(3) PERFETTI SCONOSCIUTI, de Paolo Genovese (2016)

 Inteligente idea original

Una vez acabé de ver el remake de Paco León ya me puse como objetivo visionar la película original. Esto fue así, porque considero que la idea primigenia siempre tiene, a priori, un plus de valor sobre las versiones venideras. Por lo que pude comprobar, la adaptación española se ajusta bastante a la cinta italiana en cuanto a su esencia y a sus situaciones. Si bien la versión del director andaluz tiene un toque de sofisticación, elegancia y comicidad, podríamos afirmar que la propuesta italiana es más realista y dramática. Sinceramente, lo que ocurre en la habitación con los comensales es verdaderamente trágico: traiciones, enemistades y familias destrozadas. Porque como ya comentaba en la anterior crítica es peligroso asomarse al anterior. Una idea muy inteligente y un film muy interesante que ha creado escuela y ha dado juego para otras maneras de enfocar esta divertida y dramática historia.

PERFETTI SCONOSCIUTI. 2016. Italia. Color.

Dirección: Paolo Genovese

Intérpretes: Giuseppe Battiston, Anna Foglietta, Valerio Mastandrea, Alba Rohrwacher, Marco Giallini, Edoardo Leo, Kasia Smutniak, Benedetta Porcaroli.

Guion: Paolo Genovese, Filippo Bologna, Paolo Costella, Paola Mammini, Rolando Ravello

Música: Maurizio Filardo

Fotografía: Fabrizio Lucci

(3) TOM JONES (1963), de Tony Richardson

Gozar del presente

El público medio de hoy en día no está acostumbrado a ver comedias de aventuras ambientadas en épocas anteriores (quizá sí que lo estaban, tres o cuatro décadas atrás, cuando solo había dos canales en la televisión y se podían disfrutar de películas de ese tipo: me viene a la cabeza por ejemplo El halcón y la flecha de Jaques Torneur, con Burt Lancaster de protagonista). Es por eso que es una pena que la juventud actual no conozca —o no les interese a priori— esta clase de obras que, aparte de su incontestable calidad artística, son un divertimento constante. 

Tom Jones —contextualizada en la Inglaterra del siglo XVIII— es una comedia de enredos en la que el azar, la picaresca y la concupiscencia son los tres pilares donde se fundamenta y se desarrolla la acción. La obra, basado en la novela homónima de Henry Fieldin, expone la lucha perenne por el poder y el dinero (los matrimonios de conveniencia), la inmensa brecha social entre las diferentes clases de aquel tiempo y la búsqueda utópica de la libertad individual. Su estupenda ambientación, en el paseo entre Tom y el barbero se puede observar un día cotidiano de aquel entonces: pobreza, miseria, muertos al aire libre introduciéndolos en tumbas… lo que hace que el espectador se adentre, cuál viaje en el tiempo, en ese marco histórico. 

Por lo demás, su protagonista vive una multitud de peripecias desde su accidentado nacimiento. A partir de ahí el guion trenza de manera soberbia una serie de situaciones que a al mismo tiempo están adornadas con una extraordinaria comicidad. Tony Richardson tiene una forma muy original e innovadora de contar la historia utilizando a los personajes como si a veces se dirigieran al espectador y enhebrando una voz en off que cuenta las desventuras de nuestro (anti)héroe. Además, utiliza congelados de imagen y cámara rápida, al estilo de cine mudo, ampliando su carácter trepidante. Pero la cinta es sobre todo un canto a la libertad y a gozar plenamente del presente, tal como lo hizo Tom Jones. Muy divertida.

TOM JONES. 1963. Reino Unido. Color. 129 Min.

Dirección: Tony Richardson
Intérpretes: Albert Finney, Susannah York, Hugh Griffith, David Warner, Edith Evans, George Devine, Joan Greenwood, Diane Cilento, David Tomlinson, Rosalind Atkinson, Angela Baddeley

Guion:  John Osborne. Novela: Henry Fielding
Música: John Addison
Fotografía: Walter Lassally

(2) JANE WEAVER "Flock" (2021)

Cromatismo sonoro

Jane Weaver  nos presenta unos temas que destilan efluvios poperos por doquier y su voz barniza de múltiples colores—como la portada del disco— las diferentes líneas musicales que lo forman. La iluminación de sonidos puede variar en cada momento, de esta manera el pop, la electrónica, el folk y el disco se funden en una abundancia de musicalidad. Cromatismo sonoro al lomo de un positivismo que en "Piramid Schemes" (fantástica) alcanza su máximo esplendor.

Grabado en: Eve Studios. Stockport.

Duración: 44:29

Canciones: 10

Sello discográfico: Fire

Productores/as: Jane Weaver, Henry Broadhead, Andy Votel

(3) JUEGOS PROHIBIDOS (1952), de René Clément

Inocencia perdida

Juegos prohibidos comienza de una manera contundente e impactante. Ya, de inicio, el espectador puede observar la guerra en estado puro. Así, las imágenes muestran su crudeza y su desnudez a través de las bombas que caen indiscriminadamente sobre la población. Con ello, multitud de historias personales y emocionales quedan supeditadas al capricho del azar en forma de blanco de diana de explosivos. 

La película cuenta el relato de una niña que sobrevive a esta barbarie perdiendo a sus padres en el bombardeo. Desde ese preciso instante, sus ojos serán nuestro objetivo de cámara, no solamente desde un punto de vista perceptivo sino también sensitivo. Es como si se abriera una especie de telón para hacer una oda a la imaginería e imaginación infantil, algo así como una fantasía irrepetible al margen de un mundo tan categorizado como es el adulto. 

 La historia de los dos niños fluye por debajo del drama de la guerra, de la envidia y la necedad. Ambos construyen mundo paralelo, alejado de las contradicciones, maldades y codicias que llevan a la propia destrucción humana. El film, conjugando momentos cómicos y dramáticos, remarca la pérdida de la inocencia al fagocitar la niña tanta miseria, desolación y devastación. 

 A lo largo de la obra se adivina la fortaleza interior de nuestros primeros años que se va resquebrajando a medida que las frustraciones se suceden. 

 En definitiva, un film recomendable con una apariencia sencilla — agradable música a través de la guitarra de Narciso Yepes y bella fotografía en blanco y negro— pero que esconde una gran profundidad.

JEUX INTERDITS. 1952. Francia. Blanco y Negro. 86 Min.

Dirección: René Clément
Intérpretes: Georges Poujouly, Brigitte Fossey, Amédée, Laurence Badie, Madeleine Barbulée, Suzanne Courtal, Lucien Hubert, Jacques Marin, Pierre Merovée, Violette Monnier, Denise Perronne, Fernande Roy, Louis Saintève, André Wasley, Bernard Musson

Guion:  François Boyer, Jean Aurenche, Pierre Bost, René Clément. Novela: François Boyer
Música: Narciso Yepes
Fotografía: Robert Juillard

(2) LA MADRE (2016), de Alberto Morais

Desafección social y familiar

Encauzada desde el punto de vista del hijo, el film es una versión —más que pesimista, realista— de uno de los muchos dramas humanos que sufren diferentes familias en la sociedad. Su madre, eje central de la historia, es una víctima (una más) de la crisis económica y social provocada por un sistema injusto. Si a esto le añadimos una personalidad totalmente desapegada hacia su progenitor (favorecida por la situación de impotencia en la que se encuentra), éste, menor de edad, tendrá que soportar una gran cantidad de obstáculos y necesidades para subsistir. 

Miguel huye del centro de menores, algo que para él supone una especie de cárcel que restringe su libertad, sin embargo, después de las muchas penurias que habrá de pasar, volverá a su prisión como un mal menor ante las puertas cerradas de la sociedad. 

Cruel y duro relato. Un film de denuncia social que no hay que dejar de ver.

LA MADRE. 2016. España. Color. 89 Min.

Dirección: Alberto Morais
Intérpretes: Javier Mendo, Laia Marull, Nieve de Medina, Ovidiu Crisan, Alexandru Stanciu, María Albiñana, Sergio Caballero, Jorge Motos, Pablo Ortega

Guion:  Alberto Morais, Verónica García, Ignacion Gutierrez-Solana
Música: Xema Fuentes, Vincent Barrière
Fotografía: Diego Dussuel

(2) EL MUNDO ES NUESTRO (2012), de Alfonso Sánchez

Más que una simple comedia

Alfonso Sánchez es el escritor, director y protagonista de este estimable film que retrata, a través del filtro del humor, la cruda realidad social española. En ella desfilan opresores y oprimidos donde el director se encarga de hacer un ajuste de cuentas a las injusticias que deben sufrir la ciudadanía víctima de un neoliberalismo feroz. 

En esta trepidante caricatura se señalan flagrantes casos de un país más preocupado por los bancos que por las personas (ejemplificado en el ingeniero informático repostero en la actualidad en Carrefour). 

El mundo es nuestro tiene, en un principio, la ingenua apariencia de ser una comedia para arrancar unas cuantas carcajadas y “pasar el rato”. Nada más lejos de la realidad. Es mucho más, es un alegato a favor de una sociedad igualitaria y un corte de mangas al poder establecido.

EL MUNDO ES NUESTRO. 2012. España. Color. 87 Min.

Dirección: Alfonso Sánchez
Intérpretes: Benoît Magimel, Pahoa Mahagafanau, Marc Susini, Matahi Pambrun, Alexandre Mello, Sergi López, Cécile Guilbert, Montse Triola, Lluís Serrat, Mareva Wong

Guion:  Alfonso Sánchez
Música: Maravilla Gypsy Band
Fotografía: Daniel Mauri

(3) T2: TRAINSPOTTING (2017), de Danny Boyle

 Perfecto ensamblaje

He de reconocer que tenía mis dudas acerca de esta nueva entrega de Trainspotting. Veinte años después lo encontraba oportunista y tenía la impresión que me iba topar con una segunda parte que iba a chirriar en cada uno de sus fotogramas. Sin embargo, no ha sido así. La película me ha sorprendido, especialmente por su guion y por el fenomenal ensamblaje que ha realizado su director en cada una de las piezas temporales.

El argumento, la puesta en escena, los actores…, todo es verosímil y rezuma una gran profundidad psicológica en el tratamiento de los personajes. Además, el film aborda conceptos existenciales —el paso del tiempo, la diferencia entre generaciones, el efecto devastador de las drogas a lo largo de los años, la nostalgia, los recuerdos y la finitud de la vida— que invitan a la reflexión. Grata sorpresa, estupenda continuación.

T2: TRAINSPOTTING. 2017. Reino Unido. 117 Min. 

Dirección: Danny Boyle

Intérpretes: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly MacDonald, Shirley Henderson, James Cosmo, Anjela Nedyalkova, Steven Robertson, Irvine Welsh, Gordon Kennedy, Eileen Nicholas, John Bell, Katie Leung  
Guion: John Hodge (Novela: Irvine Welsh)

Música: Rick Smith
Fotografía: Anthony Dod Mantle

Críticas de Danny Boyle (clicar en este mismo enlace para leer las criticas):
Trainspotting (1996), Yesterday (2019)

(4) AS BESTAS (2022), de Rodrigo Sorogoyen

Egoísmo e irracionalidad humana

La pareja francesa que se instaló en una aldea del interior de Galicia tenía un proyecto de vida. Buscaban un remanso de paz donde poder poner en práctica sus conocimientos y habilidades sociales. De esta manera, restauraban viviendas abandonadas por puro altruismo para atraer a más habitantes y se ganaban la vida en la agricultura ecológica vendiendo aquello que producían en su huerto y ganadería. Era una forma de enriquecer su bienestar personal y acercarse un poco a la utopía de la felicidad. Antoine y Olga, de mediana edad, eran gente liberal con el único objetivo de rellenar su espacio vital conectando con la naturaleza, haciendo aquello que les hacía sentirse realizados. Sin embargo, nunca pensaron que se encontrarían con la animadversión de algunos lugareños. Según estos últimos, el proyecto de instalación de un parque por parte de una empresa de energía eólica les supondría un beneficio económico. No obstante, la pareja francesa —fiel a sus principios— se negó a firmar y a vender sus tierras. 

A partir de ahí, Sorogoyen construye un relato rompedor y contundente con una atmosfera claustrofóbica y con unas secuencias de suspense muy tensas entre los personajes. El film refleja la imposibilidad de entendimiento y de participación afectiva del ser humano, puesto que de una simple disputa vecinal se llega a la violencia más cruenta. Es una lucha de contrastes, consustanciales a la esencia de las personas —inexorable semilla de conflictos— que se acentúan con aristas afiladas en este anegado microcosmos. 

La película deja que cada cual emita su opinión y no se posiciona en cuanto a la razón que puedan tener los personajes. Simplemente muestra el comportamiento de ellos a través de sus cogniciones, un comportamiento que por parte de los hermanos Anta evoca al salvaje oeste. Lejos de imperar la cordura y la sana discusión para hallar un punto de encuentro, la sinrazón se erige como el foco preponderante de los acontecimientos. Al hilo de lo comentado, la obra cuenta con dos escenas memorables. Una es la discusión entre la madre e hija, y la otra es la conexión tácita entre la madre de los verdugos y la esposa de la víctima. Ambas contienen toda la carga emocional y empática inherente a los seres humanos. Basándose en la historia real de “El crimen de Santoalla”, As Bestas refleja unos episodios que —aparte de su innegable interés— son reforzados por su psicología y realismo: una metáfora del egoísmo y de la irracionalidad humana. 

AS BESTAS. 2022. España. Color. 137 Min.

Dirección: Rodrigo Sorogoyen
Intérpretes: Marina Foïs, Denis Ménochet, Luis Zahera, Diego Anido, Marie Colomb, Luisa Merelas, José Manuel Fernández y Blanco, Xavier Estévez, Gonzalo García, Federico Pérez, Javier Varela, Pepo Suevos, Machi Salgado, Emile Duthu

Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen     
Música: Olivier Arson
Fotografía: Álex de Pablo

Críticas de Rodrigo Sorogoyen (clicar en este mismo enlace para leer las críticas): 

El reino (2018)

(2) LA HISTORIA INTERMINABLE (1984), de Wolfgang Peteren

Solo fantasía

Siempre he sido partidario de diferenciar claramente los libros originales de sus adaptaciones cinematográficas. Evidentemente, esto es más fácil de cumplir cuando no los lees y sí que las ves. Sin embargo, esta vez tuve la ocasión de completar su lectura. Soy consciente de que este hecho me restará objetividad a la hora de escribir cualquier crítica, pero, aun así, intentaré ser lo más imparcial que pueda. 

Desde un punto de vista fílmico es importante decir que el metraje es muy entretenido, con un buen trabajo en los elementos fantásticos (aunque los efectos especiales han envejecido mal en los últimos años). Sin embargo, la película analiza, de forma algo pedestre, aspectos internos de los seres humanos. La novela —lo siento, pero tengo que recurrir a ella— utilizaba el país de Fantasía como una especie de subterfugio para mostrar la profundidad psicológica de Baltasar Bastian Bux. Especialmente, sus voliciones para abarcar un autoconocimiento pleno, traducido en el cambio fundamental que experimenta para conocerse a sí mismo. 

Siendo justos, era bastante difícil incluir la gran cantidad de aventuras y matices que aparecen en el libro (solo se cubre la primera parte del film). Al final, Wolfang Petersen ha realizado una adaptación libre que tiene como resultado una estimable obra, pero que a la vez borra un poco el espíritu de la narración escrita. Se ve claramente al inicio, cuando se muestra un Baltasar delgado, obviando un punto tan importante como es su gordura, y también con la relación con su padre, que en un principio era lacónica. 

No he sido imparcial, ¿verdad?

DIE UNENDLICHE GESCHICHTE (THE NEVERENDING STORY). 1984. RFA. Color. 94 Min.

Dirección: Wolfgang Petersen
Intérpretes: Benoît Magimel, Pahoa Mahagafanau, Marc Susini, Matahi Pambrun, Alexandre Mello, Sergi López, Cécile Guilbert, Montse Triola, Lluís Serrat, Mareva Wong

Guion:  Wolfgang Petersen, Herman Weigel. Novel·la: Michael Ende
Música: Giorgio Moroder, Klaus Doldinger
Fotografía: Jost Vacano

(2) PACIFICTION (2022), de Albert Serra

Sin acabar de explotar

El envoltorio de esta película es muy sugestivo. Tanto la factura técnica como la cadencia pausada que le imprime el director tienen la virtud de sumergir al espectador en el contexto político, lúdico y social que se presenta. Un entorno donde se fusionan problemáticas sociales como el colonialismo, la oposición de la población a que se realicen pruebas nucleares en su territorio, el sexismo o la explotación de la mujer. De Roller es el Alto Comisario que actúa como mediador e intenta buscar un equilibrio en el conflicto entre los lugareños y el estado francés. 

A partir de ese entramado Albert Serra juega con los diferentes componentes únicamente para sugerir y que con ello el observador realice sus propias interpretaciones. Desde ese punto de vista, desde esa aséptica apariencia, Pacifiction es un film atractivo y sugerente, sin embargo —más allá de ese envoltorio— no hay mucho más. En mi opinión todo se queda a medio camino y el film no acaba de explotar atendiendo a las posibilidades primigenias que ofrecía.

PACIFICTION. 2022. Francia. Color. 165 Min.

Dirección: Albert Serra
Intérpretes: Benoît Magimel, Pahoa Mahagafanau, Marc Susini, Matahi Pambrun, Alexandre Mello, Sergi López, Cécile Guilbert, Montse Triola, Lluís Serrat, Mareva Wong

Guion:  Albert Serra
Música: -
Fotografía: Artur Tort

(3) CINCO LOBITOS (2022), de Alauda Ruiz de Azúa

El juego de vivir

Distintas generaciones se cruzan en este retrato propio de la vida donde se muestra el frágil y corto camino que va desde el nacimiento a la muerte y en el que los primeros balbuceos arriban indefectiblemente a la vejez. En Cinco Lobitos, padres, hijos y nietos se convienen para resolver el difícil juego de vivir. Secretos, decepciones y esperanzas sirven como estuco de una tabula rasa cotidiana que, en un principio, siempre se piensa que se va a mantener huérfana de dificultades. 

La directora, Alauza Ruiz de Azúa evita todo tipo de ornamentaciones y artificios, y despliega toda su sencillez para reflejar un paisaje directo muy bien narrado, sin caer en sentimentalismos en una que película es, sobre todo, muy humana. Las contradicciones y la psicología de los personajes así nos lo confirman y seguramente nos veamos reflejados en alguno de ellos. No es fácil ser madre, ni hija y así lo sufre Amaia en este magnífico film: todo forma parte del arduo y placentero juego de vivir

CINCO LOBITOS. 2022. España. Color. 104 Min.

Dirección: Alauda Ruiz de Azúa
Intérpretes: Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea, Mikel Bustamante, José Ramón Soroiz, Amber Williams, Lorena López, Leire Ucha, Elena Sáenz, Asier Valdestilla García, Nerea Arriola, Juana Lor Saras, Justi Larrinaga, Isidoro Fernández

Guion:  Alauda Ruiz de Azúa
Música: Aránzazu Calleja
Fotografía: Jon D. Dominguez