(5) LA CIUDAD DESNUDA (1948), de Jules Dassin

Película total

Podría catalogar este trabajo de Jules Dassin como una película total porque aglutina, aunque predomine la investigación policial como (buen) cine negro que es, diferentes géneros que se asoman y esconden en el desarrollo de la trama. Así; drama, comedia, tragedia, suspense, misterio y romanticismo se convienen para dar suelta a una narrativa gratamente ágil, con un ritmo frenético que deja en alerta constante el interés del espectador. 

Destaca también en el film una sorprendente sencillez para que, a modo de falso documental, la cámara saque provecho de los espacios de Nueva York. De esta manera podemos disfrutar y captar la cotidianeidad natural de su gente que se mueve por sus calles. También, la cinta muestra una fresca espontaneidad con las explicaciones y la voz en off de su productor, quien actúa como narrador omnisciente de los acontecimientos. Y en el trasfondo, se mantienen las necesidades humanas; sus cualidades, sus motivaciones, la picardía, la corrupción, el amor a los hijos o, tal como muestra Ruth Morrison, su abnegación (hacia el pícaro Frank Niles). 

Como decía al principio de esta crítica, vuelvo a insistir en su adjetivo “total”. Todo el mundo se identificará con sus personajes: la astucia del inspector Muldoon, la perseverancia del joven Don Taylor (una relación entre ambos con mucha química que roza lo paternofilial), el sufrimiento de los padres de la asesinada, el médico y su abatimiento… Una serie de situaciones, de imágenes y de fabulosos toques de comedia que, en mi opinión, conforman un trabajo absolutamente redondo. 

Háganme caso: el "heavy case" (caso difícil) que decía el inspector a fin de encontrar a Joseph P. McGillicuddy, se convertirá en obra maestra; si la ven lo podrán comprobar.

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THE NAKED CITY. 1948. Estados Unidos. Blanco y Negro. 91 Min.

Dirección: Jules Dassin
Intérpretes: Barry Fitzgerald, Howard Duff, Dorothy Hart, Don Taylor, Frank Conroy, Ted de Corsia, House Jameson, Anne Sargent, Enid Markey, Tom Pedi, Adelaide Klein, Grover Burgess, Arthur O'Connell

Guión:  Albert Maltz, Malvin Wald. Historia: Malvin Wald
Música: Miklós Rózsa, Frank Skinner
Fotografía: William H. Daniels

(5) LA TIENDA EN LA CALLE MAYOR (1965), de Ján Kadár y Elmar Klos

Una auténtica joya

Impresionante joya cinematográfica que retrata a la perfección la invasión nazi y su paranoico proceder en una pequeña ciudad eslovaca durante el año 1942. En ella se muestra la incomprensión, la crueldad y la irracionalidad que tuvo que sufrir la población en general y determinados colectivos religiosos en particular como, en este caso, la comunidad judía ubicada en Eslovaquia. Hay que destacar su interesante propuesta fílmica por realizar un análisis sobre el comportamiento humano en situaciones de crisis. De esta manera, Anton “Tóno” Brtko, humilde carpintero, intenta llevar una vida tranquila, pero sus familiares no le permiten vivir en paz. A su vez, su cuñado Markus adopta un rol maquiavélico al estar al lado del poder, y su esposa, Evelína, hace lo que sea por conseguir riqueza a costa de los demás. Por otra parte, Kuchár, miembro de la resistencia, lleva a cabo su sensatez ayudando a los judíos. El protagonista, Tóno, es un mar de dudas; nunca ha lastimado a nadie, no entiende ni ha asumido la implacable realidad, de ahí su bella relación con la anciana, Rozália (magistrales las secuencias oníricas de felicidad entre ambos). Primordialmente, todos trataban de sobrevivir: ¿qué haríamos nosotros en similares circunstancias? 

Es sorprendente la habilidad que demuestran los realizadores al integrar en una historia tan trágica pasajes de humor sin caer en absoluto en la frivolidad: el homenaje y claro guiño a Chaplin, las conversaciones, el intento fallido de saludo fascista… Y es que, pesar del marco de desdicha e infortunio en el que se encuadra el film, los directores esbozan valores esperanzadores y positivos (como se puede observar en la cooperación y solidaridad entre judíos). 

La película tiene personajes entrañables (Rozalie, el barbero, el mismo Kuchar) que hace que los consideremos como a una gran familia (la obra consigue en este aspecto algo muy importante, como es la connivencia; la conexión entre personajes y público). La estructura de la filmación acierta en todo: en una magnífica música, en una muy realista fotografía y puesta en escena, y en unas magistrales interpretaciones. 

En definitiva, una obra maestra, muy didáctica que, pese ganar el Oscar de Hollywood a la mejor película de habla no inglesa en 1965, no es —desafortunadamente e increíblemente— del todo conocida. 

OBCHOD NA KORZE. 1965. Checoslovaquia. Blanco y Negro. 121 Min.

Dirección: Ján Kádar y Elmar Klos
Intérpretes: Josef Kroner, Frantisek Zvarik, Ida Kaminska, Hana Slivkova, Martin Holly, Helena Zvarikova, Martin Gregory, Adam Matejka

Guión:  Ladislav Grossman, Ján Kádar y Elmar Klos. Historia: Ladislav Grossman
Música: Zdenek Liska
Fotografía: Vladimir Novotny

(4) ABRE LOS OJOS (1997), de Alejandro Amenábar

Sueño confuso

Obra atemporal porque lanza, a través de una historia inicialmente sencilla, todos los interrogantes que el ser humano se plantea, consciente o inconscientemente, a lo largo de su existencia. El film es como un triángulo fundido en hierro —la vida y la muerte a ambos lados y el significado como base— que abrasa y estruja la mente de cualquier persona que tenga la ocasión de visionarlo. Amenábar, con un fantástico guion coescrito junto a Mateo Gil, representa muy inteligentemente un relato trufado de cuestionamientos filosóficos donde el sueño de la inmortalidad a través de la criogenización nos invita a reflexionar. Son muchos los aspectos que desfilan por la cinta: el amor, la amistad, la juventud, el valor del aspecto físico, la marginación del diferente, los celos, el dinero, la tecnología, la realidad virtual, el futuro… Multitud de elementos que nos llevarían a un polémico debate ante las diferentes situaciones que se plantean. Estamos ante una película total que contiene intriga, misterio, suspense, con elementos surrealistas —la careta que contrapone la vida real con la ficticia— e incluso los toques de comedia. 

Psicológica, reflexiva y magistralmente dirigida por el realizador hispano-chileno donde nos sumergimos en un sueño extraño, mágico, perturbador y, al mismo tiempo, atrayente. Un sueño del cual nunca, como espectadores, nos gustaría despertar.

ABRE LOS OJOS. 1997. España. Color. 117 Min.

Dirección: Alejandro Amenábar
Intérpretes: Eduardo Noriega, Penélope Cruz, Chete Lera, Fele Martínez, Najwa Nimri, Gerard Barray, Pedro Miguel Martínez, Jorge de Juan, Miguel Palenzuela

Guión:  Alejandro Amenábar, Mateo Gil
Música: Alejandro Amenábar, Mariano Marín
Fotografía: Hans Burmann
 

Críticas de Alejandro Amenábar (clicar en este mismo enlace para leer las críticas):  

Mientras dure la guerra (2019)

(3) THE WHO "A Quick One" (1966)

Variedad compositiva

La frescura de la escena mod enmarcada en The Who se plasma en este brillante disco que dimana diferentes estilos musicales. Rock, psicodelia, pop y hasta el primer acercamiento de la historia a la ópera-rock en el tema de nueve minutos que cierra el disco: “A Quick One, While He’s away” —un preludio de lo que vendría después con Tommy y Quadrophenia— que supone un pionero ejemplo conceptual de una canción al servicio de una historia. 

También encontramos piezas poperas como “I Need You", la fantástica versión que hacen del tema de Martha and The Vandellas “Heat Wave”, música circense como interludio “Cobwebs and Strange” y las dosis de pura psicodelia en “See my Way”, “Boris the Spider” o “Don’t Look Away”. Mención especial merecen la magnífica “So Sad About Us” que aúna la fuerza, garra y calidad de la banda y, la pieza que abre el disco, el trepidante rock “Run, Run, Run”. 

La discográfica les obligó a que compusieran los cuatro componentes de la banda. Bien es sabido que Pete Townshend era el que más habilidad compositiva tenia (sólo compuso cuatro temas: Run, Run, Run, Don’t Look Away, So Sad About Us y la última canción del disco) y eso se nota un poco en el resultado final. 

Como anécdota, en el tema que cierra el disco “A Quick One, While He’s Away” la banda quería introducir un cuarteto de violonchelo. Ante la negativa del productor que argumentaba que no había suficiente presupuesto, el grupo, como respuesta, suplió esas partes donde se suponía que debería sonar el instrumento de cuerda con sus voces, cantando, así, a cappella: ¡Celo, Celo, Celo…! Irreverentes e inconformistas, así eran The Who.

Grabado en: Londres (Estudios: IBC, Regent, Pye)

Duración: 31:48

Sello discográfico: Reaction - Polydor (Europa)

Productor/es: Kit Lambert

(3) MISSING (1982), de Costa-Gavras

Contra la impunidad

Basada en hechos reales, Missing cuenta la historia de Charles Horman, torturado y asesinado por su condición de izquierdista y por su conocimiento del rol que desempeñaba, tanto el ejército chileno como la administración USA, en el plan para atentar contra el gobierno legítimo de Allende. El film recrea la tensión que se vivía en aquellos momentos con imágenes del toque de queda y de los métodos expeditivos de los militares. La búsqueda inane de su esposa por encontrarle, junto a la llegada de su padre desde América, conforman un interesante ejercicio de indagación e investigación tras la indiferencia del consulado americano. 

El padre manifiesta un cierto reproche hacía la actitud de su hijo en cuanto a perseguir causas perdidas. Según su criterio, su compromiso con el bien común y su peligrosa integración en batallas “ajenas” eran aspectos que nada le incumbían y que podían llevarlo a sufrimientos innecesarios. Sin embargo, a medida que avanza la trama se producen en él una transformación a través de las averiguaciones y, especialmente, al percatarse de la connivencia del gobierno de su país en el golpe de Estado perpetrado por el General Pinochet. 

Edmun Horman contenderá y hará lo necesario para hallar a su hijo e instrumentalizará (utilizo la palabra sin connotaciones peyorativas) su batalla como bandera de la dignidad de los suyos y de la justicia universal. 

La explicación en los títulos finales son demoledores, Costa-Gavras realiza una didáctica e interesante denuncia de la sinrazón. Missing es un film necesario contra la impunidad. Fantástico Jack Lemon en el papel del padre.

MISSING. 1982. Estados Unidos. Color. 122 Min.

Dirección: Costa-Gavras

Intérpretes: Jack Lemmon, Sissy Spacek, Melanie Mayron, John Shea, Charles Cioffi, Richard Bradford, Janice Rule, David Clennon, Jerry Hardin, Martin Lasalle

Guion: Donald E. Stewart, Costa-Gavras. Novela: Thomas Hauser

Música: Vangelis

Fotografía: Ricardo Aronovich

(3) PATHER PANCHALI (LA CANCIÓN DEL CAMINO), de Satyajit Ray (1955)

Mirada a la dramática cotidianeidad

Fresco social de la cultura bengalí contextualizada en un entorno rural donde se exponen las dificultades que su población podía experimentar. Además de su cariz neorrealista la película realiza una vasta mirada a los aspectos más profundos y vitales de la existencia: el nacimiento, la niñez, la muerte, la vejez…, conceptos que interactúan con los modelos comportamentales y con las características peculiares grupales e individuales de la sociedad. Así, la esposa, Sarbojaia Ray, tiene que llevar el peso de su grupo familiar, de sus dos hijos y soportar las quiméricas ideas de un marido alejado de su realidad social. 

Satyajit Ray utilizada una esmerada planificación con un tempo narrativo sosegado que se adapta a la poética cotidianeidad (algo que recuerda bastante a la filmografía de Yasujiro Ozu). La fotografía, el detenimiento en cada uno de los personajes, el retrato de las costumbres, los contrastes entre la vetusta actualidad y la soñada modernidad (metaforizada a través del ferrocarril) conforman —junto a las emocionantes y tristes escenas finales— un bello y lírico film. 

PATHER PANCHALI. 1955. India. Blanco y Negro. 115 Min.

Dirección: Satyajit Ray

Intérpretes: Kanu Bannerjee, Karuna Bannerjee, Uma Das Gupta, Subir Bannerjee, Chunibala Devi

Guion: Satyajit Ray

Música: Ravi Shankar

Fotografía: Subatra Mitra