(3) EL POLÍTICO (1949), de Robert Rossen

Corrupción política

Siempre ha sonado utópica la idea del político como persona que se dedica a hacer el bien para la sociedad. A pesar de que todo lo que nos rodea está relacionado con la política, a lo largo del tiempo hemos podido constatar que términos como "corrupción política" o "político corrupto" se han convertido en pleonasmos que se han instalado entre nosotros desde casi los inicios de esta actividad. Por esta razón, dada la imposibilidad de desemparejar ambos conceptos, esta película es, y será, atemporal.

La historia se centra en la figura de Willie Stark, en su ascenso y su metamorfosis. Aunque en un primer momento mostraba destellos de honestidad, preocupándose por el bienestar social y económico de los campesinos y la población más desfavorecida del estado, al final termina —como casi todo el mundo— claudicando. En medio se dibuja un relato de inseguridades, celos y diferencias de clase que a veces quedan como erráticas e imprecisas (no me acabo de creer del todo la infidelidad de la novia del periodista o la venganza final del médico). 

Sin embargo, destacaría sus recursos fílmicos, con la utilización de diferentes planos cinematográficos que enfatizan su narración, y especialmente, la denuncia implícita al sistema y a gran parte de los implicados en asuntos políticos que pervierten la esencia de su objetivo primigenio, que no es otro que garantizar el bien común de una sociedad. Este discurso tan peligroso hace que nos adentremos dentro del terreno resbaladizo del populismo y la demagogia. Ejemplos tenemos en abundancia en el transcurso de nuestra historia.

ALL THE KING'S MEN . 1949. Estados Unidos. Blanco y Negro. 109 Min.

Dirección: Robert Rossen
Intérpretes: Broderick Crawford, John Ireland, Joanne Dru, John Derek, Mercedes McCambridge, Shepperd Strudwick, Ralph Dumke, Anne Seymour, Katherine Warren

Guion: Robert Rossen. Novel·la: Robert Penn Warren

Música: Louis Gruenberg, George Duning

Fotografía: Burnett Guffey

(2) LA JOVEN (THE YOUNG ONE) (1960), de Luis Buñuel

Sombras de indefensión

Basada en un relato corto de Peter Matthiessen ("Travelin’ Man"), la cinta es una coproducción mexicana junto con los Estados Unidos, de ahí su rodaje en inglés.

La joven es una película con aspectos interesantes donde subyace la indefensión aprendida de los más vulnerables. Cabe destacar, especialmente, un acertado tratamiento de conceptos tan controvertidos como son el racismo y el abuso de menores en un contexto donde la desigualdad y la falta de derechos eran el denominador común. También hay que añadir una cuidada puesta en escena y unas buenas interpretaciones en una historia que engancha desde el primer momento, cosa que pone de manifiesto el oficio del realizador aragonés. Y es que, a pesar de ser un film “poco Buñuel” —entre otras cosas porque fue un trabajo de encargo—, hay que reconocer que estamos ante una obra digna, aunque menor, de su filmografía.

LA JOVEN (THE YOUNG ONE). 1960. México. Blanco y Negro. 91 Min.

Dirección: Luis Buñuel
Intérpretes: Zachary Scott, Bernie Hamilton, Key Meersman, Crahan Denton, Claudio Brook

Guion: Hugo Butler, Luis Buñuel. Cuento: Peter Mathiessen

Fotografía: Gabriel Figueroa

(4) LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (1956), de Don Siegel

De la anodinia a lo anodino

¿Sería mejor una vida sin dolor, sin sufrimiento, tal como plantean los personajes abducidos de este film? Pudiera ser que, sin pensar, en la primera centésima de segundo, dijéramos que nos abrazaríamos a una existencia desprovista de pesadumbre. Sin embargo, inmediatamente cambiaríamos de parecer y tal pensamiento sería como la fugacidad de una nube que pasa por el cielo porque —si se me permite el juego de palabras—, en caso de que respondiéramos afirmativamente a la pregunta que encabeza este artículo, haríamos el funesto tránsito de la anodinia a lo anodino. Y es que, a decir verdad, horroriza pensar que podamos conocer un mundo carente de empatía y emociones, un universo rodeado de personas indiferentes y ajenas a los sentimientos del prójimo.

En el sustrato de La invasión de los ladrones de cuerpos hallamos este mensaje apocalíptico de los peligros que corremos ante una sociedad insolidaria, una alegoría de la deshumanización que actúa también como denuncia ante el macartismo reinante. 

Don Siegel lo canaliza todo lo expuesto a través de esta historia de ciencia ficción con impactantes imágenes: vainas, personas como autómatas, cuerpos reproduciéndose… Si a ello le añadimos la presión psicológica que supone el hecho de no poder dormir para no convertirte en uno de “ellos” o el choque emocional de descubrir a tus personas allegadas sin su alma interior, el resultado es un abrumador desasosiego. Una joya imprescindible y atemporal que es preciso conocer.

INVASION OF THE BODY SNATCHERS . 1956. Estados Unidos. Blanco y Negro. 80 Min.

Dirección: Don Siegel
Intérpretes: Kevin McCarthy, Dana Wynter, Larry Gates, King Donovan, Carolyn Jones, Jean Willes, Ralph Dumke, Sam Peckinpah, Virginia Christine, Tom Fadden, Kenneth Patterson, Dabbs Greer

Guion: Daniel Mainwaring. Relatos: Jack Finney

Música: Carmen Dragon

Fotografia: Ellsworth Fredericks

(3) LA ESCAPADA (IL SORPASSO) (1962), de Dino Risi

Dos personalidades diferenciadas

Dentro de esta comedia con tintes de road-movie que, en un principio, parece despreocupada y superficial, nos damos cuenta —a medida que el metraje avanza— de que la historia habla de la psicología de los seres humanos. De este modo, en los dos personajes se pueden vislumbrar rasgos diferenciales que resaltan la personalidad de cada uno. Uno, Bruno Cortona (Vittorio Gassman), fanfarrón, espontáneo, desenvuelto y poco comprometido con los de su alrededor; el otro, Roberto Mariani (Jean-Louis Trintignant), es un estudiante tímido, inhibido y conservador emocional. El hecho es que a cada uno de los dos le gustan cosas del otro; así, Bruno, aunque no lo diga, envidia la sobriedad, control y caballerosidad de Roberto y éste, por el contrario, desea el atrevimiento y la filosofía de vida cercana al "carpe diem" del primero.

Il sorpasso es una comedia que empieza de la nada y que se convierte en una disparatada aventura, con gags graciosos y divertidas situaciones de enredo. Ese subidón de risa continua termina, sin embargo, en algo inesperado. Y es que la manida frase: "eres joven, vive deprisa" tiene sus consecuencias si no se sabe, de alguna manera, contener. La homeostasis, un equilibrio que rija la vida, se ha buscado a lo largo de los tiempos. Pero ¡cuán difícil es! ¿Verdad, Vittorio Gassman?

IL SORPASSO . 1962. Italia. Blanco y Negro. 105 Min.

Dirección: Dino Risi
Intérpretes: Vittorio Gassman, Catherine Spaak, Jean-Louis Trintignant, Claudio Gora, Luciana Angiolillo, Franca Polesello, Linda Sini, Bruna Simionato, Annette Stroyberg, Mila Stanic, Lilly Darelli, Nando Angelini

Guion: Dino Risi, Ettore Scola, Ruggero Maccari

Música: Riz Ortolani

Fotografia: Alfio Contini

(3) LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA (1946), de William Wyler

De vuelta a casa en la posguerra

Los mejores años de nuestra vida tiene la apariencia de película simple. Por su estructura formal da la sensación de ser una historia que busca la lágrima fácil, esto es: puro entretenimiento superficial para pasar el rato, sin más pretensiones. Sin embargo, escarbando en su trama encontramos una profundidad por la que se analizan traumas, pasiones y emociones humanas. Y es que esta película de William Wyler es una obra perfecta de artesanía que conjuga sagazmente comedia, drama y cine social.

Finalizada la Segunda Guerra Mundial, una vez de vuelta a casa, el trauma bélico —con la constante metáfora de los garfios que simbolizan la monstruosidad de las contiendas bélicas— aparece en el trío protagonista. Los tres sienten que no encajan en la sociedad con la que se encuentran; todo está en el mismo sitio, pero al mismo tiempo, todo ha cambiado. Asimismo, la heroicidad que en un principio emanaban se torna en marginalidad, por lo que han de intentar buscar trabajo o, al menos, mantener el que tenían. Homer queda discapacitado y el miedo se apodera de él (necesitará ayuda para vestirse y no sabe si su novia lo aceptará o supondrá una carga para ella) y Fred se topa de nuevo con sus problemas matrimoniales, surgiendo el divertido (y complicado) enamoramiento con Peggy, la hija de Al. 

Lo que subyace en el argumento es una denuncia hacia el papel que juega el país con los veteranos de guerra (la frase del encargado de la tienda de perfumes es demoledora: “Nadie puede estar seguro en su trabajo con todos esos veteranos que vuelven”). O sea, existe una confrontación no resuelta que el film muestra remarcando esa falta de sensibilidad de la nación para con aquellos que regresan del conflicto.

Continuando con esta manifestación crítica, la cinta realiza una pequeña revolución dejando en evidencia la falta de escrúpulos de las entidades bancarias (algo que se puede extrapolar a la actualidad) a la hora de conceder préstamos de manera concertada con el gobierno.  Al, habla de valores (generosidad, bondad, buen corazón…) que están reñidos con esa economía alejada del bien común que se practica. Ahí es cuando asoma una interesante contraposición entre humanidad y negocio —en el sentido peyorativo del mismo— donde Al se convierte en el abanderado de la ética contra la ferocidad salvaje del capitalismo. 

No puede faltar el personaje pro nazi (escena de la heladería) que representa el fascismo permanente y arraigado que desgraciadamente llega hasta nuestros días. Todo ello está puesto sobre el tapete de manera entremezclada, cosa que le da más valor a la grandeza de la dirección pues, en un metraje que casi llega a las tres horas, conjuga una gran cantidad de variables (guerra, traumas, familia, amistad, amor, adulterio, matrimonio…).

Como anécdota, comentar que Harold Russell se interpretó a sí mismo, ya que fue un verdadero mutilado de guerra. Además, la película fue vigilada en la llamada “caza de brujas” del senador Joseph McCarthy por considerarla de contenido subversivo, al hablar de la adaptación a la paz y lo complicado que puede resultar.

THE BEST YEARS OF OUR LIVES . 1946. Estados Unidos. Blanco y Negro. 170 Min.

Dirección: William Wyler
Intérpretes: Myrna Loy, Fredric March, Dana Andrews, Teresa Wright, Virginia Mayo, Cathy O'Donnell, Hoagy Carmichael, Harold Russell, Gladys George, Ray Collins, Roman Bohnen, Minna Gombell, Walter Baldwin, Dorothy Adams, Steve Cochran

Guion: Robert E. Sherwood. Novel·la: MacKinlay Kantor

Música: Hugo Friedhofer

Fotografía: Gregg Toland

(3) LOS AMANTES DE MONTPARNASSE (1958), de Jaques Becker

El arte como elemento trangresor

Una vida tormentosa que lleva a la autodestrucció donde el amor y el arte se mezclan en una existencia decadente. Esta película habla sobre creer en uno mismo, de la depresión, del alcoholismo y del amor abnegado. Además, refleja el contraste entre el arte como expresión interior y como elemento transgresor frente al arte como negocio.

Una historia bien construida que sabe captar al espectador. Técnicamente formidable y, aunque tiene altibajos, con una última parte magistral. 

Sé que eran otros tiempos, pero resulta molesta la violencia de género y el tufillo patriarcal que destila. No obstante, estamos ante una gran obra que merece conocerse.

LES AMANTS DE MONTPARNASSE . 1958. Francia. Blanco y Negro. 115 Min.

Dirección: Jaques Becker
Intérpretes: Gérard Philipe, Lilli Palmer, Lea Padovani, Gérard Séty, Lino Ventura, Anouk Aimée, Lila Kedrova

Guion: Jacques Becker. Novel·la: Michel-Georges Michel

Música: Paul Misraki

Fotografía: Christian Matras

(3) MEMORIAS DEL SUBDESARROLLO (1968), de Tomás Gutiérrez Alea

Reflexiones equidistantes

Perdido en las profundidades de una sociedad convulsa, la contradicción se erige como el sustento de una historia tintada de pesadumbre. El protagonista, burgués intelectual que vive de las rentas de alquiler, nada en el mareante oleaje que transita en el proceso revolucionario cubano. Crítico e irónico, su pasividad actúa como un mecanismo de defensa ante el bloqueo existencial que le han producido las indefectibles transformaciones de su país. Pasividad que, por cierto, recuerda a la inacción que a lo largo de la historia los ciudadanos ejercitan ante los peligros inminentes que se les avecinan (un claro ejemplo lo tenemos en el ascenso del fascismo en la actualidad y nuestro connivente inmovilismo).

Desde un punto de vista formal, la película es absolutamente sorprendente por su modernidad y por su rompedor lenguaje fílmico. De esta manera, combina secuencias documentales y una narración no lineal con imágenes de archivo, dibujando así una línea muy fina que separa la ficción de la realidad.

Las contradicciones de Sergio, su personaje principal, existen también en su vida personal y deambulan a través de sus reflexiones, que se tornan críticas con todo aquello que le rodea (el exilio de su familia a Estados Unidos, sus problemas con las mujeres y su inconsistente ideología en la revolución). La película está impregnada de los razonamientos del discurso marxista, que juegan con la equidistancia de su protagonista.

Memorias del subdesarrollo, por su interesante argumento y por su planteamiento formal, es un film importante que debe verse.

MEMORIAS DELS SUBDESARROLLO. 1950. Cuba. Blanco y Negro. 97 Min.

Dirección: Tomás Gutiérrez Alea
Intérpretes: Sergio Corrieri, Daisy Granados, Eslinda Núñez, Omar Valdés, René de la Cruz, Yolanda Farr, Ofelia González, Jose Gil Abad, Daniel Jordan, Luis López

Guion: Tomás Gutiérrez Alea, Edmundo Desnoes. Novela: Edmundo Desnoes

Música: Leo Brower

Fotografía: Ramón F. Suárez

(3) EVA AL DESNUDO (1950), de Joseph L. Mankiewicz

Carácter calculador

El arribismo y la manipulación observados escrupulosamente por la cámara de Mankiewicz. En el centro, Eve, su protagonista, una aparente mosquita muerta que poco a poco va succionando el cerebro de su grupo teatral a través de una empatía y bondad impostadas. La película nos enseña cómo el ser humano es capaz de priorizar el ego y cómo puede instrumentalizar a sus iguales para lograr sus objetivos, sin importarle aplastar y destruir al otro. La pregunta que nos asaltaría sería: "¿El fin justifica los medios?". El film nos diría: "Esto lo tendrá que valorar el espectador". Efectivamente, uno de sus grandes méritos es su capacidad para hacernos reflexionar y dejar muchas cosas abiertas para su interpretación (por ejemplo, ¿tienen una relación Eve y Lloyd Richards?). La verdad es que Eve nos engaña a todos. Estoy seguro de que cualquiera, apenado al escuchar sus penurias, le habría dado toda la confianza. La realidad es que somos seres humanos y, como muy bien refleja la película, a veces la traición y la comprensión van de la mano.

Margo, una grandiosa Bette Davis, representa el otro lado. Una actriz consagrada que tiene que luchar contra el paso del tiempo y, sin quererlo, enfrentarse a los espurios propósitos de la energía joven de Eve. Un contrapunto que, aunque al final (ley de vida) todos terminan consumidos por sus propios miedos, muestra la vulnerabilidad (el envejecimiento y la pérdida de relevancia artística) ante la sensación de inmortalidad que acompaña a las estrellas en el punto más álgido de su carrera.

Finalmente, Eve prueba de su propia medicina y se ve atrapada por la trampa de Addison, el crítico teatral que desde el principio intuye las maléficas intenciones —ocultas bajo una dulce apariencia— de la aspirante a actriz. Como una rueda, la cinta cierra el círculo con Phoebe, otra candidata dispuesta a seguir los mismos pasos manipuladores que Eve usó para llegar a la cima del mundo teatral.

En definitiva, una obra que se presenta como un trasunto de las relaciones humanas, con un guion ágil y que cuenta con unas magníficas interpretaciones, especialmente la de Anne Baxter en el papel de la ingenua Eve. Tal vez el mundo del espectáculo tenga ese carácter calculador que, por supuesto, es extrapolable —sin ningún género de dudas— a la vida misma.

ALL ABOUT EVE. 1950. Estados Unidos. Blanco y Negro. 138 Min.

Dirección: Joseph L. Mankiewicz
Intérpretes: Bette Davis, Anne Baxter, Gary Merrill, George Sanders, Celeste Holm, Thelma Ritter, Marilyn Monroe, Craig Hill, Barbara Bates, Hugh Marlowe, Gregory Ratoff, Walter Hampden

Guion: Joseph L. Mankiewicz. Història: Mary Orr

Música: Alfred Newman

Fotografía: Milton R. Krasner

(2) CRÓNICA DE UN AMOR (1950), de Michelangelo Antonioni

Deseos internos

Las decisiones equivocadas en la vida, los celos y la ceguedad u ofuscamiento que proporciona el dinero son los pilares en los que se basa este correcto melodrama, ópera prima del director Michelangelo Antonioni.

Estas tensiones internas, junto a otras como el remordimiento o el sentimiento de culpa, son el motor de las reacciones de sus protagonistas. La omisión en el rescate del ascensor es una clara alusión a “los actos fallidos freudianos”, evidenciando la declaración de principios de la pareja protagonista que los unirá y condenará en el futuro.

En definitiva, acciones humanas (e inconscientes) que se mezclan en un thriller muy bien ambientado, detectivesco y que mantiene su interés en la poco más de hora y media de metraje (las remembranzas al “El cartero siempre llama dos veces”, de Tay Garnett, son inevitables). Este film impulsó la carrera de su realizador, siendo la semilla de sus posteriores obras.

CRONACA DI UN AMORE. 1950. Italia. Color. 100 Min.

Dirección: Michelangelo Antonioni
Intérpretes: Massimo Girotti, Lucia Bosè, Rubi Dalma, Franco Fabrizi, Anita Farra, Gino Cervi, Gino Rossi

Guion: Michelangelo Antonioni, Daniele d'Anza, Silvio Giovanietti, Francesco Maselli, Piero Tellini

Música: Giovanni Fusco

Fotografía: Enzo Serafin

(2) LAS RATAS (1997), de Antonio Giménez-Rico

Pueblos castellanos sometidos al latifundismo

Fiel y correcta adaptación de la obra de Miguel Delibes en la que se ofrece un retrato costumbrista de la Castilla rural de los años 50. La miseria y el hambre, la dependencia de la climatología para sobrevivir, la sabiduría popular (introducida en el comportamiento y las aptitudes del niño), la pugna entre lo presuntamente moderno y lo tradicional… Todo ello conforma un entramado que impregna al film de una pátina donde se refleja la España de la época. De esta manera, la obra realiza una demostración de los elementos dominadores de la sociedad: pobreza, ignorancia, analfabetismo y la preocupación del Estado por dar una buena imagen de cara al exterior antes que dotar a su gente de unas condiciones dignas alejadas de la precariedad en la que viven.

El metraje está muy bien estructurado (en las estaciones del año) y con unas atractivas interpretaciones (el papel del niño tiene gancho). Eso, sumado a los exteriores acompañados de una sugestiva fotografía de Teo Escamilla, da como resultado una cinta que, a pesar de algunas lagunas en la exposición de algunas tramas y personajes del libro, contiene aspectos interesantes.

LAS RATAS. 1997. España. Color. 100 Min.

Dirección: Antonio Giménez Rico

Intérpretes: Álvaro Monje, José Caride, Juan Jesús Valverde, Francisco Algora, Esperanza Alonso, Joaquín Hinojosa, José Conde, Paloma Paso Jardiel, Susi Sánchez, Concha Gómez Conde, Luis Pérezagua, Jorge Merino, Lucas Rodríguez, Ángel Terrón

Guion: Antonio Giménez Rico. Novela: Miguel Delibes

Fotografía: Teo Escamilla

(2) LA HIJA OSCURA (2022), de Maggie Gyllenhaal

Madre antinatura

No sé si el trastorno que sufren las dos protagonistas de esta película ha sido frecuente a lo largo de la historia, pero, por extraño que parezca, estas personas se ven inmersas en un estado depresivo que las lleva a alejarse de sus propios hijos, como una especie de "Saturno devorando a su hijo" en versión terrenal.

La película retrata el tormento que viven estas madres, conscientes de que actúan egoístamente y de que hacen daño a sus descendientes. Desde este punto de vista, la historia resulta interesante, especialmente durante la primera media hora, cuando Leda Caruso, que está de vacaciones en un lugar de Grecia, se identifica con la madre de una familia que veranea allí, evocando recuerdos de su época como madre primeriza.

El film presenta dos líneas temporales diferenciadas: una en el presente y otra a través de flashbacks de cuando la protagonista tenía a sus hijas pequeñas. Sin embargo, en mi opinión, la parte evocadora pierde interés y se vuelve tediosa con las angustias e infidelidades de la madre. La obra parece no encontrar su tono, ya que, aunque transmite el sufrimiento emocional de una madre dividida entre el amor y el desamor hacia sus hijas, el resto de la historia queda desdibujado (como la familia vulgar que aparece o la relación con el encargado, interpretado por Ed Harris). Es una lástima, porque el inicio de la película tenía mucha fuerza.

THE LOST DAUGHTER. 2022. Estados Unidos. Color. 120 Min.

Dirección: Maggie Gyllenhaal
Intérpretes: Olivia Colman, Jessie Buckley, Dakota Johnson, Ed Harris, Peter Sarsgaard, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Alba Rohrwacher

Guion: Maggie Gyllenhaal. Novel·la: Elena Ferrante

Música: Dickon Hinchliffe

Fotografía: Hélène Louvart

(2) LA BANDA (2019), de Roberto Bueso

Encontrar nuestro lugar

Momentos en la vida en los que, aunque parezca lo contrario, nos sentimos desubicados y queremos encontrar nuestro lugar. Decisiones que a veces van en contra de nuestro corazón emocional. Decisiones que, al fin y al cabo, son difíciles porque no podemos asumirlo todo a la vez.

Son tantas las cosas que debemos gestionar en nuestra existencia…

Que si nuestro futuro profesional, que si las amistades, que si el amor. ¡Ah! ¡El amor! El amor, aunque lo miremos de soslayo, es el centro de todo. El amor por la familia, por los amigos, y el amor pasional por esa otra parte que camina paralela a nosotros.

Las emociones, los sentimientos, la solidaridad, la utopía incansable de la felicidad…

“La banda” es todo eso: un itinerario de reconstrucción hecho con sencillez, al igual que los actores no profesionales que aparecen en ella. Su historia te atrapa desde el primer instante, y da prioridad a los gestos, a los silencios, a esa comunicación no verbal que es la voz interior de nuestra alma.

Una película estimable que, a pesar de no ser una producción extraordinaria, atesora un sentido lírico en el que muchos de nosotros nos veremos reconocidos.

LA BANDA. 2019. España. Color. 86 Min.

Dirección: Roberto Bueso
Intérpretes: Gonzalo Fernández , Charlotte Vega, Pepo Llopis, Xavi Giner, Hugo Rubert, Baiana Plana, Carlo Blanco, Enric Benavent, Inma Sancho

Guion: Roberto Bueso

Música: Vicente Ortiz Gimenez

Fotografía: Víctor Entrecanales

(3) LA REGLA DEL JUEGO (1939), de Jean Renoir

Costumbrismo pactado

Jean Renoir realiza, desde un punto de vista psicológico, una disección de la alta burguesía de la Francia de finales de los años 30 para mostrar los comportamientos emanados de las pulsiones internas de sus protagonistas. Conductas caprichosas, virajes éticos y razonamientos pueriles desfilan en una puesta en escena donde las costumbres morales son criticadas en cada secuencia.  Son reglas de juego que hay que respetar y, por ende, la hipocresía y la falsedad serán el denominador común de una vida alejada de la candidez y de la honestidad.

El director utiliza inteligentemente una fantástica planificación donde se refleja un fresco coral con tintes cómicos. Así, una de las grandes virtudes de este film es la concatenación de una gran cantidad de géneros: la misma comedia, el melodrama, el vodevil —en realidad es una obra muy teatral— o el slapstick. 

Destaca, especialmente, su innovadora manera de narrar —excelentes diálogos— las situaciones donde se aleja de los cánones clásicos. Por todo ello, esta película tuvo una notable influencia en los directores europeos posteriores.

LA RÈGLE DU JEU. 1939. Francia. Blanco y negro. 113 Min.

Dirección: Jean Renoir
Intérpretes: Marcel Dalio, Nora Gregor, Roland Toutain, Jean Renoir, Mila Parély, Paulette Dubost, Gaston Modot, Julien Carette

Guion: Jean Renoir, Carl Koch

Música: Roger Désormières, Wolfgang Amadeus Mozart, Pierre-Alexandre Monsigny

Fotografía: Jean Bachelet

MEJORES FILMS 2024

1.  ANORA, de Sean Baker

2. THE BRUTALIST, de Brady Corbert

3. CÓNCLAVE, d'Edward Berger

4. LA VIDA DE CHUCK, de Mike Flanagan

5. LA HABITACIÓN DE AL LADO, de Pedro Almodóvar

6. SIEMPRE NOS QUEDARÁ MAÑANA

7. ENCARA SOC ACÍ, de Walter Salles

8. LOS DELINCUENTES, de Rodrigo Moreno

9. CIVIL WAR, d'Alex Garland

10. LA SUBSTÀNCIA, de Coralie Fargeat

11. LA SINGULAR VIDA D'IBELIN, de Benjamin Ree

12. IO CAPITANO, de Matteo Garrone

13. DREAM SCENARIO, de Kristoffer Borgli

14. DESCONEGUTS (ALL OF US STRANGERS) , d'Andrew Haigh

15. MEMÒRIES D'UN CARAGOL, d'Adam Elliot 

16. LA LLAVOR DE LA FIGUERA SAGRADA, de Mohammad Rasoulof

17. MARCO, d'Aitor Arregi i Jon Garaño

18. RITA, de Paz Vega

19. LA GUITARRA FLAMENCA DE YERAI CORTÉS, de C. Tangana

20. LOS DESTELLOS, de Pilar Palomero

(3) AÚN ESTOY AQUÍ (2024), de Walter Salles

Víctimas universales

Aún estoy aquí es un título que universaliza a todas las víctimas de las dictaduras. Sus verdugos pensaban que, destruyéndolos y haciéndolos desaparecer, era suficiente. Tal vez no contaban con que tendrían frente a ellos a quienes creen que la justicia y la reparación son condiciones imprescindibles para que un Estado sea realmente democrático. Eso sí, sabiendo que la tarea no es nada fácil, porque los herederos ideológicos de los asesinos tratan de prolongar esa impunidad.

Aún estoy aquí es un grito en alto, un altavoz que quiere romper el ruido mudo del horror y de la crueldad. La riqueza cromática del Brasil de los años setenta, con sus playas y su musicalidad optimista, contrasta con la frialdad y la grisura de unos centros de tortura en los que se asfixiaban proyectos y libertades futuras.

Aún estoy aquí es una denuncia necesaria y un ejercicio didáctico que busca no olvidar ni dejar de explicar los mecanismos político-sociales del abuso de poder y la limitación de la emancipación, tanto colectiva como individual.

Pero, sobre todo, es una película interesante, dotada de una gran belleza visual, magníficas interpretaciones y una planificación y fotografía que te impregnan de los paisajes brasileños. Sorprende, precisamente, esa capacidad de Walter Salles para hacerte transitar a otro estado emocional del que no puedes desprenderte a lo largo de todo el film.

Aún estoy aquí no habla solo del pasado: dialoga incómodamente con el presente. Parece mentira, pero pasan los años y los acontecimientos se repiten. Lo vivimos hoy: gente inocente que muere porque otros quieren petróleo, minerales y dinero. Somos hijos de una humanidad a menudo borrada por los pocos que concentran el poder.

Mejor Película Internacional Premios Oscar 2024.

AINDA ESTOU AQUI. 2024. Brasil. Color. 137 Min.

Dirección: Walter Salles
Intérpretes:  Fernanda Torres, Selton Mello, Antonio Saboia, Fernanda Montenegro, Maeve Jinkings, Marjorie Estiano, Humberto Carrão, Carla Ribas

Guion: Murilo Hauser, Heitor Lorega. Llibro: Marcelo Rubens Paiva

Música: Warren Ellis

Fotografía: Adrian Tejido

(3) LA SINGULAR VIDA DE IBELIN, de Benjamin Ree (2024)

Emocionante documental

Qué difícil es descifrar las corrientes de agua que desfilan por el riachuelo del organismo humano. Existe la oralidad, sí, pero muchas veces queda huérfana de profundidad, porque las palabras no siempre facilitan la clave de lo que realmente se quiere transmitir. Por eso, debe ser muy angustioso para una persona tratar de averiguar los pensamientos de su ser querido en los momentos críticos, cuando la fragilidad y la angustia se apoderan del enfermo: "¿Por qué yo? Ojalá no estuviera discapacitado para experimentar sensaciones como el resto…". Son las injusticias de la vida que, barnizadas por los caprichos del azar, se repiten con frecuencia y su gestión será muy diferente entre unas personas y otras.

Este documental presenta una historia muy bonita, la de Mats Steen, quien, afectado de distrofia muscular de Duchenne, trata de vivir la vida lo mejor que puede en una silla de ruedas. Como espectador, se te encoge el corazón al observar el sufrimiento de su familia y el suyo propio.

Aunque los padres arrastraban un llanto interior constante e incesante a causa de la muerte prematura y de su vida aislada de las relaciones sociales, descubren un maravilloso mundo paralelo, lleno de amor, aprendizaje y pequeños momentos de felicidad. No explicaré más porque no quiero hacer espóiler. Lo que sí me gustaría es recomendar vivamente este trabajo, que emociona desde el primer instante.

Muy bien documentado y con una manera muy inteligente de contar parte de la historia a través de la animación del videojuego, La singular vida de Ibelin es una auténtica joya, una inyección de vida y de optimismo que nos enseña la verdadera esencia de la vida y del amor.

Premio del Público - Documental (World Cinema) Festival de Cinema de Sundance 2024.

IBELIN. 2024. Noruega. Color. 106 Min.

Dirección: Benjamin Ree

Intérpretes: Personatges documental

Guion: Benjamin Ree

Música: Uno Helmersson

Fotografía: Animación, Rasmus Tukia, Tore Vollan

(2) DEL REVÉS 2 (2024), de Kelsey Mann

La psicología emocional en directe

Otro brillante ejercicio de psicología animada en esta segunda parte de Inside Out. En esta ocasión, se adentra en el proceso de la pubertad en plena adolescencia, una etapa repleta de cambios morfológicos, fisiológicos y psicológicos que dan paso a la vida adulta. Nuevas emociones entran en la cabeza de la niña: Ansiedad, Vergüenza y Aburrimiento (a Nostalgia todavía le queda un poco), que revolucionan su vida. Por otra parte, Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Asco continúan presentes, aunque tendrán problemas de convivencia con ellas.

A partir de ese momento, comienzan las luchas internas tan reconocibles para todos nosotros y que tantas dudas y quebraderos de cabeza nos provocan. Es la gestión de las emociones, la vida misma en su salsa, pero que, gracias a estas inteligentes películas de animación, podemos ver casi en directo.

INSIDE OUT 2. 2024. Estados Unidos. Color. Animación. 88 Min.

Dirección: Kelsey Mann

Intérpretes: Animació

Guion: Meg LeFauve, Dave Holstein. Historia: Kelsey Mann

Música: Andrea Datzman

Fotografía: Animación, Adam Habib, Jonathan Pytko

(3) SALVE MARÍA (2024), de Mar Coll

Ideación filicida

Por mucho que se reflexione sobre ello, no deja de resultar perturbador el tema central de esta historia. El hecho de que una madre tenga pensamientos de matar a su hijo es difícil de comprender para el común de la población; no obstante, en algunas ocasiones este tipo de situaciones se dan, incluso hasta el punto de llevarse a cabo.

Así es: el estrés, el agotamiento y la depresión posparto pueden dar lugar a pensamientos intrusivos que alteran la tranquilidad mental de quien los padece.

En este film, todo se explica a través de María, una joven escritora que acaba de ser madre. Al enterarse de que una mujer francesa ha ahogado a sus gemelos en la bañera, se obsesiona de manera desmesurada con este hecho. De algún modo, se siente identificada y, por ello, trata de averiguar los procesos mentales que condujeron a aquella mujer a cometer una atrocidad semejante. Al mismo tiempo, se siente atemorizada y cargada de culpa al verse asaltada por pensamientos de hacer daño a su propio bebé.

Entre el interés del tema para su nueva novela y su delicado estado psicológico, María iniciará un viaje imprudente y de alto riesgo, tanto para ella como para su familia. Acompañada de una narración acertada, la película consigue sacudir al espectador, ya que el suspense y la tensión se mantienen a lo largo de todo el metraje.

En definitiva, un relato que navega entre una maternidad mal resuelta, una convivencia de pareja mal avenida y la incipiente locura del personaje central. Un film estimable que conviene tener en cuenta.

SALVE MARÍA. 2024. España. Color. 111 Min.

Dirección: Mar Coll
Intérpretes: Laura Weissmahr, Oriol Pla, Giannina Fruttero, Belén Cruz

Guion: Mar Coll, Valentina Viso. Novela: Katixa Agirre

Música: Zeltia Montes

Fotografía: Nilo Mur

(3) POLVO SERÁN (2024), de Carlos Marques-Marcet

¡Mueran los novios!

Cuando te das cuenta de que la vida no tiene sentido sin tu pareja de siempre, se activan los mecanismos de un amor incondicional que puede llegar a expresarse en la decisión más extrema: el acompañamiento final, algo así como una manera de unificarse para sellar el amor eterno. 

David Marques-Marcet explora los límites de ese vínculo afectivo en una historia tan bella como desgarradora, donde resalta el papel esencial —y terapéutico— de las relaciones humanas. Para ello utiliza un guion bien trabajado junto con una escenografía basada en la música y la coreografía, para así dar forma a  un relato profundo donde se ahonda, desde un punto de vista psicológico, en conceptos existenciales como la pérdida y el deseo de un amor eterno.

Las tensiones emocionales y familiares afloran ante la propuesta tan extraña que plantea la pareja. ¿Cómo puede dejar unos hijos que unos padres vayan a Suiza a una asociación de muerte voluntaria asistida? La madre (Claudia) decide no esperar a que su enfermedad terminal estropee su cuerpo, y su pareja (Flavio) la quiere acompanyar para morir junta a ella. Compleja tesitura y complicada proposición para que la familia lo entienda. A partir de ese momento, fluyen distintas energías para intentar solucionar el bloqueo mental que les atrapa. 

 A pesar del dramatismo, la película no renuncia al humor, a veces corrosivo —como ese “¡Mueran los novios!” que exclama la hija entre la rabia y la incomprensión—, ni tampoco a una cierta luminosidad positiva: la de quienes encuentran paz al tomar una decisión definitiva, porque, en cierta manera los padres se sienten felices de cruzar al otro lado.

En definitiva, Polvo Serán  es un film reflexivo y emotivo que nos enfrenta con serenidad al amor, la muerte y la libertad de elegir el propio final.

Espiga de Plata Festival de Valladolid 2024.

POLVO SERÁN. 2024. España. Color. 106 Min.

Dirección: Carlos Marques-Marcet
Intérpretes:  Ángela Molina, Alfredo Castro, Mònica Almirall, Patrícia Bargalló, Alván Prado, Manuela Biedermann, Emma Corbacho

Guion: Carlos Marques-Marcet, Clara Roquet, Coral Cruz

Música: Maria Arnal

Fotografía: Gabriel Sandru

(2) LOS PEQUEÑOS AMORES (2024), de Celia Rico

Retazos de felicidad

La duda y la incesante búsqueda del camino correcto son compañeras de viaje del ser humano. Esta cinta refleja esas pulsiones internas a través de un hermoso retrato de la relación entre madre e hija. Teresa, de 42 años, cambia sus planes de vacaciones para pasar el verano con Ani, su madre, que acaba de sufrir una caída y necesita cuidado para moverse. De repente, debido a las distintas personalidades de ambas, a los reproches y a la dificultad de convivir después de tanto tiempo, empiezan a fluir emociones y sentimientos largamente contenidos.

La película juega mucho con los gestos y la comunicación no verbal, expresando muy acertadamente lo que sienten sus personajes. Además, aborda de manera inteligente las diferentes experiencias afectivas propias de las relaciones humanas, como el amor entre madre e hija, la atracción (con el pintor) o los celos (la novia del pintor). Todos estos aspectos se muestran con gran sutileza, permitiendo al espectador interpretar y extraer sus propias conclusiones. 

En definitiva, una cinta austera, con mucho encanto, profundamente humana y llena de vida, donde predomina lo emocional y la constante lucha por alcanzar retazos de felicidad.

Biznaga de Plata Premio Especial del Jurado Festival de Málaga 2024.

LOS PEQUEÑOS AMORES. 2024. España. Color. 95 Min.

Dirección: Celia Rico
Intérpretes: María Vázquez, Adriana Ozores, Aimar Vega, Blanca Apilánez, Ferrán Rañé, Jesús Prieto Ortiz , Camille Figuereo, Miguel Ángel González, Pep Muñoz, Júlia Morella, Jordi Rodríguez, David Aguilar Iñigo, Carme Vilar, Laura Gaja

Guion:  Celia Rico
Fotografía: Santiago Racaj

(3) LA GUITARRA FLAMENCA DE YERAI CORTÉS, de C. Tangana (2024)

Poética e inspiradora

Me gusta mucho el enfoque de este documental porque es profundamente emocional. De esta manera, la guitarra de Yerai se convierte en un objeto catártico capaz de testimoniar las heridas y batallas que le han sido impuestas por la vida. Él mismo lo confiesa ante la cámara al afirmar que esta cinta es como una catarsis terapéutica que le permite homenajear y honrar la memoria de su hermana (de hecho, la inmensa mayoría de sus letras se basan en su impronta, además de otros sentimientos familiares). 

Efectivamente, el guitarrista necesitaba verbalizar todo lo que sentía y habitaba constantemente en su interior. Era una forma de sanarse y, al mismo tiempo, de hacer aflorar el recuerdo de su hermana Tania, porque consideraba que él y el resto de su familia se lo debían.

C. Tangana filma con una delicadeza sorprendente, realizando un estupendo y sensible documento sobre la vida y la psicología intrínseca que acompaña a este joven guitarrista.

Todos somos hijos de nuestro pasado y el suyo ha sido áspero: la separación de sus padres, la muerte de su hermana (tía), el choque de culturas, el desconcierto identitario.… En este viaje, Yérai ha buscado reconocerse, volver a encontrarse y reconstruir su lugar en el mundo.  

Fantásticos los planos, el juego con la cámara (acercamientos, distancias…), la luz, la puesta en escena y la música que lo acompaña. Todo late al unísono en un universo emotivo, poético e inspirador.

Mejor Documental - Premios Goya 2024

LA GUITARRA FLAMENCA DE YERAI CORTÉS. 2024. España. Color. 91 Min.

Dirección: C. Tangana

Intérpretes: Yerai Cortés y personajes documental

Guion: C. Tangana

Música: Yerai Cortés, C. Tangana.

Fotografía: Oriol Barcelona, Nauzet Gaspar, Àlvar Riu, Diego Trenas, Arnau Valls Colomer

(3) KIND OF KINDNESS, de Yorgos Lanthimos (2024)

Reflexión sobre el poder y la dependencia emocional

Cada vez que veo una nueva película de este director griego, me adentro en su delicia perturbadora.

Lanthimos propone un tríptico sobre el poder, la dependencia emocional y la renuncia voluntaria a la libertad. ¿Qué procesos mentales pueden operar dentro de nosotros hasta el punto de arrastrarnos ante el control de un jefe, de una pareja o de una secta?

La metáfora del guion es extrapolable a cualquier ámbito social y sirve para criticar el autoritarismo, pero también para analizar —de manera casi psicoanalítica— el deseo de ser dominado, un deseo alojado intrínsecamente en nuestra conciencia para evitar la responsabilidad de ser libres.

Cabe señalar que, en ocasiones, su intencionado mensaje críptico desconcierta; no obstante, estamos ante un cine muy interesante, reflexivo, psicológico y filosófico que, pasado por el filtro de su realizador con una propuesta tan fresca como onírica (puesta en escena, música, iluminación), deja al espectador boquiabierto.

KIND OF KINDNESS. 2024. Irlanda. Color. 165 Min.

Dirección: Yorgos Lanthimos

Intérpretes: Emma Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Joe Alwyn, Mamoudou Athie, Hunter Schafer, Yorgos Stefanakos, Merah Benoit, Abi Beaux, Tessa Bourgeois, Krystal Alayne Chambers

Guion: Efthymis Filippou, Yorgos Lanthimos

Música: Jerskin Fendrix

Fotografía: Robbie Ryan

(3) IO CAPITANO (2024), de Matteo Garrone

Odisea contemporánea

Dicen que la empatía, en un principio, es consustancial al ser humano. De hecho, dicen que cuando un niño aún con pañales oye llorar a otro, lo percibe como propio y se preocupa al máximo, estallando, en algunas ocasiones, también en llanto.

Por el contrario, dicen que esa capacidad de ponerse en el lugar de la otra persona algunos la pierden a medida que se hacen mayores. Si a esto le sumamos que un buen número de personas ha perdido la libertad de elegir y de analizar, y se la ha cedido a un líder casi desconocido, la deshumanización está más que servida.

¿Qué pensaría Santiago Abascal si viera esta película? ¿Podríamos catalogar su caso como una falta de empatía o como el fruto del delirio de un personaje patológico? No tengo ni idea; no obstante, lo que sí puedo afirmar rotundamente es que aquel a quien no se le encoja el corazón ante el metraje de esta historia es un ser sin alma. Una historia, la de los primos senegaleses Seydou y Moussa, que es un viaje al infierno para tratar de alcanzar un mundo mejor para los suyos. ¿No nos da vergüenza, a los occidentales, haberles saqueado todas las riquezas? ¿De qué nos quejamos ahora?

Garrone realiza un trabajo excelente. Esta vez actúa como observador y retrata, de manera clásica, una odisea contemporánea en la que se pone de manifiesto un mundo desigual. Cine interesante y para la reflexión.

IO CAPITANO. 2024. Italia. Color. 121 Min.

Dirección: Matteo Garrone
Intérpretes: Bamar Kane, Moustapha Fall, Seydou Sarr, Didier Njikam, Issaka Sawadogo, Affif Ben Badra, Hichem Yacoubi

Guion: Massimo Ceccherini, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso, Andrea Tagliaferri

Música: Andrea Farri
Fotografía: Paolo Carnera

(3) IN THE SUMMERS (2024), d'Alessandra Lacorazza

Relació paternofilial

Realizada de manera muy cuidada, esta historia nos habla de las complicadas relaciones de dos hermanas con su padre. Él vive separado de su madre y sus dos hijas lo visitan cada verano. En ese intervalo de tiempo, se muestran las distintas maneras de afrontar las situaciones que se presentan en la relación.

Vicente tiene una personalidad difícil y alterna momentos de lucidez con comportamientos agresivos a causa de sus problemas con el alcohol. Los vínculos que se crean dentro de este triángulo son muy fuertes. Sin embargo, a pesar del amor que se respira, predominan muchos momentos de tensión, especialmente después del accidente de coche.

Es inevitable identificarse con esta relación entre padre e hijas, marcada por sus luces y sombras y por la influencia que ejerce sobre nosotros.

Me gustaría destacar la manera en que la directora narra los acontecimientos, dándoles un orden cronológico que refleja las fluctuaciones emocionales que los acompañan.

La puesta en escena es estupenda, con una fotografía nítida que transmite tranquilidad. Además, las interpretaciones están a la altura, especialmente la de Residente, muy creíble en el papel de padre amoroso y desquiciado.

Gran Premio del Jurado  (U. S. Dramatic Competition) Festival de Cine de Sundance 2024.

IN THE SUMMERS. 2024. Estados Unidos. Color. 95 Min.

Dirección: Alessandra Lacorazza
Intérpretes: David Dastmalchian, Laura Gordon, Ian Bliss, Fayssal Bazzi, Ingrid Torelli, Rhys Auteri, Josh Quong Tart, Georgina Haig, Steve Mouzakis, Gaby Seow, Christopher Kirby

Guion: Alessandra Lacorazza

Música: Eduardo Cabra
Fotografía: Alejandro Mejía

(3) EL ÚLTIMO LATE NIGHT (2024), de Cameron Cairnes y Colin Cairnes

El demonio televisivo

Inteligente historia de terror articulada a través de un late show en el que se presenta la dicotomía entre ciencia y superstición. 

Podríamos decir que es como si estuviéramos viendo un programa a medio camino entre Buenafuente e Iker Jiménez, pero con un gancho enorme. De esta manera, la puesta en escena —con una acertada decoración vintage de los años setenta— así como el juego entre el color (cuando están en antena) y el blanco y negro (cuando no están emitiendo en directo), componen una historia con muchos ingredientes para estremecer y hacer reír, aunque siempre conserva un poso de terror latente, a punto de estallar en cualquier momento.

De fondo, subyace la lucha por la audiencia, a menudo dispuesta a recurrir al sensacionalismo más recalcitrante para ganar adeptos. Y es que la fama, el negocio y el dinero siempre tienen cabida, incluso dentro de un espacio fantástico.

LATE NIGHT WITH THE DEVIL. 2024. Estados Unidos. Color. 93 Min.

Dirección: Cameron Cairnes y Colin Cairnes
Intérpretes: David Dastmalchian, Laura Gordon, Ian Bliss, Fayssal Bazzi, Ingrid Torelli, Rhys Auteri, Josh Quong Tart, Georgina Haig, Steve Mouzakis, Gaby Seow, Christopher Kirby

Guion: Cameron Cairnes y Colin Cairnes

Música: Glenn Richards
Fotografía: Matthew Temple

(3) LA VIDA DE CHUCK (2024), de Mike Flanagan

Contengo  multitudes

Hazme caso. Es mejor no saber nada de esta película antes de verla. Es preferible que, si puede ser, no te hayas leído ni el libro, porque el factor sorpresa es muy dulce. La historia está dividida en tres actos. Pues bien, mientras veía el primero me pregunté: ¿esto qué demonios es?, ¿una versión libre de Melancholia de Lars von Trier? Acabas totalmente desconcertado. Eso sí, al comenzar el segundo ya vas atando cabos.

Esta adaptación de un relato corto de Stephen King es una bellísima metáfora sobre la vida, otorgando una importancia supina al carpe diem y a disfrutar de los pequeños momentos, aquellos que realmente dan sentido a nuestra existencia. Me parece magistral el baile junto a la batería del segundo acto. Creo que esa larga escena lo explica todo sin decir nada. Disfrutar, sentir, emocionarse. ¿Qué más podemos pedirle a este mundo?

Mike Flanagan crea una atmósfera fantástica, llena de optimismo y repleta de música y luminosidad. Un verdadero canto a la vida, con momentos muy emotivos. Como dice el título de esta crítica, tomando la cita del poeta Walt Whitman —tan presente en el filme—, contengo multitudes: porque acumulo todo aquello que he construido día tras día, porque están conmigo, porque están en mí y porque me otorgan magnificencia. 

Lección de vida, lección de cine.

Premio del Público - Mejor Película Festival de Toronto 2024

THE LIFE OF CHUCK. 2024. Estados Unidos. Color. 110 Min.

Dirección: Mike Flanagan
Intérpretes: Tom Hiddleston, Mark Hamill, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan, Jacob Tremblay, Matthew Lillard, Molly C. Quinn, Mia Sara, Michael Trucco, David Dastmalchian, Samantha Sloyan, Annalise Basso, Q'Orianka Kilcher, Kate Siegel, Benjamin Pajak, The Pocket Queen

Guion: Mike Flanagan. Historia: Stephen King

Música: The Newton Brothers
Fotografía: Eben Bolter

(3) CIVIL WAR (2024), de Alex Garland

La cruenta guerra en directo

La pasión, la vocación y el riesgo extremo de una profesión en primera línea. Esto es Civil War, un excelente film que también explora conceptos vitales que se contraponen: la camaradería y el egoísmo, el miedo a morir y el deseo de sentirse más vivos que nunca.

Todo esto transcurre dentro de un paisaje desolador, a través de la propuesta distópica de Alex Garland en una América salpicada por una guerra civil. Una coalición llamada Fuerzas Occidentales, liderada por Texas y California, se ha separado y avanza militarmente hacia la capital para derrocar al presidente del gobierno federal.

Es cierto que la historia apenas entra en las causas ideológicas de la guerra, sino que se centra sobre todo en las consecuencias humanas y el caos del conflicto, vistos a través de los ojos de los periodistas de guerra.

Solo con las imágenes se percibe el mensaje antibélico de la cinta, porque nos muestra la dura realidad: las prácticas cruentas que se llevan a cabo bajo la “indiferencia” de los reporteros de guerra. Las comillas son intencionadas. Para explicarlo, me apoyo en unas declaraciones de la corresponsal protagonista: "... nosotros estamos aquí para captar el momento; las reflexiones y juicios morales son para quien las ve...". 

Eran cuatro periodistas: tres de ellos acostumbrados al horror de la guerra, y una joven que debutaba en este campo. Es muy interesante ese contraste entre los sentimientos y emociones de unos y otros. Además, la película tiene momentos impactantes que te parten el cerebro en dos. No los contaré: no quiero hacer spoilers. Pero el director logra tensar al máximo el relato y acelerar el corazón del espectador, dado que la identificación con las víctimas es inevitable.

Civil War es buen cine porque hace pensar, porque tiene ritmo, porque el trabajo técnico es impresionante y la seriedad del guion le confiere un gran rigor y calidad.

CIVIL WAR. 2024. Estados Unidos. Color. 109 Min.

Dirección: Alex Garland
Intérpretes: Kirsten Dunst, Wagner Moura, Stephen McKinley Henderson, Cailee Spaeny, Jesse Plemons, Nick Offerman, Jefferson White, Alexa Mansour, Sonoya Mizuno, Karl Glusman, Juani Feliz, Jojo T. Gibbs

Guion: Alex Garland

Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury
Fotografía: Rob Hardy

(2) SUJO (2024), de Fernanda Valadez y Astrid Rondero

¿Se puede cambiar de vida?

A pesar de su densa oscuridad, esta película te hace preguntarte por qué algunos seres humanos tienen que vivir tan condicionados. La historia de Sujo es profundamente dramática: asesinan a su padre, que era sicario, y él queda huérfano y desamparado siendo apenas un niño. Pasa su infancia con la ayuda de su tía, que le salvará de la muerte, y crecerá en el campo tratando de evitar los constantes peligros. En su adolescencia entra dentro de un cartel mafioso del que logra salir huyendo a otro lugar para rehacer su vida lejos de la violencia.

La cinta está estructurada en partes que van desde la infancia hasta su intento de estudiar en la universidad. Como apunta su profesora, Sujo es un chico muy especial. Sin entrar a fondo en el debate psicológico sobre la influencia del entorno frente a la genética, su carácter contrasta claramente con el de quienes habitan ese universo tan siniestro. Es introvertido, sensible, empático; sufre por los demás y por sí mismo. Pero también es influenciable y poco asertivo, y esa fragilidad lo lleva a cometer errores que, en condiciones normales, jamás cometería.

En esencia, la cinta retrata la lucha interna de su protagonista y, al mismo tiempo, ofrece un crudo fresco sobre la violencia del narcotráfico mexicano. Todos estos elementos resultan muy sugerentes, aunque en algunos tramos se resienten por un ritmo excesivamente parsimonioso que no llega a empañar, aun así, su innegable calidad.

Gran Premio del Jurado Drama Mundial (World Cinema Dramatic Comptetition) Festival de Cine de Sundance 2024.

SUJO. 2024. México. Color. 126 Min.

Dirección: Fernanda Valadez y Astrid Rondero
Intérpretes: Juan Jesús Varela, Yadira Pérez, Alexis Varela, Sandra Lorenzano, Jairo Hernández, Kevin Aguilar, Karla Garrido

Guion: Astrid Rondero y Fernanda Valadez

Música: Astrid Rondero
Fotografía: Ximena Amann

(2) SUGARCANE, de Emily Kassie y Julian Brave NoiseCat (2024)

Imperialisme, supremacisme i pederàstia

Tenemos en las manos una buena cazuela para mezclar ingredientes: imperialismo, supremacismo y pederastia. Ahora, con el cucharón, lo removemos concienzudamente… y ¡voilà!: el resultado es una “exquisita” semilla de maldad.

Francamente, aunque sea cruel e inverosímil, el párrafo mencionado arriba describe, en esencia, la historia de la humanidad. Una historia que se disfraza de darwinismo social y antropológico, en la que los más poderosos devoran a los más pequeños solo para engordar el estómago de sus propios intereses.

Este documental nos presenta la investigación sobre el sistema de escuelas residenciales indígenas en Canadá. Desde 1894, el gobierno canadiense obligó a los niños y niñas indígenas a vivir en internados gestionados por la Iglesia Católica, con 139 escuelas en Canadá y 408 en Estados Unidos; la última cerró en 1997.

Los dos cineastas construyen un trabajo interesante en el que, a través de archivos y testimonios directos, se muestran abusos sistemáticos, torturas y violaciones, incluso tumbas halladas mediante técnicas geofísicas.

Sugarcane es un documental necesario, porque resulta a la vez catártico y sanador para las víctimas que han podido abrazar una paz interior que nunca habían tenido.

SUGARCANE. 2024. Estados Unidos. Color. 107 Min.

Dirección: Emily Kassie y Julian Brave NoiseCat

Intérpretes: Intervenciones de: Willie Sellars, Charlene Belleau, Whitney Spearing, Ed Archie Noisecat, Kyé7e, Jean William, Rosalin Sam, Julian Brave NoiseCat, Rick Gilbert, Anna Gilbert, Larry Emile, Martina Pierre, Laird Archie, Justin Trudeau, Papa Francisco, Louis Lougen

Guion: Emily Kassie

Música: Mali Obomsawin

Fotografía: Emily Kassie, Christopher LaMarca