(4) TRAINSPOTTING, de Danny Boyle (1996)

 Interesante enfoque de la drogodependencia

Con una estética innovadora Danny Boyle se sumerge en los suburbios de Edimburgo para tratar el tema de la drogodependencia de una manera tan original que se introduce en el mismo interior de los protagonistas. El film relata la historia de un grupo de jóvenes, faltos de aliciente, cuya premisa central es el uso de la droga. 

La filosofía de vida de Mark, su protagonista, se aleja de los estándares esclavizadores que nos dicta la sociedad, esto es; estudios, familia, trabajo, hijos, hipotecas, pagos, responsabilidades…, (más o menos la síntesis que los Goodfathers realizan en “Birth, School, Work, Death”). Con esta actitud, se niega rotundamente a entrar en la manida “rueda de la vida”. 

La escena refleja acertadamente el problema de la dependencia psicológica y fisiológica de las drogas, cosa que obliga a preguntarnos qué ofrece la sociedad para que la juventud —de cualquier época— no encuentre motivaciones suficientes, diferentes y saludables. Esta interesante propuesta de análisis desemboca en la maestría técnica de Boyle a la hora de combinar momentos cómicos con situaciones realmente duras (la cruel muerte del bebé) y en su excelente uso onírico de las imágenes representando el efecto de la heroína. Todo ello, unido a su diestra selección de la banda sonora, hacen de Trainspotting una de las películas más importantes de la década de los noventa.

TRAINSPOTTING. 1996. Reino Unido. 90 Min. 

Dirección: Danny Boyle

Intérpretes: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly MacDonald, Kevin McKidd, Peter Mullan, James Cosmo, Eileen Nicholas, Susan Vidler, Pauline Lynch  
Guion: John Hodge (Novela: Irvine Welsh)

Música: Varios intérpretes
Fotografía: Brian Tufano

Críticas de Danny Boyle (clicar en este mismo enlace para leer las criticas):
T2: Trainspotting (2017), Yesterday (2019)

(2) BARRAVENTO, de Glauber Rocha (1962)

 Vencer a la superstición

La desigualdad social, la religiosidad y la superchería se hilvanan en un film contextualizado en el microcosmos del litoral de la bahía brasileña. Las precarias condiciones de vida en la que viven sus habitantes (pescadores de “xarèu”), conllevan a una existencia basada en un misticismo (culto a los dioses africanos) que adopta un carácter primordial en el devenir de sus acontecimientos cotidianos.
En la obra aparecen dos contrarios: “dejar el destino en manos de la providencia” (pueblo que acepta la miseria, analfabetismo y explotación) versus “luchar y conseguir los medios materiales por ellos mismos” (Firmino). Entre ambos surgen pasiones y emociones humanas (lucha por la jerarquía, amor, celos, etc.) y el yugo explotador de la empresa que les impone unas disposiciones infrahumanas para trabajar. 

Rodada con pocos medios que resultan un tanto pedestres, la película tiene aspectos de interés reforzados por la manera de mostrar en sus imágenes la coreografía musical, el modus vivendi y, especialmente, el retrato de un tiempo salpicado por el estigma de la colonización de la cultura brasileña.

BARRAVENTO. 1962. Brasil. Blanco y Negro. 78 Min. 

Dirección: Glauber Rocha

Intérpretes: Antonio Pitanga, Luiza Maranhão, Lucy de Carvalho, Aldo Teixeira, Lidio Silva, Edmundo Albuquerque, Francisco dos Santos Brito, Hélio de Oliveira, Antônio Carlos dos Santos

Guion: Glauber Rocha, Luiz Paulino Dos Santos, Jose Teles

Música: Canjiquinha
Fotografía: Toni Rabatoni

(3) ACCATTONE, de Pier Paolo Pasolini (1961)

 La Roma marginal de mediados del siglo XX

Contundente opera prima del realizador italiano que se adentra en un neorrealismo hosco y oscuro. Si Fellini en Los Inútiles (1953) ya hizo un retrato duro y profundo de la Italia de los 50, Pasollini hace un tratamiento más áspero, si cabe, introduciéndose dentro del infierno del proxenetismo. A partir de ahí, comienza una mirada crítica hacia este tipo de actitudes intimidatorias y violentas que conllevan al sufrimiento de las mujeres, viéndose abocadas —debido tanto al contexto social como a ciertos comportamientos inhumanos— a la prostitución. 

El director muestra a una Roma marginal con personajes alejados de las normas sociales establecidas. Matar el rato, holgazanear, hacer apuestas, extorsionar y aprovecharse de las chicas que no tienen recursos, son la única motivación de un grupo de jóvenes vacíos de contenido (algo también que recuerda a Los Inútiles). Su protagonista principal Vittorio es un personaje sin escrúpulos que representanta al patriarcado más machista. En contraposición a él se encuentra su hermano, Renato, quién intenta, a pesar de las obvias adversidades, llevar una vida ecuánime. Ambos simbolizan la cara y cruz de una misma moneda, dos maneras distintas de afrontar la vida. 

Esta obra es, en definitiva, la visión de la otra Roma, con personajes que son víctimas de la miseria de un contexto social determinado y que eligen lucrarse aplastando a sus iguales en vez de enfocar su ira hacia los verdaderos culpables. 

Al final, Vittorio intenta enderezar parcialmente su vida. Es en ese preciso instante cuando se da paso al magistral sueño de la muerte. En las secuencias, da la sensación de estar dentro de esa sucesión de imágenes reforzadas por la respiración del protagonista. El espectador se pregunta si ese sueño será profético o metafórico, si realmente estamos ante la muerte simbólica del anterior Accatone o, si por el contrario es la consecuencia lógica de una serie de comportamientos que conducen a lo más trágico. 

Mejor no contar nada más y que uno mismo lo compruebe, solo adelantar que estamos ante un realista, valiente, arriesgado film que merece la pena ver.

ACCATTONE. 1961. Italia. Blanco y Negro. 116 Min. 

Dirección: Pier Paolo Pasolini

Intérpretes: Franco Citti, Silvana Corsini, Franca Pasut, Paola Guidi, Adriana Asti, Mario Cipriani, Roberto Scaringella, Adele Cambria

Guion: Pier Paolo Pasolini y Sergio Citti

Música: Johann Sebastian Bach 
Fotografía: Tonino Delli Colli 

 

Críticas Pier Paolo Pasolini:

El Evangelio según San Mateo (1964)

Uccelacci e uccelini (1966)

(1) THALASSO, de Guillaume Nicloux (2019)

 Desencanto filosofal 

Antes que nada, sería importante recalcar que Nicloux realiza un honesto, valiente y arriesgado planteamiento con la utilización de personajes reales en la obra. Sin embargo, su propuesta se da de bruces ante una historia demasiado enmarañada.  
Thalasso, al final, resulta un intento fallido por mostrar un desencanto filosofal y existencial, canalizado a través de sus personajes, que se estanca en una trama demasiado forzada. Aunque aporta alguna que otra reflexión interesante, el film no acaba de funcionar. Lástima.

THALASSO. 2019. Francia. Color. 93 Min. 

Dirección: Guillaume Nicloux

Intérpretes: Michel Houellebecq, Gérard Depardieu, Maxime Lefrançois, Mathieu Nicourt, Daria Panchenko, Luc Schwarz

Guion: Declan May, Guillaume Nicloux

Fotografía: Christophe Offenstein

(2) ANTÒNIA FONT "Vostè és aquí" (2012)

Cuarenta microcanciones como gotas esparcidas en una atmósfera hipnótica. Así es como definiría al, lamentablemente, último trabajo de esta excelente banda mallorquina. La obra es una propuesta heterodoxa, innovadora y conceptual con estimables cortes, aunque, a decir verdad, también arriesgada. El hecho de que el trabajo ofrezca temas que no superan los dos minutos hace que algunos de ellos se queden a mitad camino, echando de menos una mayor profundización en cada pieza. 

Vosté és aquí no alcanza la excelencia de anteriores trabajos como Bafistato Katiuscas (06) o Lamparetes (11), no obstante es un estimable disco y supone un digno final que cierra una formidable carrera. 

Canciones destacadas en el disco (clicar para escuchar): 
Per jo i tots els ciclistes 
Leyenda negra 
Colors passant els cristalls 
Son Bonet estava controlat

(2) MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS, de Colm McCarthy (2016)

Dilema moral en el apocalipsis

Atrapada en un mundo apocalíptico, Melanie es víctima del azar. Le ha tocado vivir un momento y un espacio concreto de historia determinado en el que se tendrá que adaptar a las circunstancias sobrevenidas. Un virus asola el mundo y su contagio crea seres “hambrientos”, así es como se les llama a los humanos convertidos en zombies. No obstante, Melanie es alguien diferente, pertenece a esa serie de neonatos hallados que salieron de manera "especial" de sus madres: mitad zombis, mitad humanos son capaces de pensar, razonar e incluso empatizar.

El problema ético y filosófico lo plantea la Doctora Caroline Caldwell: ¿se les puede considerar personas? Ella cree que no, e intenta experimentar con ellos para dar con la vacuna que cure ese hongo que afecta a la paz mundial. Sin embargo se topa con la oposición y el convencimiento de Hellen quien piensa que el corazón y la emoción están por encima del cerebro. Con estos mimbres se abrirá una interesante guerra física y moral dando como resultado un estimable film en el que destaca la interpretación de la niña, Senia Nanua, quien obtuvo el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Sitges de 2016.

THE GIRL WITH ALL THE GIFTS. 2016. Reino Unido. Color. 111 Min. 

Dirección: Colm McCarthy

Intérpretes: Sennia Nanua, Paddy Considine, Gemma Arterton, Glenn Close, Anamaria Marinca, Dominique Tipper, Anthony Welsh, Fisayo Akinade, Yusuf Bassir

Guión: Mike Carey (Novela: Mike Carey)

Música: Cristobal Tapia de Veer
Fotografía: Simon Dennis

(1) COLOSSAL, de Nacho Vigalondo (2016)

Fallos por doquier

El último film de Nacho Vigalondo se podría definir como una película fallida porque propone una disparatada historia donde, a pesar de su prometedor arranque, nada acaba de funcionar.

Falla el drama, falla la acción, fallan los intentos de pincelada de comedia, falla la historia romántica entre los dos protagonistas… En definitiva, un cúmulo de despropósitos que hacen que esta obra sea como una motocicleta que, al llegarle más combustible del que realmente necesita, nunca termina de ponerse en marcha.

COLOSSAL. 2016. Canada. Color. 109 Min. 

Dirección: Nacho Vigalondo

Intérpretes: Anne Hathaway, Jason Sudeikis, Dan Stevens, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, Agam Darshi, Hannah Cheramy, Christine Lee  
Guión: Nacho Vigalondo

Música: Bear McCreary
Fotografía: Eric Kress