(2) CALLADITA, de Miguel Faus (2024)

De opresores y de oprimidos

De eso se trata esta película, de lo que reza el título en el encabezamiento. Estamos ante la sempiterna historia del opresor contra el oprimido, pero ahora contextualizada en nuestra sociedad repleta de doble moral, aporofobia (llamémosle clasismo) y racismo. Ana es de Colombia y trabaja como empleada doméstica en una mansión donde veranea una adinerada familia de marchantes de arte, todos muy presuntuosos y snobs. Tendrá que trabajar todo el verano y después (dice la señora) se lo compensarán en otoño. El caso es que no tiene contrato. Solo tiene una vaga promesa de conseguir los papeles y un salario dignos al final del verano. Como condición, le exigen que sea trabajadora, discreta y calladita. En su estancia podremos observar todos los tics discriminatorios y xenófobos que la rodean.

El film refleja de manera acertada el contraste entre esos dos mundos con una escenografía muy luminosa que choca con la oscuridad interna de Ana. Como denuncia funciona, eso es incuestionable, ahora bien; creo que el guion no resuelve muy bien algunas situaciones importantes, como la venganza de Ana a través de las criptomonedas del joven hijo del matrimonio. A pesar de estas lagunas, es justo reconocer que Calladita es una cinta que engancha y mantiene el interés.

CALLADITA. 2024. España. Color. 92 Min.

Dirección: Miguel Faus

Intérpretes: Paula Grimaldo, Ariadna Gil, Luis Bermejo, Pol Hermoso, Violeta Rodríguez, Nany Tovar, Victor Rebull, Eduard Torres, Álvaro Maisons, Miguel Fernandez, Alejo De Soler, Ayoub El Hilali

Guion: Miguel Faus

Música: Paula Olaz

Fotografía: Antonio Galisteo

(2) BLOCK-NOTES DI UN REGISTA, de Federico Fellini (1962)

Una hora en el proceso creativo felliniano

Fellini reflexiona acerca de algunos proyectos no nacidos que siempre tuvo presentes como “El viaje de Mastorna”, sobre escenas rechazadas como la del hombre del saco en “Las noches de Cabiria” y al respecto de sus trabajos futuros (por aquel entonces ya se estaba gestando “Fellini Satyricon”).

A través de una imaginería ad hoc y de personajes conocidos en su filmografía (Marcelo Mastroiani, Gulietta Massina, etc.) el director italiano refleja su metodología y sus preocupaciones en su proceso creativo. El trabajo está rodado en 16 mm para televisión y mayoritariamente en inglés, pues su origen tiene lugar cuando el productor de la televisión de la NBC, Peter Goldfard, se dirige a grabar un programa de una hora de duración sobre el trabajo de Fellini. Interesante documento que nos permite conocer y profundizar en su manera de hacer cine.

BLOCK-NOTES DI UN REGISTA. 1969. Italia. Color. 52 Min.

Dirección: Federico Fellini

Intérpretes: Personas documental

Guion: Federico Fellini, Bernardino Zapponi

Música: Nino Rota

Fotografía: Pasqualino di Santis

Críticas de Fellini (clicar en este mismo enlace para leer las críticas)

(3) LA INFANCIA DE IVÁN, de Andrei Tarkovsky (1962)

Sueños en tiempos de guerra

La infancia en tiempos de la segunda guerra mundial es la temática de este primer largometraje (sin contar los documentales) de Andrey Tarkovsky. Esta ópera prima fue un film de encargo, pues fue llamado para reemplazar a otro director que acababa de ser despedido por parte de la productora Mosfilm.

A partir de un relato corto de Vladimir Bogomolov, el realizador ruso plasma de una manera muy acertada las diferentes psicologías de los personajes que van, desde los sentimientos más profundos, hasta las distintas alteraciones del ánimo de cada uno de ellos.  Las bellas imágenes, los contrastes tan fuertes entre lo que realmente debería ser la infancia de un niño (madre, playa, juegos…) y la cruda realidad de la guerra (trinchera, bombardeos…) dotan a la obra de un poso amargo y descarnado.

Tarkosvsy plantea la trama como un teatro interior donde no podemos observar escenas belicosas en sí mismas. Antes bien, el director muestra todas las emociones humanas que fluyen en el devenir de una contienda. Es ahí, donde dimanan las divergentes motivaciones de cada personaje: el amor y el deseo carnal con la pugna por la conquista femenina de por medio (médica militar), el paso de la niñez a la adultez que pretende Iván junto con su afán por formar parte en la batalla. 

La desazón del niño por perder a su hermana y su madre es una sombra muy alargada que le va persiguiendo a cada momento. Dicha penumbra se traducirá en los sueños que muestra la cinta, donde Tarkosvky le da un matiz experimental cercano a lo surreal con el objeto de acentuar el desasosiego permanente en el interior del niño.

Su crudo final da como resultado una interesante película, a veces entrecortada narrativamente, que destaca por lo poético, onírico y, especialmente, por su trasfondo antibélico.

IVANOVO DETSTVO. 1962. URSS. Blanco y Negro. 95 Min.

Dirección: Andrei Tarkovsky

Intérpretes: Nikolai Burlyayev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko, Dmitri Milyutenko

Guion: Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava

Música: Vyacheslav Ovchinnikov

Fotografía: Vadim Yusov

(4) ANORA, de Sean Baker (2024)

Cuando las hadas se pervierten

Una joven prostituta. Un joven (Iván), hijo de un oligarca ruso, que dispone de una inmensa fortuna. Un enamoramiento vertiginoso. Una boda. ¿Fueron felices y comieron perdices? Eso es lo que parecería en un principio. Después de la primera media hora, pensé que iba a ver una extensión de "Pretty Woman" aderezada con estampas de videoclip de “Nueve semanas y media”, pero nada más lejos de la realidad: a partir de entonces, todo comienza, en el buen sentido de la palabra, a desvariar.

Anora es una película profundamente humana en la que intervienen estados personales tan consustanciales a nuestra psicología como la satisfacción, la ilusión, la frustración, el amor, el sexo, el egoísmo y la traición. El argumento se encarga de decirnos que la vida no es un cuento de hadas y, por ello, esparce su mala leche a través del perturbador comportamiento de la familia que rodea a Iván; un auténtico hijo de papá, un ni-ni caprichoso que consigue engañar la mente ingenua y romántica de Anora. Además, el filme pone sobre el tapete el tema de la prostitución, mostrando su crudeza y la instrumentalización que el poder económico ejerce sobre las personas.

Pero detrás de esa road movie se esconde el amor secreto que se personifica en Igor, el escolta. Parece mentira que aquel tipo de aspecto rudo que, de manera agresiva, irrumpe en la casa de los recién casados pueda tener sensibilidad. Una sensibilidad que no se cuenta, sino que se percibe a través de gestos y miradas, y que se desarrolla de una manera muy hermosa a lo largo de la relación de amor y odio que mantienen entre ellos.

Más allá de todas estas reflexiones de contenido, hay que decir que la película es trepidante, entretenida y llena de vida. Es imposible no quedar atrapado en su trama y seguir las aventuras del cuarteto que persigue al protagonista. Y sí, te identificas con Anora y sientes pena por ella. ¿Cuántas veces nos hemos ilusionado para acabar completamente decepcionados?

El final, con la explosión de Anora sobre el escolta, es absolutamente amargo y desgarrador, cerrando la historia con un gran impacto emocional. Una gran obra que, para mí, es una de las sorpresas cinematográficas de 2024.

ANORA. 2024. Estados Unidos. Color. 138 Min.

Dirección: Sean Baker

Intérpretes: Mikey Madison, Yura Borisov, Ivy Wolk, Lindsey Normington, Darya Ekamasova, Karren Karagulian, Mark Eidelshtein, Emily Weider, Luna Sofía Miranda, Vincent Radwinsky, Brittney Rodriguez, Sophia Carnabuci, Anton Bitter, Ella Rubin

Guion: Sean Baker

Música: Matthew Hearon-Smith

Fotografía: Drew Daniels

(3) SEGUNDO PREMIO, de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez (2024)

Relaciones personales en el proceso creativo

Con un enfoque diferente a los clásicos biopics de toda la vida, esta película (o no) sobre Los Planetas trata sobre el proceso de creación de su tercer magnífico disco: “Una semana en el motor de un autobús”. Suele ocurrir que, a veces, seguimos a nuestros grupos de música favoritos durante años sin preguntarnos cómo ha sido el traco personal entre ellos; si ha habido sinergia o si, por el contrario, las relaciones han sido tormentosas. Porque, al fin y al cabo, su comportamiento es como el de una familia, con sus claroscuros y con sus sensaciones agridulces.

Después de los dos primeros discos —el primero con éxito y el segundo menos, debido a su carácter psicodélico—, la banda pierde fuelle. Su bajista deja el grupo para dedicarse a estudiar y el guitarrista entra en un proceso de autodestrucción a través de los estupefacientes. J., el cantante, lucha para que las musas no lo abandonen y le mantengan la inspiración en la escritura y en la composición. En su interior sabe que el anhelo por recuperar a sus dos compañeros (física y espiritualmente) supone un gran obstáculo para desarrollar sus ideas creativas.

Es muy interesante su narrativa repleta de imágenes introspectivas en las que se prioriza la psicología de los personajes, así como la manera de mostrarnos el duro trabajo como músicos que se mezcla con la hipnótica sonoridad de la banda. Hasta que, poco a poco, nos adentramos en su universo planetario que dará paso a unos trabajos que tendrán una importancia capital en la escena musical del Estado español.

SEGUNDO PREMIO. 2024. España. Color. 109 Min.

Dirección: Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez

Intérpretes:  Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Chesco Ruiz, Eduardo Rejón

Guion: Isaki Lacuesta, Fernando Navarro. Biografía sobre: Los Planetas

Música: Susana Hernández 'Ylia'. Canciones: Los Planetas

Fotografía: Takuro Takeuchi

(2) EL 47, de Marcel Barrena (2024)

Gran trabajo de Eduard Fernandez

Superación, determinación y fe, mucha fe, es el titular que podría encabezar esta historia que comienza desde el número cero, exactamente en el momento en que llega un grupo de inmigrantes extremeños y andaluces a la periferia de Barcelona. Los obstáculos por unas leyes absurdas ("si no tenía el techo puesto, se tenía que derribar la construcción") y la indiferencia de las instituciones hacen que este segmento de la población tenga que vivir con condiciones bastante precarias (cortes de agua y de luz, falta de farolas y de asfalto...).

La historia da un salto desde el año 58 hasta el 78. En esa elipsis se pueden intuir las penurias por las que tuvieron que pasar. Sin embargo, poco importaba, porque los vecinos no desfallecieron y, agrupados, lucharon clandestinamente reivindicando su derecho a ser considerados parte de la ciudad (pintadas en el ayuntamiento incluidas).

Después de muchos intentos infructuosos para que pusieran una línea hasta el barrio de Torre Baró, Manolo Vital, conductor de autobús de la 47, con gran empuje, toma la determinación de secuestrar (“dicen que es un secuestro, pero yo creo que es una necesidad”) el vehículo y llevarlo hasta el distrito.

A pesar de que su realización opta por un enfoque más acotado, priorizando los primeros planos y el intimismo por encima de los grandes escenarios (eso sí, con una acertada intercalación de imágenes de los años setenta) y reduciendo su autenticidad, es justo reconocer que la película estremece y emociona, pero es en parte gracias al espectacular trabajo de Eduard Fernández, en el papel del extremeño inmigrante que sueña con forjarse un gran futuro en Cataluña.

EL 47. 2024. España. Color. 110 Min.

Dirección: Marcel Barrena

Intérpretes: Eduard Fernández, Clara Segura, Zoe Bonafonte, Salva Reina, Óscar de la Fuente, Betsy Túrnez, Carlos Cuevas, David Verdaguer, Vicente Romero, Aimar Vega, Carme Sansa, Lolo Herrero, Borja Espinosa, María Morera, Elena Fortuny

Guion: Marcel Barrena, Alberto Barini

Música: Arnau Bataller

Fotografía: Isaac Vila

(2) LA CASA, de Álex Montoya (2024)

Cuando la materia cobra vida

A veces, las cosas materiales tienen más vida que la propia vida. De ellas brotan recuerdos que hablan y nos proyectan imágenes evocadoras de un tiempo que, lamentablemente, ya no podremos volver a vivir. Esas pequeñas (grandes) cosas alojadas en un rincón, en un papel o en un cajón —parafraseando a Serrat— nos saludan al descubrirlas para darnos una sorpresa tan inesperada como bienvenida. Y de repente, nos captura la nostalgia. Y comenzamos a valorar momentos dorados que estaban escondidos en algún lugar recóndito de nuestro cerebro.

Esto es precisamente lo que les sucede a los tres hermanos, y sus respectivas familias, tras la muerte de su padre cuando se reúnen en la casa de campo donde pasaban los fines de semana y las vacaciones durante su infancia. Una vez que deben decidir qué hacer con la casa, comenzarán a surgir las dudas y a fluir un sinfín de emociones que tendrán que gestionar. Como en cada familia, existen caracteres e intereses diferentes. Por ello, los inevitables conflictos se muestran como parte de un proceso natural por el que deben pasar, esto es, asumir la muerte de su progenitor y todo lo que conlleva.

Álex Montoya hace una atractiva adaptación de la novela gráfica de Paco Roca. Llena de poesía, de referencias metafóricas y de imágenes que nos transportan a ese tiempo pasado con una deliciosa pequeñita pantalla retro. A pesar de sus altibajos, creo que es un film para degustarlo tranquilamente. Vale la pena.

LA CASA. 2024. España. Color. 83 Min.

DireccióN: Álex Montoya

Intérpretes: David Verdaguer, Óscar de la Fuente, Luis Callejo, Olivia Molina, María Romanillos, Lorena López, Marta Belenguer, Jordi Aguilar, Miguel Rellán, Tosca Montoya

Guion: Álex Montoya, Joana M. Ortueta. Novel·la gràfica: Paco Roca

Música: Fernando Velazquez

Fotografía: Guillem Oliver