un gran trabajo actoral y musical (magnífica la Banda Sonora Original de Justin Hurwitz). Su tema central Mia & Sebastian suena a lo largo del film como si tuviera vida actuando como un elemento desencadenante de todas la emociones que experimentan la pareja protagonista. Existe una perfecta armonía entre los anhelos y motivaciones de cada personaje y sus movimientos escénicos y ritmos corporales, amén de unas muy acertadas reflexiones acerca de la música jazz. 
No estoy de acuerdo, como he leído en algún artículo, con que la historia sea lo de menos. Más bien al contrario, creo que el guion propuesto encierra un sentimiento hondamente vital: el proceso de enamoramiento; una sensación que nos deja marcados sempiternamente en nuestra existencia. ¿De qué modo representaríamos esa emoción? Seguramente lo haríamos a través de ese fascinante mundo que crea Chazelle en la película (o, al menos, algo que se le acercara bastante). 

LA LA LAND. 2016. USA. Color.
Dirección: Damien Chazelle
Intérpretes: Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemary Dewitt, J.K. Simmons, Finn Witrock, Sonoya Mizuno, Jason Fuchs, Calle Hernandez
Guión: Damien Chazelle
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Linus Sandgren  

jueves, 8 de noviembre de 2018

(1) NADA, de Edgar Neville (1947)

 Sin fuerza
Fallida adaptación de la formidable novela de Carmen Laforet en parte gracias al castigo que sufrió por parte de la distribuidora Cifesa; recortó treinta y cinco minutos, se eliminaron exteriores barceloneses y Rafael Bardem desapareció del film. De ahí que esté todo precipitado e introducido con calzador en la hora y cuarto de metraje, además de mostrar abruptas elipsis.
Se trata de una película roma que no transmite en absoluto el espíritu de la obra —si bien algunas escenas acertadas sobre la psicología sombría de la familia y la atmósfera asfixiante y opresora de la casa; la iluminación, las sombras y los contrapicados— pero con planteamientos totalmente pedestres, especialmente en el mal tratamiento que se le da al personaje de Román. 

NADA. 1947. España. Blanco y Negro.
Dirección: Edgar Neville
Intérpretes: Conchita Montes, Rafael Bardem, Fosco Giachetti, Tomás Blanco, Mary Delgado, María Denis; María Cañete, Julia Caba Alba
Guión: Edgar Neville y Conchita Montes (Novela: Carmen Laforet)
Música: José Muñoz Molleda
Fotografía: Manuel Berenguer, Tonino Delli Colli

jueves, 1 de noviembre de 2018

(2) LA RECONQUISTA, de Jonás Trueba (2016)


Poso nostálgico
Lo más destacable de La Reconquista es su realismo. Las cosas pasan tranquilamente, el tiempo no es óbice para que, si la pareja protagonista tiene que ver un concierto, el cantautor interprete tres canciones seguidas, o, si ambos se van a bailar, la escena se extienda sin tapujos.   
Trueba expone todo aquello que quiere contar como una ventana indiscreta por la cual el espectador puede espiar impunemente. La cámara sustituye a nuestros ojos; los personajes conversan en un restaurante y nosotros observamos sus movimientos, sus gestos y sus intenciones. 
Aparte de lo comentado, el guion habla sobre aquellos factores que siempre quedan en nuestro interior y que, de alguna manera, nunca acabamos de cerrar.
El film es la historia de Manuela y Olmos, el encuentro de dos treintañeros que se ven después de quince años de pasar por su primera y más intensa historia de amor. Sus vidas han cambiado, pero algo desde una perspectiva emocional queda intacto, de ahí que perdure un punto de atracción entre los dos. Después de que ella le muestra a Olmos una carta de hace años, empiezan a hablar de cómo son sus vidas en la actualidad y de sus proyectos de futuro, pero sutilmente se puede advertir que algo queda escondido en sus palabras. 
La película deja constancia de sus símbolos representados en la misiva, la música de Rafael Berrio y las referencias al arte y la cultura. Además consta de dos partes; su encuentro como adultos y el bello relato visual de su relación como adolescentes. En amobos se puede comprobar el contraste existente entre esos dos mundos tan diferentes y como la esencia de la personalidad juega un papel crucial en el desarrollo posterior. 
En la escena final Olmos relee la carta dejando en él un poso poético, metafórico y nostálgico, algo que también se le puede atribuir a este recomendable film.

LA RECONQUISTA. 2016. España. Color.
Dirección: Jonás Trueba
Intérpretes: Itsaso Arana, Francesco Carril, Aura Garrido, Candela Recio, Pablo Hoyos, Rafael Berrio
Guión: Jonás Trueba
Música: Rafael Berrio
Fotografía: Santiago Racaj